Chino's PopScene!

TENGO NUEVO BLOG, ESTE SE MURIÓ. VAYAN ALLÁ.

2011-02-11T18:34:00.003-03:00

OLVIDÉ MI MANTRA

Sí, se llama así.

...

2010-11-21T01:02:00.002-03:00

BLOG TEMPORIAMENTE SUSPENDIDO. VOLVEREMOS MÁS TARDE CON LA PROGRAMACIÓN HABITUAL. O NOS MUDAREMOS A OTRO BLOG, QUIÉN SABE. MANTÉNGANSE SINTONIZADOS.

Miren, escribí la canción oficial de Brasil 2014

2010-07-12T21:52:00.001-04:00

Se terminó el Mundial de Sudáfrica. Eso significa no más enviados especiales al país africano, no más acotaciones pelotudas de Niembro, no más fixtures a medio llenar y, afortunadamente, no más “Waka Waka” de Shakira a toda hora. Pero debemos prepararnos para lo que será Brasil 2014, que prometerá más enviados especiales, más acotaciones pelotudas de Niembro, más fixtures a llenar y, desgraciadamente, otro tema irritantemente pegadizo que pululará las ondas sonoras por un mes. Como las primeras tres cosas no necesitan tanta preparación de nuestra parte (después de todo, ya casi nadie llena fixtures, los enviados especiales a cualquier lado se sufren todos los días y, con suerte, Niembro será ajusticiado prontamente por sus crímenes al periodismo deportivo), vayamos observando qué nos puede deparar la próxima canción mundialista.

En un vago, vaguísimo ejercicio de deconstrucción, llegué a la siguiente lista de características que presentan, en general, los temas oficiales de las Copas del Mundo:

- Formato de canción pop (estrofa-estribillo-estrofa-estribillo-puente-estribillo).
- Estribillo coreable.
- Es bailable o bien una balada épica.
- Uso de las siguientes palabras: sueño, hora, unidos, banderas, gol, etc.
- Uso de onomatopeyas.
- Aparición de algún término del idioma o de un dialecto del país organizador.
- Es interpretada por un cantante angloparlante popular junto a otro del país organizador.

Hecha esta lista, me puse a escribir una posible canción para Brasil 2014 y esto es lo que me salió. Les presento, entonces, a “Samba del gol” (o “Goal samba”, porque recuerden que va a ser cantada en inglés). Imagínenla interpetada por Lady Gaga y Maria Bethânia:

Agarrémonos de las manos y bailemos
Porque llegó la hora de jugar
No tengas miedo, ven al carnaval
Porque esta es la samba del gol

Miles de sueños puestos en juego
Cientos de banderas palpitan el momento
El mundo expectante y todos bailando
Porque esta es la samba del gol

ESTRIBILLO:
E un gol, e un gol
Este es el carnaval del fútbol
Oh-oh-oh-oh-ohoh
El carnaval del fútbol

Hagamos las reglas
Déjate llevar por la magia y juguemos
Las banderas flamean, es hora de unirnos
Porque esta es la samba del gol

ESTRIBILLO

Todos juntos a ganar
Todos juntos a bailar
Porque esta es la samba
Es la samba del gol

ESTRIBILLO x8

Todos somos Andy

2010-06-21T12:13:00.001-04:00

Vi Toy Story por primera vez en VHS, allá por el año 1996. Como suele suceder cuando uno es niño, si una película te gusta mucho la terminás viendo una decena de veces más en las semanas siguientes, y eso es lo que sucedió. Mi hermano se fanatizó un poco más que yo, llegando a comprarse sus propios Woody y Buzz Lightyear sin mucha vida útil comprados en el "Bolishopping", un La Salada de las afueras de Campana.

Cuando un par de años más tarde se estrenó la segunda parte de la saga (finales de 1999, yo ya había cumplido 10 años), ahí sí: toda la familia al cine. La escena en la que los juguetes protagonistas intentan cruzar una avenida escondidos en conos de tránsito rankea en el Top 5 de "partes que más me hicieron reír en un cine". Un par de meses después, los Reyes Magos (que son los padres) me regalaron la Play Station y el primer juego que tuve fue, justamente, uno basado en Toy Story 2. El CD quedó rayadísimo de tanto jugarlo (y pasarlo, porque es un juego sencillo).

Y así pasó el tiempo, y 11 años después estamos ante la tercera parte. No pienso contar mucho del film, pero es claro que los muchachos de Pixar (que en estos últimos 11 años se mantuvieron ocupados lanzando obra maestra tras obra maestra) tuvieron en cuenta a los que crecieron con las primeras dos partes de la trilogía. Si bien Woody y el resto siguen siendo los protagonistas, Andy, el dueño de todos esos juguetes que no se cansan de meterse en problemas, en vez de ser sólo un personaje periférico, ahora es también nuestro reflejo: se había olvidado de su infancia, pero le toca la hora de enfrentarse con ella de nuevo. Y termina haciendo lo correcto: pasa la antorcha a una nueva generación. Después de todo, ya estamos grandes para emocionarnos con un cowboy de juguete.

Música con estrógenos

2010-03-08T22:44:00.007-03:00

Con la excusa de que hoy es el Día Internacional de la Mujer, aquí les va un pequeño playlist con 8 canciones de algunas de las mujeres cuya música me inspira a seguir admirando y deseando al sexo opuesto.

Camino al Oscar: Enseñanza de Vida

2010-03-07T01:51:00.004-03:00

ENSEÑANZA DE VIDA
An Education
Dir.: Lone Scherfig
Con: Carey Mulligan, Peter Sarsgaard y Alfred Molina

Si hay una razón para ver Enseñanza de Vida (otra traducción horrenda), es su actriz protagónica, Carey Mulligan. Ella caracteriza a Jenny, una adolescente de 16 años de clase media bonita e inteligente, que (como diría una sinopsis más o menos genérica), ve su vida cambiada de la noche a la mañana al conocer a un treintañero de elegancia puramente inglesa llamado David que la introduce a un mundo sofisticado y burgués, de conciertos de música clásica y viajes a su amada París. El encanto que despliega Mulligan como la culta aunque ingenua Jenny es tan magnética que no importa que los últimos 20 minutos del film estén a punto de estropear todo. Porque hay que decirlo: esos fatídicos minutos parecen salidos de otra película muy diferente. Los primeros 70 minutos de An Education están marcados por un ritmo narrativo ameno, en el que uno se ve hechizado por la relación entre los personajes y los diálogos (a veces con un humor bastante british) en los que se involucran. La ambientación de prinicipios de los 60's está muy bien lograda, sumergiendo al espectador en ese mundo tan particular, sobre todo lo referente a la moda y al universo escolar y familiar estricto y ligeramente racista. El elenco es muy efectivo, también. Mención especial para Alfred Molina, actor que nunca sospeché que personificaría tan bien a un padre británico conservador e insistente. Pero como decía: los últimos 20 minutos parecen salidos de otra película muy diferente. Si hasta ese momento An Education exhudaba juventud, en los tramos finales se convierte en una vieja pesada de arrugas pronunciadas, de esas que tratan de impartirte lecciones de vida ñoñas. Esto tiene que ver con el proceso de "maduración" del personaje principal, lo tengo claro. Sólo que me pareció realizado de una manera medio torpe y abrupta. El film finalmente elige el camino del final feliz, lo que la convierte en una moraleja bonachona para todas aquellas muchachas que se debaten entre estudiar una carrera y ser una mujer seria o disfrutar de viajes a la capital francesa visitando museos (?). De todas formas, ¡Carey Mulligan! Qué linda que es cuando se ríe...

6.50/10

Bueno, esto fue "reseñas pretenciosas de las películas nominadas al Oscar a Mejor Película" para Nintendo 64 y espero que les haya gustado. Chau.

Camino al Oscar: Preciosa

2010-03-06T22:15:00.006-03:00

PRECIOSA
Precious: Based on the Novel "Push" by Sapphire
Dir.: Lee Daniels
Con: Gabourey Sibide, Mo'Nique y Paula Patton

En un inspirado momento de American Dad, se nos presenta el trailer falso de una película inspiracional ambientada durante el régimen nazi acerca de un niño judío con retraso mental alcohólico escondido en el ático de su casa junto a su familia, cuyo único amigo es un cachorrito que muere de cáncer. ¿Por qué lo menciono? Porque hay varios momentos en Precious que me hacen recordar a ese film inexistente (titulado ingeniosamente Oscar Gold). Clarissa Precious Jones se ganó la Gran Lotería de la Mala Suerte: es una adolescente afroamericana pobre, obesa, analfabeta, violada desde los 3 años por su padre (con quien tuvo una hija con Síndrome de Down y espera un niño), abusada física y emocionalmente por su terrorífica madre y que, para colmo, se entera que es VIH positivo. Así, la película se convierte en un devastador festival de golpes bajos, algunos ocurrentes y otros innecesarios que buscan la lágrima cómplice del espectador. Desgraciadamente, nunca me pude conectar demasiado con el personajeprincipal, por lo que esa acumulaciónaparatosa de situaciones más que conmoverme terminó irritándome. No es que sea cínico, pero permítamente ser un poco más pretencioso para valerme de una frase de John Cage (el compositor vanguardista, no el personaje de Mortal Kombat) para explicar mi situación: "I don't mind being moved by art, but I don't like to be pushed"*. Lo que tengo que destacar es que Precious me podría haber parecido aún peor si no fuera por varios factores. Una es la elección de mantener un perfil bajo durante toda la película, lo que ayuda a que ya la insólita situación de Precious no sea aún más exagerada. También me gustaron las muy logradas secuencias de fantasía de la protagonista, en las cuales se imagina como una estrella de Hollywood o recrea charlas con su madre al estilo de un film italiano. Pero por supuesto que el plato fuerte del film (y seguramente lo habrán leído en millones de lugares) es el elenco. Cada uno de los actores involucrados cumplen con creces, desde la ignota Gabourey Sibide en el papel principal hasta Mariah Carey en un sorprendente rol secundario (sí, leyeron bien: Mariah Carey), pasando obviamente por Mo'Nique como la abominable madre de Precious, quien se come la película. El mayor problema que tuve con el film, sin embargo, es que se conforma con ser una película con un mensaje "esperanzador" más: ¿estuvimos 2 horas mirando cómo a esta adolescente la maltrataban y la pisoteaban sólo para que nos digan "con fuerza todo se puede"? No creo que era necesario tanto sadismo cinematográfico al servicio de un mensaje que ya vimos miles de veces.

5/10

*"No me molesta ser conmovido por el arte, pero no me gusta ser presionado"

Camino al Oscar: Vivir al Límite

2010-03-05T19:38:00.010-03:00

VIVIR AL LÍMITE
The Hurt Locker
Dir.: Kathryn Bigelow
Con: Jeremy Renner, Anthony Mackie y Brian Geraghty

Vivir al Límite comienza con una frase en pantalla que resume sucintamente y con claridad el tema que veremos plasmado en las próximas dos horas: "El ímpetu de la batalla es una potente y muy a menudo letal adicción, pues la Guerra es una droga". Y allí aparece el sargento William James, un experto en la desactivación de bombas, tan talentoso como imprudente que en tiempos post-invasión a Irak causa tanto admiración por la cantidad de artefactos desactivados como reprimendas por sus métodos. La película está marcada por una tensión que se siente desde la primera escena, en una secuencia impactante. Desde allí, Vivir al Límite se vale de ese sentimiento de impredecibilidad insoportable para delinear cada una de las escenas. Todo se siente natural y cotidiano en el film: justamente, el fin parece ser mostrar esa extraña rutina, aunque lamentablemente sólo podemos ver el lado yanqui. De todas formas, uno de sus logros consiste en no demonizar al "enemigo" ni tampoco (al contrario de lo que algunos dicen) glorificar al ejército invasor. Tal vez esa "naturalidad" en las escenas y la crudeza de ciertas secuencias hace difícil que uno termine simpatizando por los yanquis, aunque la historia, al ser contada del lado estadounidense, no deja otro marco que conectarse con James, esa especie de antihéroe personificado sólidamente por Jeremy Renner. Vivir al Límite, aunque no me pareció la gran maravilla que los críticos estadounidenses dicen que es, me terminó gustando por el manejo de la tensión, el delineado de algunos personajes secundarios y varias escenas realmente logradas. Si hay algo en especial que le objeto a la película (además del relato exclusivo de sólo una de las dos partes involucradas en la guerra), es el espantoso soundtrack pseudometalero que hace su aparición esporádicamente.

7.50/10

Camino al Oscar: Avatar

2010-02-28T23:24:00.005-03:00

AVATAR
Dir.: James Cameron
Con: Sam Worthington, Zoe Saldana y Sigourney Weaver

Se ha hablado tanto de Avatar, que cualquier cosa que diga peca de redundante. De todas formas, voy a tomar lo que ya se ha dicho de ella para dar mi opinión. Primero, hablemos del 3-D, los efectos especiales y toda esa cháchara. Como ya demostró en películas anteriores, James Cameron es un as en esto de gastar millones de dólares en que el film se vea de lujo, y aquí lo vuelve a lograr. Verla en 3-D es toda una experiencia visual , y eso que no la vi en IMAX, donde al parecer es aún más impresionante. Eso sí, después de los minutos iniciales, cuando uno ya se acostumbró al efecto tridimensional y a los molestos anteojos que posibilitan la ilusión óptica, no queda otra cosa que sumergirse en la historia. Y aquí aparece la principal crítica al film: su trama. Muchos otros ya se encargaron de compararla con varias películas famosas (Pocahontas, Danza con lobos) y yo no puedo hacer otra cosa que estar de acuerdo. Después viene la previsibilidad, que asesina todo intento de sorpresa en la aventura. Por último vienen los personajes, algunos irritantemente estereotipados (el héroe redimido, el buen salvaje), y otros que de tan ridículos caen en la mera caricatura (el personaje del Coronel -el "malo"- en vez de causar respeto o miedo, sólo me provocó gracia). El film también está cargado de conciencia ecológica light y una crítica poco sutil a la política armamentista yanqui ("¡Debemos pelear al terror con terror!"). Aun así, Avatar es bastante amena en sus dos horas cuarenta de duración y el épico combate entre soldados yanquis y Na'vis hacia el final me tuvo al borde del asiento. Dudo que dentro de 10 años sea vista como una obra maestra. Si la tecnología del 3-D avanza de tal forma que adorne mejores historias, Avatar quedará, tal vez, apenas como dato anecdótico por sus récords de taquilla. Agradezco por lo menos que no es tan estúpida como Titanic.

6/10

Camino al Oscar: Un Sueño Posible

2010-02-19T22:41:00.005-03:00

UN SUEÑO POSIBLE
The Blind Side
Dir.: John Lee Hancock
Con: Sandra Bullock, Quinton Aaron y Tim McGraw

Iba una hora de Un Sueño Posible cuando, de repente, me dije en voz alta: "Pero...¡esta es una película de micro de larga distancia!". Cualquiera que haya viajado en esos hermosos colectivos de dos pisos sabe que hay dos clases de films que se exhiben en el trayecto: por un lado, exponentes del género de acción, con muchos tiros y héroes llenos de testosterona. Por otro lado, tenemos a películas para toda la familia, ya sean comedias tipo Más Barato por Docena o dramas con algún mensaje esperanzador. Un Sueño Posible es de estas últimas: es la historia de una familia blanca y republicana del sur de los Estados Unidos que adopta a un joven afroamericano conocido como "Big Mike", que pronto demostrará ser un as en el fútbol americano (alias "ese deporte que no le importa a nadie en el mundo salvo a los yanquis"). Y, como el 90% de las películas de micro de larga distancia, Un Sueño Posible es bastante mediocre. Con un desarrollo aburridamente convencional y gastado (sí, tengo en cuenta que el film está basado en una historia real), personajes estereotipados hasta el hartazgo (un grupo de cuarentonas conchetas, un hincha redneck jetón y racista, negros maleducados en un ghetto y siguen las firmas) y diálogos predecibles ("Cambiaste su vida" seguido de "No, el cambió la mía"), la película es totalmente inocua y apenas sirve para demostrar que Sandra Bullock tiene un ápice de talento en ella. Es decir: su actuación es apenas correcta, pero comparada a muchas de sus performances anteriores, este es un punto cúlmine de su carrera. Su nominación al Oscar a Mejor Película prueba dos cosas: una, que el parámetro de la Academia es muchas veces lamentable (pero eso ya lo sabían, ¿no?) y, segundo, que aumentar de 5 a 10 a las nominadas iba a resultar sí o sí, como en este caso, en alguna mención inexplicable.

4/10

Camino al Oscar: Bastardos Sin Gloria

2010-02-18T02:42:00.006-03:00

BASTARDOS SIN GLORIA
Inglourious Basterds
Dir.: Quentin Tarantino
Con: Brad Pitt, Christoph Waltz y Mélanie Laurent

Y un día Quentin Tarantino se metió con el género bélico y le aplicó su sello personal, con un toque de fantasía. Y es que en su séptimo film está todo, todo, lo que viene haciendo desde su carrera. Tarantino parte de la premisa ya anteriormente explotada de un escuadrón de hombres despiadados dispuestos a dejar sus vidas cazando y asesinando nazis, pero lo inunda de su toque característico de verdadero auteur: largos e idiosincráticos diálogos, referencias cinéfilas a granel, violencia estilizada y mucho humor negro. También vuelve a tocar el tema de la venganza y nuevamente sus personajes son rústicamente amorales. Hablando de ellos, Quentin creó para este film varias figuras antológicas, desde el implacable jefe de "Los Bastardos", Aldo Raine (divertidísimo Brad Pitt, que se pasa toda la película balbuceando un jocoso acento sureño), hasta Shoshanna, la dueña de un cine con sed de venganza, pasando, por supuesto, por el Coronel Hans Landa, el escalofriante "cazador de judíos" y villano carismático interpretado fabulosamente por Christoph Waltz. Aunque a veces se siente algo irregular (hay escenas como la del sótano que se extienden un poco más de lo debido), lo cierto es que el film entretiene en todo momento, con una mezcla de acción y farsa que la hace irresistible. Escenas como el primer capítulo o el explosivo clímax del film (que exhibe una grotesca ucronía y en el que el cine se convierte en el actor principal) sellan una gran película que, como todas las obras del director estadounidense, encontrará sus detractores y sus admiradores. Por supuesto, considérenme entre los últimos.

9/10

Camino al Oscar: Up

2010-02-12T17:50:00.004-03:00

UP
Dir.: Pete Docter
Con voces de: Edward Asner, Christopher Plummer y Jordan Nagai

Hablar de Up es hablar de Pixar, productora que desde hace dos décadas sólo entrega productos de calidad, a partir del feliz matrimonio entre entretenimiento familiar, historias bien contadas y espectáculo visual. Que Up sea el segundo film animado de la historia en ser nominado al Oscar a Mejor Película (la primera fue La Bella y La Bestia [?]) y que a la vez haya recibido una ovación en el Festival de Cannes, demuestra que su atracción excede al circuito mainstream y se mete en otros terrenos. Lo especial de Up (y la mayoría de los films marca Pixar) es que no se duerme en los laureles; no se conforma con ser una "película familiar" más. Por supuesto, los niños la disfrutarán mucho: uno de los protagonistas es un niño, hay un grupo de perros que hablan y es terriblemente entretenida. Lo más llamativo es que no subestima a ese público, es decir, no lo trata como una masa uniforme y vacía. Y, por más impresionante que sea la animación, el énfasis está puesto en la historia y en la forma de narrarla. Tomen por ejemplo el montaje de la relación entre Carl y su esposa en el principio del film: emocionante y desgarrador pero encantadoramente sutil. Pero su público no está limitado a los infantes y por eso es incorrecto llamarla "película infantil": Up es, finalmente, una aventura de tintes épicos, con personajes entrañables y prolijamente animada. No puedo decir que es mi favorita de las creaciones de Pixar, pero es sin duda un nuevo logro de la productora. Dreamwork Animations, no existís.

8/10

Camino al Oscar: Amor Sin Escalas

2010-02-10T19:43:00.005-03:00

AMOR SIN ESCALAS
Up in the Air
Dir.: Jason Reitman
Con: George Clooney, Vera Farmiga y Anna Hendrick

En los primeros minutos de la película, da la impresión de que Jason Reitman está a punto de hacer una remake de Gracias por Fumar, su ópera prima. Pero en vez de un vocero de las empresas tabacaleras carismático, ahora tenemos a un encantador empleado de una empresa de despidos laborales muy eficiente en su trabajo. Pero Amor Sin Escalas (maten al traductor) no es una sátira oportunista sobre la crisis económica y sus consecuencias en el mercado laboral, sino la historia de un tipo llamado Ryan Bingham que, a partir de pasarse gran parte de su vida a bordo de aviones, forjó un estilo y una filosofía de vida particular (hasta da charlas motivacionales sobre eso). Lo suyo es una alienación burguesa/laboral: no tiene contacto con su familia, no sabemos si tiene amigos, etc. Lo único que parece importarle es acumular millas aéreas. Por supuesto, el film se encarga de detallar cómo Ryan "madura" y se da cuenta, entre otras cosas, que "la vida es mejor con compañía" y bla bla bla. Por esto, el desarrollo del film es bastante lineal y previsible, pero ello no significa que estemos ante una mala obra. Para nada. El guión es bastante inteligente y permite a que la película no se sienta forzada: todo fluye agradablemente, con momentos cómicos, dramáticos y románticos intercalados en dosis exactas. Clooney maneja bien a su personaje, dotándole carisma y simpática pedantería a Ryan y Vera Farmiga también está perfecta como su interés ¿romántico? Un film agridulce, bien actuado y con un guión consistente, pero no creo que le vaya a cambiar la vida a nadie.

7/10

Camino al Oscar: Sector 9

2010-02-07T14:00:00.010-03:00

SECTOR 9
District 9
Dir.: Neill Blomkamp
Con: Sharlto Copley, Jason Cope y David James

Sector 9 es uno de esos films muy queridos por la crítica que divide al público. Conozco personas que la vieron y la amaron y, por el otro lado, hay quienes la aborrecieron. Yo me voy a ubicar tímidamente en una especie de punto medio. Primero, voy a enumerar lo que me parece lo más rescatable. Por empezar, la primera parte de la película es decididamente interesante. Filmada estilo documental, el film despliega una sátira salvaje y ligeramente ácida de las conductas xenofóbicas que es difícil de ignorar y supone un golpe de aire fresco para un género actualmente tan vilipendiado como la ciencia ficción. Que el film esté ambientado en Sudáfrica, país que tiene una larga historia de segregación racial, resulta por lo menos llamativo. Si la película hubiera seguido este camino, tal vez me hubiera gustado más. El problema es que, de pronto, el film muta casi drásticamente y se convierte en una aventura de acción bastante más convencional (aunque entretenida). Este rasgo es una de las tantas conductas esquizofrénicas de Sector 9 que hicieron que no me termine de convencer del todo. Otra cosa que hace ruido es, por qué siendo (o autoproclamándose) una sátira al racismo, uno de los "malos" de la película es grupo de nigerianos matones y explotadores. Lo más decepcionante viene hacia el final, cuando el film se transforma casi completamente en alguna aberración perpetrada por Michael Bay. De todas formas, no voy a ser tan duro con el film. Lejos de ser una gran película, Sector 9 entretiene muchísimo (no hay que olvidar que, después de todo, es un film de aventuras), y la primera parte es más que intrigante, aunque finalmente su multipolaridad termina perjudicándola.

7/10

Camino al Oscar: Un Hombre Serio

2010-02-06T18:21:00.014-03:00

UN HOMBRE SERIO
A Serious Man
Dir.: Ethan Coen, Joel Coen
Con: Michael Stuhlbarg, Richard Kind y Fred Melamed

No sé por dónde comenzar a hablar sobre Un Hombre Serio. Podría empezar contando de qué trata, pero la verdad es que no hay mucho que decir: es, al parecer, la historia de un profesor de física al que las cosas le empiezan a salir mal (su mujer le pide el divorcio, sus hijos lo vuelven loco, un alumno intenta sobornarlo para que lo apruebe) y comienza a buscar respuestas espirituales hablando con varios rabinos, como buen judío ortodoxo. Pero es mucho más complejo que eso. No creo que esta sea una película que se destaque por su historia. Es un film que se define más bien por su tono seco, y su humor negro (sello de los hermanos Coen), por su tristeza subyacente que de vez en cuando sale a respirar a la superficie, por las numerosas preguntas sin respuestas, por ese despojo casi cínico a sus personajes anclados en un mundo propio. No puedo afirmar que entendí el film en su totalidad, y eso es por el tratamiento casi onírico de varias escenas. Por empezar, aún me indago qué tiene que ver el prólogo con el resto de la cinta, aunque ya esbocé algunas conjeturas (vagas, pero conjeturas al fin). El abrupto final puede llegar a enfurecer a algunos, pero su anticlímax concuerda con el tono de lo visto en los minutos anteriores. Lo cierto es que Un Hombre Serio me gustó, y mucho. Me atrapó de una manera extraña y me dejó con varias cosas para pensar luego de su conclusión. Además, cualquier película que use a "Somebody to Love" de Jefferson Airplane como motivo recurrente va a ser buena a mis ojos.

8/10

J.D.: Q.E.P.D

2010-01-28T17:15:00.002-03:00

(1919-2010)

Chau, me voy a leer alguna de las Nine Stories. "El hombre que ríe", quizás.

Achtung! 03246/16

2010-01-18T13:32:00.005-03:00

Imaginá que estás boludeando con tu radio portátil y en una estación escuchás esto:

¡Felicidades! Te has encontrado con lo que los nerds de las ondas radiales llaman "number stations", estaciones de onda corta, utilizadas por (se supone) agencias de espías para enviar mensajes encriptados. Estas estaciones transmiten largas listas de números dichas por voces casi siempre femeninas, código morse, y música funcional. Muchas de estas fueron recopiladas en un álbum de 4 CD's llamado The Conet Project: Recordings of Shortwave Numbers Stations y que es una escucha bastante interesante y, en algunos casos, hasta escalofriante. Si no, escuchen esta estación, conocida como "The Backwards Music Station" y que podría ser el sonido de ambiente del mismo Infierno.

Dato de color: varias bandas han sampleado algunas de estas estaciones para algunos de sus temas. Stereolab sampleó esta preciosura para su canción "Pause" y Wilco esta otra, que le dio nombre a su disco más conocido, Yankee Hotel Foxtrot.

Mi otro 2009 (u: otra lista aburrida de discos del año que ya pasó)

2010-01-04T13:43:00.017-03:00

Bueno, al parecer todavía no me puedo desprender del 2009 y todo lo que dejó, así que aquí va otra lista de discos, esta vez de aquellos que ocuparon mi atención gran parte del 2009 pero que fueron editados en años anteriores.

ST. VINCENT
Marry Me
2007

Después de escuchar su segundo disco, Actor, decidí darle una oportunidad al debut de Annie Clark. A primera escucha, no me sorprendió demasiado, me pareció muy... tranquilo, si se puede decir. De todas formas, lo cargué al reproductor de MP3 y lo escuché en un viaje de Capital a Campana. Y cómo pegó. Me tuvo trastornado por un mes y medio aproximadamente este álbum y lo escuchaba al menos una vez por día. Hay mucho que rescato. Principalmente, la preciosa voz de (la también preciosa) Annie Clark, que con sus arrullos frágiles te enamora al instante. Pero también me llamaron la atención los intrincados arreglados que aparecen en algunos temas, como en "Now, Now" (que termina con un descontrolado solo de guitarra), "Jesus Saves, I Spend" y "The Apocalypse Song". Pero mis canciones favoritas son sin duda "Marry Me" (canción que hizo que pensara seriamente en cambiarme el nombre a John) y "Paris Is Burning" (esta última entró al ranking de mis canciones favoritas de la década). De más está decir que espero ansiosamente el próximo trabajo de Annie.

Para escuchar: "Now Now"

WHITE NOISE
An Electric Storm
1969

En este año, hubo dos excursiones musicales que emprendí: la primera, bastante tímida, al mundo de las cantautoras femeninas y, la otra, al campo del rock electrónico/psicodélico de finales de los 60's. En este último marco escuché muy buenos e innovadores discos, como el debut de Silver Apples (Portishead tomó mucho de ellos para su celebrado Third) o una joyita casi desconocida llamada Cauldron de una banda llamada Fifty Foot Hose. Pero el mejor hallazgo es An Electric Storm de White Noise. Antes de la llegada del sintetizador, la música electrónica era creada mediante distintas maneras; una de ellas siendo la manipulación de cintas magnéticas. Así es como fue creada gran parte de este álbum. Son apenas 7 canciones la que conforman An Electric Storm: las primeras 5 son canciones pop bizarras, repletas de samplers (como "My Game of Loving", en el que aparecen sonidos de gemidos) y melodías extrañas pero pegadizas. De estas se destacan "Love Without Sound", "Here Come the Fleas" (caricaturesca hasta más no poder) y la majestuosa "Your Hidden Dreams". Los últimos dos temas son los más "experimentales": "The Visitation" es un melodrama de 11 minutos y "Black Mass: An Electric Storm in Hell" (¡gran título!) es como debe sonar el hit de la banda de rock liderada por Lucifer. Recomiendo escucharlo con la luz apagada: es un fascinante viaje al incosciente.

Para escuchar: "Your Hidden Dreams"

THE UNITED STATES OF AMERICA
The United States of America
1968

Y esta es la otra joyita del rock psicodélico/electrónico de finales de los 60's. Los USA estaban más cercanos a bandas psicodélicas de la Costa Este. Es más: la voz de Dorothy Moskowitz hace recordar mucho a Grace Slick, tanto que "The Garden of Earthly Delights" parece un hit que Jefferson Airplane nunca grabó. De todos modos, los USA se mandaron este disquito (el único en su carrera) que reserva varias sorpresas. Por empezar, no utilizaron guitarras. Acá es todo osciladores, teclados, violines distorsionados y un talento para hacer melodías pop que da miedo. Llegué a ellos después de leer su influencia en Stereolab y Broadcast y la verdad que me alegro de haber encontrado este álbum.

Para escuchar: "The Garden of Earthly Delights"

BRIAN ENO
Here Come the Warm Jets
1974

A Brian Eno se lo conoce más como productor de bandas como Talking Heads, U2 y Coldplay o por sus trabajos ambient. Algún otro lo conocerá como "el pelado que creó la música de inicio del Windows '95". Como sea. Lo cierto es que el tipo, después de dejar Roxy Music, peló cuatro discos solistas al hilo que son espectaculares. Su debut en solitario es un compendio de glam-rock ("Needles in the Camel's Eye" siendo la mejor en este terreno) con un toque de pop experimental. Por supuesto, también hacen su aparición algunos de sus experimentos sonoros, como las guitarras en la emotiva "Here Come the Warm Jets", la canción que deseo que pongan de fondo cuando esparzan mis cenizas en el mar. [De Brian Eno también sonaron mucho Taking Tiger Mountain (By Strategy), Another Green World y Before and After Science]

Para escuchar: "Here Come the Warm Jets"

TOM ZÉ
Todos os Olhos
1973

Llegué a este trabajo de pura casualidad. Estaba leyendo una lista de tapas de discos que guardaban historias particulares y Todos os Olhos era una de ellas. Véanla. ¿Qué parece? Un ojo, ¿no es cierto? Bueno, lo cierto es que es una bolita de mármol tapando un ano. No los jodo. Googleen. Al parecer, es una especie de burla a la censura recibida por Zé por la dictadura de esos años. Luego de leer tan fascinante historia, escuché el tema que le da nombre al disco y me enganchó muchísimo. Comienza con un punteo raro, en el que no se sabe qué nota va a seguir. El estribillo es también muy pegadizo, con la repetición de líneas como "yo soy inocente". El disco en sí es una mezcla de música popular brasileña con arreglos extravagantes, impredecibles, lo que lo convierte en una experiencia sonora rica y entretenida. En el plano de las letras también brillante, como se puede leer en su canción "Complexo de Épico", en el que Zé se ríe de la solemnidad de algunos de sus compañeros músicos.

Para escuchar: "Todos os Olhos"

COCTEAU TWINS
Heaven or Las Vegas
1990

Este es uno de los discos más hermosos que escuché en mi vida. Todo te hace volar: los instrumentos (ay, ¡esas guitarras!), las melodías y sobre todo la voz de Elizabeth Fraser. Oh, esa voz. Ese murmullo ininteligible angelical. Parece una sirena seduciendo a los marinos para llevarlos a su perdición. Es casi erótico. No tengo nada más que decir. Bájenselo si no lo escucharon. [De Cocteau Twins también sonó mucho Treasure]

Para escuchar: "Iceblink Luck"

KATE BUSH
The Dreaming
1982

Aquel que conoce la discografía de la tía Kate ya debe saber que The Dreaming es el disco menos indicado para iniciarse en su música. Para eso están The Kick Inside y Hounds of Love. Curiosamente, mi primer encuentro discográfico con Kate (aunque no mi primer encuentro en sí, porque ya conocía "Wuthering Heights" y "Running Up That Hill"... gracias VH1) fue a través de su cuarta placa, considerado el más experimental, hasta por la propia Bush, que lo llama "su álbum loco". Y vaya que lo es. Yo, pobre ingenuo, pensaba que iba a encontrarme con un disco pop-rock sutil (The Kick Inside es quizás más parecido a eso), pero no. En cambio, me hallo frente a extravagancias como "Sat in Your Lap", "Leave It Open" y "Get Out of My House" (esta última con sonidos de mula incluídos). Lejos de espantarme, me prendí a la joda, ya que siempre me gusta un poquito de locura en el pop. Un discazo, que afortunadamente conseguí en CD no mucho tiempo después y que marcó el inicio de un amor por Kate, su música y sus cuerdas vocales y que parece que va a durar un tiempo largo. [De Kate Bush también sonaron mucho The Kick Inside, Never for Ever y Hounds of Love]

Para escuchar: "Suspended in Gaffa"

THE MAGNETIC FIELDS
69 Love Songs
1999

Este disco lo tenía pendiente hace rato. Es más, me lo bajé en 2008, pero nunca me decidí ponerme a escucharlo. Me abrumaba la magnitud del trabajo: 69 canciones, 3 volúmenes, casi 3 horas de música. Pero un día me animé y comencé a escuchar un volúmen por vez. Y qué puedo decir. El cancionero indie-pop por excelencia. El álbum perfecto para llevar a una isla desierta. No todas las canciones son excelentes, pero incluso las que son claramente relleno (especialmente los ejercicios de género, tipo "Punk Love", "Experimental Music Love" y "Love Is Like Jazz") tienen su encanto. Por lo menos 40 de las 69 canciones de amor son pequeñas obras maestras, creaciones de la mente de Stephen Merrit, ese neoyorquino sensible y cínico que aquí canta sobre todo lo referido al amor: el romance, el desengaño, pero también las mismas canciones de amor, en un curioso ejercicio metalingüístico. ¿Favoritas? Dificilísimo elegir. Vamos por 5: "Sweet Lovin' Man", "When My Boy Walks Down the Street", "The Luckiest Guy on the Lower-East Side", "I Don't Believe in the Sun" y "Yeah! Oh Yeah!". [De Magnetic Fields también sonaron mucho Holiday e i]

Para escuchar: "Yeah! Oh Yeah!"

Si llegaron hasta aquí, los aplaudo. Como no quiero aburrirlos más, vamos cerrando haciendo mención a otros discos que llenaron mis oídos de música el año que ya pasó:
- She & Him - Volume One (mi querida Zooey Deschanel y M. Ward en plan retro)
- Tori Amos - Little Earthquakes y From the Choirgirl Hotel ("Precious Things" y "RA-A-A-AH-AH-AH-A-A-ASPBERRY SWIIIIIIRL")
- Broadcast - The Noise Made By People (pop retro-futurista del bueno)
- Pulp - This Is Hardcore (o la resaca después de la fiesta del brit-pop)
- Buzzcocks - Singles Going Steady (punk melódico británico o: para Ramones, que lo mira por TV)
- Wilco - Yankee Hotel Foxtrot (rock alternativo yanqui cool y ecléctico)
- The Flaming Lips - The Soft Bulletin y Yoshimi Battles the Pink Robots (los Lips y su psicodelia electrónica-acústica)
- The Zombies - Odessey and Oracle (¡esas melodías! Nada que envidiar a Pet Sounds)
- Primal Scream - XTRMNTR (el disco más mala leche que escuché en mi vida)
- David Bowie - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars y Low (un clásico y Eno y Bowie en una de sus mejores colaboraciones)
- Gomez - Bring It On e In Our Gun (otros muchachos eclécticos, esta vez desde Inglaterra)
- My Bloody Valentine - Isn't Anything (mejor que el bonito aunque infladísimo Loveless)
- Sparks - Kimono My House (pop espástico, teatral, ligeramente gay y terriblemente pegadizo)
- Gorky's Zygotic Mynci - Bwyd Time y 20 (Singles and EP's 94-96) (otra de las razones por las que quiero conocer Gales)
- Ween - White Pepper (mis bromistas favoritos y uno de sus discos más "serios")
- Belle and Sebastian - Dear Catastrophe Waitress y The Life Pursuit (adorables)
- Roxy Music - For Your Pleasure (glam al palo)
- Faust - Faust IV y So Far (alemanes locos)
- Can - Tago Mago y Future Days (alemanes locos II)
- Big Star - #1 Record (power pop setentoso)
- Mary Timony - The Golden Dove (Mary y su pequeño mundo medieval)
- Os Mutantes - Mutantes (aguante la psicodelia brasileña)

Best Of '09: Videoclips

2009-12-25T12:25:00.001-03:00

05. "Fire" - Kasabian

Aire de western y una pequeña historia de un robo que termina mal.

04. "Heaven Can Wait" - Charlotte Gainsbourg & Beck

¿Quiénes dirigieron este video? ¿Luis Buñuel y Michel Gondry?

03. "Treat Me Like Your Mother" - The Dead Weather

Nunca pensé que iba a disfrutar tanto viendo a dos personas cagándose a metrallazos por dos minutos. El hecho de que esas dos personas sean Jack White y Alison Mosshart de The Kills tal vez sea la razón por la que me fascina este violento videoclip.

02. "Wrong" - Depeche Mode

Un video oscuro, angustioso, que despierta a la imaginación. ¿Qué pasó antes? ¿Quiénes son las personas arriba del auto?

01. "Strawberry Swing" - Coldplay

Un superhéroe se embarca en una misión en un mundo fantástico hecho de tiza para rescatar a una doncella en apuros. ¿El villano? Una ardilla gigante y malévola.

Best Of '09: Películas

2009-12-21T11:55:00.024-03:00

10.

ENTRE LOS MUROS
Entre les murs
Dir.: Laurent Cantet
Con: François Bégaudeau, Esmeralda Ouertani y Franck Keïta

Me pasó algo raro con Entre los muros: la alquilé en DVD y cuando terminé de verla, sabía que estaba frente una buena película, pero que para mí no presentaba ningún conflicto que sirviera como nexo de la narración. Sin embargo, en camino al videoclub a devolver el DVD, todo cobró más sentido. En efecto, la película sí mostraba un conflicto, una tensión permanente: la del profesor y los alumnos y de estos últimos entre ellos. De una manera tremendamente realista, el film sirve como reflejo de las pujas de poder y el multiculturalismo en un aula de una escuela francesa, en el que tanto el profesor como sus alumnos tienen algo que decir.

09.

UP
Dir.: Pete Docter
Con voces de: Edward Asner, Christopher Plummer y Jordan Nagai

Como ya es costumbre, Pixar nos trae una nueva gran película familiar, estupendamente animada, con personajes adorables y bien escrita. Esta vez, una aventura de proporciones épicas que guarda momentos emotivos y demás sorpresas. Dreamworks Animations, seguíla chupando.

08.

FROST/NIXON
Dir.: Ron Howard
Con: Frank Langella, Michael Sheen y Sam Rockwell

Ron Howard se redime (temporalmente) con una dramatización del detrás de escena de las famosas series de entrevistas a cargo del periodista David Frost (un presentador populachero, sin un fondo político serio y que se codea con la farándula) a Richard Nixon después de su renuncia por el escándalo de Watergate. Un film redondo, atrapante, dinámico y dramático sin recurrir a trucos baratos (aunque por momentos parece que está apunto de hacerlo), con un guión sólido y estupendas actuaciones de Frank Langella y Michael Sheen.

07.

GOODBYE SOLO
Dir.: Ramin Bahrani
Con: Souleymane Sy Savane, Red West y Diana Franco Galindo

Goodbye Solo nos presenta una de esas historias chiquitas que algunos abrazarán cariñosamente, mientras que otros le darán la espalda con desprecio: la de un taxista de origen senegalés parlanchín y simpaticón que decide hacerse amigo de un anciano depresivo y arisco que lo contrata para llevarlo un día a la cima de una montaña. Con algo de humor y cargada de un dramatismo sutil, el director Ramin Bahrani nos deja acompañar a estos dos personajes tan particulares, antes de encajarnos uno de esos finales en los que el silencio cobra más importancia que las palabras.

06.

GRAN TORINO
Dir.: Clint Eastwood
Con: Clint Eastwood, Bee Vang y Christopher Carley

Y hablando de viejos gruñones, Clint Eastwood personifica uno de los personajes más memorables de los últimos años: Walt Kowalski, un anciano amargo, solitario y xenofóbico que vomita todo su odio al ver lo que se ha convertido su antes querido vecindario y, que, un buen día, se ve obligado a enseñarle a un chico de origen hmong un par de cosas sobre la vida. Aunque por momentos se mete en terrenos predecibles, la película funciona gracias a un guión preciso y personajes altamente queribles.

05.

(500) DÍAS CON ELLA
(500) Days of Summer
Dir.: Marc Webb
Con: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel y Matthew Gray Gubler

Agridulce y con momentos realmente inspirados, (500) días con ella se aleja de varios de los convencionalismos del género "comedia romántica", al mismo tiempo que se nutre de otras historias con trasfondo amoroso contadas desde el punto de vista masculino, desde Annie Hall a Alta fidelidad. Empapada de exquisitas referencias culturales (El graduado, The Smiths, Ingmar Bergman) y escenas que pasan de enternecer a devastar emocionalmente al espectador, el film se mantiene sobre todo por la química entre Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel (una de mis famosas fetiche), la pareja principal de esta historia sobre las desventuras de estar enamorado.

04.

CRIATURA DE LA NOCHE
Låt den rätte komma in
Dir.: Tomas Alfredson
Con: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson y Per Ragnar

Qué mal le hizo Crepúsculo a la mitología vampiresca. Para arreglar el moco causado por Stephanie Meyer y aledaños, desde Suecia llega Låt den rätte komma in (o Let the Right One in o Déjame Entrar o Criatura de la noche), un film que se apoya en la mitología de los chupadores de sangre nocturnos pero centrándose en la relación entre Oskar, un preadolescente solitario y Eli, una vampiresa que ha tenido, en sus palabras, "12 años desde hace mucho tiempo". Violenta y oscura, pero a la vez delicada y romántica, el film es ayudado por su atmósfera gélida y actuaciones espectaculares, especialmente de los jóvenes Kåre Hedebrant y Lina Leandersson.

03.

EL SECRETO DE SUS OJOS
Dir.: Juan José Campanella
Con: Ricardo Darín, Soledad Villamil y Guillermo Francella

Sorpresivamente la película nacional más vista del año (o no tan sorpresivamente, teniendo en cuenta que no ha habido grandes estrenos nacionales), El secreto de sus ojos es una categórica tapada de boca a todo aquel que pensaba que el cine argentino estaba sepultado varios metros bajo tierra. Una película con un suspenso trepidante, repleta de escenas para el recuerdo (difícil no maravillarse ante el plano secuencia en el estadio de Huracán) y actuaciones redonditas, sobre todo de parte de Guillermo Francella, que después de su participación en este film ya debe considerar dejar su eterno papel "cómico" de "chanta porteño".

02.

EL LUCHADOR
The Wrestler
Dir.: Darren Aronofsky
Con: Mickey Rourke, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood

Darren Aronofsky se anota un nuevo poroto en su filmografía con otra historia de sueños americanos truncos, la de un luchador otrora famoso que ahora se mantiene a base de la nostalgia de sus viejos seguidores y que, luego de un paro cardíaco, debe recomenzar su vida. Todo lo que han oído sobre la actuación de Mickey Rourke es cierto: su performance es emotiva como pocas. Sin caer en terrenos melosos, el film mantiene en todo momento un perfil de una honestidad teriblemente brutal. Incluye un plano final que sin duda quedará en la retina del espectador por varios días.

01.

BASTARDOS SIN GLORIA
Inglourious Basterds
Dir.: Quentin Tarantino
Con: Brad Pitt, Christoph Waltz y Mélanie Laurent

Bastardos sin gloria se ha convertido en mi tercera película favorita de Tarantino, después de las míticas Perros de la calle y Pulp Fiction. Sus seguidores saben qué pueden esperar en sus films: diálogos antológicos, guiños a la cultura pop, violencia estilizada... todo esto se encuentra en su último film, y mucho más. En esta oportunidad, homenajea a las películas bélicas ambientadas en la 2da Guerra Mundial pero con su particular idiosincracia. Figuras como el Coronel Hans Landa ya se metieron en la Sala de la Fama de Personajes Inolvidables de Tarantino (sólo falta ver el genial primer capítulo para convencerse de ello) y escenas como el clímax en el cine no provocan más que hacernos pensar que, afortunadamente, tendremos Quentin para rato.

MENCIÓN ESPECIAL

ARRÁSTRAME AL INFIERNO
Drag Me to Hell
Dir.: Sam Raimi
Con: Alison Lohman, Justin Long y Lorna Raver

Sentía que debía otorgar una palabras a Arrástrame al Infierno. Aunque no me haya asustado, es indudablemente una de las mejores películas de terror de los últimos años. Lo curioso es que no inventa absolutamente nada. La historia la vimos mil veces: una minita hace enojar a una gitana y la vieja le tira una maldición. El desarrollo es hasta predicible: la minita busca ayuda, la maldición empieza a hacer estragos, etc. No es original ni siquiera en la forma de asustarte: orquestas estruendosas, golpes abruptos, imágenes que aparecen de la nada... Pero parece que Sam Raimi (que en este género ya tiene experiencia) era conciente de eso y colmó a la película de un humor cáustico, extremadamente negro y escatológico. Le quedó el que es probablemente el film más entretenido del año, con escenas grotescas y bizarrísimas (para los que lo vieron: ¡la cabra!). Además, el final la rompe.

Best Of '09: Discos

2009-12-17T10:05:00.002-03:00

10.

THE FLAMING LIPS
Embryonic
Warner Bros.

Embryonic es un disco que se regocija en sus excesos: 18 canciones y más de 70 minutos de la música más extenuante que los Flaming Lips hayan grabado en su carrera. Cuelgues instrumentales, enrosques krautrock, producción sucia y melodías retorcidas y difíciles de desentrañar. Cuesta digerir, pero una vez que cierra, es imposible de dejar.

Tema destacado: "Convinced of the Hex".

09.

GRAHAM COXON
The Spinning Top
Transgressive

Después de dos álbumes que lo acercaron al punk-pop, el guitarrista de Blur se calzó la acústica, escuchó mucho folk y se puso a puntear. Y qué disquito le salió. A primera escucha, suena tedioso y sin ideas, pero de a poco deja ver sus encantos. Un disco extenso, pero con demasiados momentos bellos como para dejarlo de lado de inmediato. Canciones como "Brave the Storm" e "If You Want Me" son amor a primera escucha, mientras otras como "In the Morning" o "Sorrow's Army" tardan en decantar. Ayudado por una producción otoñal y por momentos psicodélica (ver "Caspian Sea"), Coxon sella con The Spinning Top su trabajo más maduro hasta la fecha.

Tema destacado: "Brave the Storm".

08.

TORI AMOS
Abnormally Attracted to Sin
Universal

Teniendo en cuenta la tibia reacción tanto de la crítica como de los fans, parece que ser un neófito en el peculiar mundo de Tori contribuye y mucho al disfrute de este disco. Es largo, es verdad, y una podada hubiera sido de gran ayuda para el álbum. Si tal decisión hubiera caído en mis manos, habría dejado afuera a las aburridísimas "Maybe California", "Curtain Call" y "Ophelia". Por suerte, el resto de Abnormally Attracted to Sin es de bueno para arriba. La razón principal de su éxito reside en su variedad, lo que definitivamente favorece a que sus 73 minutos de duración no se sientan en absoluto. Mis canciones favoritas son varias, desde el trip-hop de "Give" y "Flavor", hasta el épico cierre con "Lady in Blue" (David Lynch, ¡acá tenés una canción para tu próximo film!), pasando por la zeppeliana "Strong Black Vine" y la excéntrica y divertidísima "Police Me".

Tema destacado: "Strong Black Vine".

07.

FLORENCE + THE MACHINE
Lungs
Island

Entre el pop ampuloso y explosivo y destellos soul, Florence Welch explora en su celebrado disco debut el sendero ya recorrido por varias artistas femeninas anteriores a ella (Kate Bush siendo el lazo más obvio), aunque dejando sus propias huellas, con una voz potente y expresiva. La británica entrega varios ganchos al pasar, como en las infecciosas "Rabbit Heart" y "Drumming Song" y la cristalina "Hurricane Drunk". La muchacha promete.

Tema destacado: "Rabbit Heart (Raise It Up)".

06.

THE RAVEONETTES
In and Out of Control
Fierce Panda/Vice Records

Los mejores emuladores de Jesus and Mary Chain del planeta vuelven y lo hacen con su disco más pop hasta el momento. Las guitarras con fuzz siguen allí, pero en In and Out of Control son las irresistibles melodías pop creadas por los daneses las que se hacen notar por sobre todas las cosas. Desfilan letras de intentos de suicidios y sobredosis de drogas, pero todo bajo la lupa del mejor pop acaramelado. Incluye "Boys Who Rape (Should All Be Destroyed)", nominada a mejor título de canción del año.

Tema destacado: "Bang!".

05.

THE DECEMBERISTS
The Hazards of Love
Capitol

¿Cuál es la banda actual indicada para una ópera rock? Si dijiste The Decemberists, estás en lo correcto. Después de todo, ¿no tuvieron siempre algo de nerds literarios pretenciosos? The Hazards of Love cuenta la historia de amor entre William y Margaret, que, como es de esperar, atraviesan varios obstáculos, desde un inadaptado infanticida hasta una madre sobreprotectora. Hazards es sorpresivamente consistente, y musicalmente, es de lo mejorcito que hizo la banda. Sigue estando ese folk-pop progresivo (o lo que sea) que caracteriza al grupo, pero por momentos se suman guitarras que se ponen pesadas. Se destaca la participación especial de Shara Worden (más conocida por su proyecto My Brightest Diamond), que encarna a una reina celosa y manipuladora y entrega algunos de los momentos más escalofriantes del álbum.

Tema destacado: "The Wanting Comes in Waves/Repaid".

04.

SUPER FURRY ANIMALS
Dark Days/Light Years
Rough Trade

Los Super Furry Animals no pueden fallar: difícil que saquen un disco malo o incluso mediocre. En Dark Days/Light Years, su noveno álbum de estudio, se distienden y, entre otras cosas, juegan con riffs (como en "Crazy Naked Girls"), se ponen funky ("Moped Eyes", "The Very Best of Neil Diamond") y homenajean a Kraftwerk ("Inaugural Trams", rap en alemán incluído), siempre demostrando su talento a la hora de crear melodías pegadizas. Juguetón e impredecible.

Tema destacado: "White Socks/Flip Flops".

03.

ST. VINCENT
Actor
4AD

La música de Annie Clark AKA St. Vincent es igual a ella: dueña de una belleza inquietante, poco convencional, pero definitivamente hipnotizante. A Annie se la escucha, con esa voz que seduce hasta al más duro, entre orquestas que parecen salidas de una banda de sonora de Disney, guitarras de una sutileza casi siniestra que por momentos distorsionan y baterías ruidosas y amenazantes. Un álbum esquizofrénico como pocos, pero que sirve para cimentar a Clark como una de las compositoras más intrigantes de la actualidad.

Tema destacado: "Laughing With a Mouth of Blood".

02.

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART
The Pains of Being Pure at Heart
Slumberland

The Pains of Being Pure at Heart llegan tarde. 20 años tarde, para ser precisos. Si este álbum, su debut, hubiera salido a finales de los 80's, estaríamos hablando de un clásico. Desafortunadamente, lo suyo ya se hizo hace rato: guitarras chillonas, melodías pop, dúo de voces sedadas. El que los escuchó no duda en señalar sus similitudes con The Smiths, The Field Mice, Ride, Pastels y bla bla bla. Pero si la originalidad no es tu fuerte, ¿qué te queda? Exacto: hacer buenas canciones. Y eso es lo que los Pains nos dejan: diez temas imposiblemente geniales, con ganchos en todas partes, melodías altamente tarareables y una frescura que provoca sonrisas de oreja a oreja.

Tema destacado: "Come Saturday".

01.

THE HORRORS
Primary Colours
XL

Y volviendo al tema este de la originalidad: si te gusta tomar cosas de otras partes, ¿la creatividad no reside también en saber cómo combinar tus influencias para crear algo nuevo? En ese punto, Primary Colours es un logro mayúsculo. Las influencias son claras (algo de post-punk, algo de shoegazing a la My Bloody Valentine), pero aparecen combinadas de tal forma que el resultado es un álbum adictivo y de una oscuridad casi onírica. Este era el paso que debían seguir The Horrors para demostrar que eran más que cinco payasos dark de llamativos peinados y jeans negros ajustados. Habrá que ver con qué nos sorprenden en la próxima.

Tema destacado: "Sea Within a Sea".

"El rompecabezas del señor K": Fragmento del éxito editorial del verano

2009-12-11T19:37:00.003-03:00

El verano ya viene asomando su despreciable cabezota, y no falta mucho para que los primeros síntomas de la temporada estival comiencen a aparecer: temperaturas insoportables, hits musicales repetitivos, publicidades de celulares con hembras en paños menores. Otro fenómeno también hace su aparición: los próximos éxitos que editoriales como Grupo Planeta (el mayor infractor), mediante una notable movida de marketing, intenta vender a todo lector ocasional para que hojee mientras descansa en su reposera en la Costa. Viendo el éxito de ventas de ciertos libros en esta temporada, me dije: ¿Y si intento escribir el hit editorial de este verano?

Comencé, entonces, a inspeccionar cuáles son los libros que más posibilidades tienen de hacer furor en la temporada, y llegué a tres títulos: la arriesgada investigación de Luis Majul sobre el implacable Néstor Kirchner, El dueño; la segunda entrega de El combustible espiritual, de Ari Paluch, el gurú para menopáusicas de clase media y taximetreros semifascistas; y la nueva aventura próxima a estrenarse en cine de Dan Brown, El símbolo perdido.

Robando ideas de las tres obras, di luz a mi primera novela, que lleva el título tentativo de El rompecabezas del señor K. A continuación, un fragmento de mi flamante obra literaria, que se podrá conseguir en todos los kioscos de revistas de Pinamar, San Bernardo y Villa Gessell.

Capítulo 23 [fragmento]

Y allí, frente a la tumba de María Magdalena, Eustaquio Manfredi vio la última pieza del rompecabezas. Todas las noches que estuvo sin poder dormir pronto serán retazos del pasado. Natalie, su fiel compañera, comenzó a observar con admiración el fragmento final:
- Eustaquio, –dijo Natalie, con la respiración agitada- tenías razón. Todo este tiempo tuviste razón.
- Es cierto –respondió Eustaquio, solemnemente-. Pero nunca quise tener razón.
- ¿A qué te refieres?- preguntó Natalie, algo desconcertada.
- Verás –contestó Eustaquio, mientras se sonaba la nariz con un pañuelo de seda-. En este fabuloso viaje aprendí que ya no me importa tener razón. Antes vivía consternado, mi insomnio no me dejaba disfrutar de nada. Pasaba mis días ansioso, cegado por el vértigo de la vida cotidiana. Pero aprendí a estar en paz, a disfrutar de las pequeñas cosas de la vida. Soy más sabio ahora. Siento que ahora tengo una misión en la vida. Siento que he destrozado mi ego, Natalie. Mi alma respira de nuevo…
Natalie, con lágrimas en los ojos, abrazó a Eustaquio y le dijo:
- Yo también quiero aprender a dejar de romperme el alma y empezar a romper el ego.
Eustaquio se secó las lágrimas con su pañuelo de seda y procedió:
- Me parece bien, Natalie. Admitir que tienes un problema es el primer paso para llegar a la iluminación. Ahora bien –la voz de Eustaquio cambió súbitamente a un tono más recio-, debemos tomar esta última pieza si queremos desentrañar el misterio.
- ¿Crees que corremos peligro? –preguntó Natalie, sobresaltada.
- Oh, yo creo que sí, Natalie –respondió Eustaquio-. Recuerda que nos sigue el malévolo señor K. Nunca nos ha dejado de perseguir. Ni siquiera cuando entramos al banco de Saint Cross y averiguamos su abultada fortuna. Debemos darnos prisa. Recuerda que él es amo y señor de todo. Los medios, los transportes, los servicios. Pero no olvides que podemos socavar su mente; es psicológicamente inestable. Y no sólo debemos refugiarnos de él, sino también de su esposa…
- ¿De su esposa?
- Sí, Natalie. Ella es terriblemente dependiente de él. Vive sometida y no dudará en hacer nuestras vidas un infierno.
- ¿Qué debemos hacer entonces?
- No tengo idea, Natalie.

Shuffle

2009-11-27T10:24:00.009-03:00

Este es un ejercicio que leí en otro blog (no recuerdo en cuál) y que me gustaría realizar. Consiste en agarrar la carpeta con toda la música que tengo bajada en la computadora, poner el modo "random" en el reproductor de música y comentar las diez primeras canciones que, fruto de la suerte, comienzan a sonar. Aprieto play y que sea lo que [inserte divinidad] quiera.

"Amelia" - Cocteau Twins

Comenzamos bien. Los Cocteau Twins tienen algo que te hace levitar. La palabra que siempre se usa para describirlos es "etéreo", y como no tengo ganas de ser original, voy a decir que sí, "etéreos" es la mejor manera de describir su música. La voz de Elizabeth Fraser en este tema es una cosa angelical. No está cantando nada en especial, parece que está teniendo un orgasmo causado por alguna fuerza celestial o algo por el estilo. Me encanta como suena la guitarra en esta canción.

"We Put a Pearl in the Ground" - St. Vincent

Un pequeño interludio con piano del fantástico disco debut de St. Vincent. No hay mucho que decir sobre esta: es apenas una introducción para "Landmines", uno de los temas más hermosos de Marry Me.

"Memories" - Public Image Ltd.

La base de bajo me está haciendo mover el orto en la silla. Y entra Johnny Lyndon, que vio luz después de los Sex Pistols. Su canto es enfermizo, parece un paciente de un neuropsiquiátrico. Yo, por lo pronto, sigo bailando en la silla. La música es repetitiva, pero esa es la cuestión. La interacción entre las guitarras es tan desquiciada como los aullidos nasales de Lyndon. No sé si los muchachos de The Rapture habrán escuchado esta canción, porque me recuerda muchísimo a ellos... lo más posible es que sí. Y sigue ese ritmo infernal. Es funky casi sin querer serlo.

"Half of You" - Cat Power

Uy, cómo cambió el ambiente. Veníamos del baile demente de "Memories" y ahora llegó esto. Si tengo ganas de deprimirme, sé que cuento con la voz susurrada de Chan Marshall y su guitarra acústica/piano para que me ayuden. Esta canción es adorable: me encanta la pandereta de fondo, sobre todo. Cortita pero terriblemente emotiva.

"Cruel" - Tori Amos

Seguimos con otra chica. Esta canción demuestra la faceta que más me gusta de Tori Amos: un ritmo electrónico, un canto zigzagueante, sensual. No tengo nada en contra de sus baladas en las que está ella sola frente al piano, pero me interesan infinitamente más sus codeos con la electrónica. Uh, el suspiro que manda cerca del minuto cuarenta me calienta muchísimo. El estribillo es de una tristeza fina impresionante, aunque sin perder la sensualidad. Y ahora llega el "ah-ah-ah" y la excitación es palpable. Suda sexo esta canción, aunque estoy seguro que habla de un aborto o de la vez en la que la violaron o una de esas cosas de las que le gusta cantar Tori. Ahora me fijo la letra (sí, mal de mí por escuchar a la Amos sin darle bola a las letras).

"Pot Kettle Black" - Wilco

Tema de rock alternativo yanqui mid-tempo acústico/eléctrico estándar. No es de mis preferidas de Yanquee Foxtrot Hotel (disco en que se encuentra esta canción), pero es demasiado agradable como para ignorarla. Me gusta mucho el gancho de "every moment's a little bit later" y el toque de la guitarra eléctrica. Me acerco a los segundos finales y la canción se sumerge en un clímax que me hace pensar en días frescos y soleados.

"Sega Segur" - Ffa Coffi Pawb

¿Quiénes son estos? Básicamente, la banda germen de Super Furry Animals. Como es de suponer, cantan todo en galés, por lo que no tengo la más puta de idea de qué están diciendo. Esta canción tiene una onda rockerita, medio glam, de esas que podés poner en el auto en algún viaje largo. Palmaditas, coritos "aahhhh" y un break de batería recontra usado pero que funciona ("ta ta ta ta ta ta").

"Be My Baby" - The Ronettes

OH DIOS SANTO QUÉ TEMAZO. Brian Wilson dijo una vez que esta era la mejor canción pop de todos los tiempos. Y quién soy yo para discutirle al capo de Beach Boys. Está bien: la letra es terriblemente melosa y básica. ¡Pero esa melodía, esa batería (bum-bumbum-PAH!), ese solo de violín, esa voz, ese estribillo, ese "woah-oh-oh-oh"! Perfección pura.

"Running Up the Hill (A Deal With God)" - Kate Bush

Parece que estoy teniendo suerte: me están saliendo todos hitazos. Kate Bush se ha transformado en los últimos meses en una de mis artistas más queridas. Esta canción en especial es un clásico, por lo que ya la conocía a causa de mi exposición a la Aspen. La producción es bastante ochentosa, es cierto, pero la voz de Kate (como es costumbre) va bien con todo. Ponela a cantar "Laura, se te ve la tanga" y queda bien de todas formas. Me puse a aullar a toda voz el "come on baby, come on darlin'"... espero que los vecinos del departamento no se molesten. Mah, sí, yo sigo cantando: "Bi roninap dadroud, bi roninap datjil...".

"Placebo Headwound" - The Flaming Lips

Y esta canción es de un disco de los Lips que me bajé y escuché solo una vez, Clouds Taste Metallic. Comienza con la guitarra acústica y la voz atonal de Wayne Coyne. Después entran todos los instrumentos y coros, y al instante hay una cosa medio country. Y todo vuelve a empezar. Me gusta, me gusta. Debo prestar más atención a Clouds... El final se puso medio psicodélico... ¿qué es eso que suena? ¿Una armónica siendo masacrada? ¿O es un sintetizador?

Y aquí terminamos. Hciando un balance, debo decir que tuve suerte. Me tocaron un par de canciones agradables, dos hitazos y una que me hizo mover las cachas en la silla. Me parece que me voy a hacer un compilado con estas canciones... "Shuffle Collection Vol. 1"

Matemática

2009-11-23T20:54:00.005-03:00

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Las 100 Mejores Canciones de la Década: Epílogo

2009-11-04T10:57:00.002-03:00

Como no me puedo despedir del ranking así nomás, voy a tratar de darle una especie de "cierre" presentándoles 5 de las canciones que estuvieron a un paso de entrar, y que por una cuestión de espacio no tuvieron su oportunidad.

"Gimme Some Salt" - Clap Your Hands Say Yeah
Álbum: Clap Your Hands Say Yeah (2004)

Algunos de los que me conocen, saben que Clap Your Hands Say Yeah es una banda que no llega a convencerme. Y eso es por culpa del cantante Alec Ounsworth. Muchos lo comparan con David Byrne y, si bien creo que la similitud existe, ello no exenta a Ounsworth de poseer una de las voces más irritantes del indie actual (cosa difícil, considerando que hay varios cantantes insoportables). La música del grupo, por otro lado, es lo suficientemente interesante como para no llevarme a tirar el disco por la ventana. Sin embargo, hay veces en que ambas cosas conviven en armonía y salen a relucir muy buenos temas. "Gimme Some Salt" es el mejor de ellos en mi opinión. Aquí la voz de Ounsworth no entorpece el disfrute. Es más: aporta mucho a la canción, sobre todo con la pronunciación paranoica del título. El organito ridículo y siniestro es lo más memorable de la canción, al igual que ese ritmo amenazante.

"New Slang" - The Shins
Álbum: Oh! Inverted World (2001)

Una de las canciones relegadas que estuvo más cerca de entrar, "New Slang" es un numerito acústico ensalazado con simpáticos coros de "uh-uh-uh" al comienzo y al final cortesía de los estadounidenses The Shins. Adorable.

"Winning Days" - The Vines
Álbum: Winning Days (2004)

Aunque fue descartada rápidamente, "Winning Days" también tuvo su oportunidad. La coda de esta canción es lo mejor que hicieron los australianos en su miserable carrera. Definitivamente, Craigh Nicholls me gusta más cuando quiere ser John Lennon y no Kurt Cobain.

"City Bird" - of Montreal
Álbum: Satanic Panic in the Attic (2004)

El caso de of Montreal es raro, porque si bien tienen un par de discos a cuestas que son bastante buenos (Satanic Panic in the Attic siendo el mejor, según mi criterio), no pude encontrar canciones lo suficientemente inolvidables (?) como para hacer su aparición en el ranking. La que más estuvo cerca fue este otro dulce número en plan acústico, que incluye un solo de flauta que es una exquisitez.

"Gideon" - My Morning Jacket
Álbum: Z (2005)

Y de esta me arrepiento un poco de no haberla incluído. Ya ni me acuerdo por qué la descarté.

Las 100 Mejores Canciones de la Década (TOP TEN)

2009-10-31T11:30:00.013-03:00

10. “Clint Eastwood” – Gorillaz
Álbum: Gorillaz (2001)

“Clint Eastwood”, más que otras, ocupa un importante lugar en el estante de “Canciones que me cambiaron la vida”. A mediados de 2001, con mis 12 años, la música no era uno de mis principales intereses. Me había copado con Blink-182 el año anterior a ese, pero en ese momento no existían (para mí) propuestas que me sacaran de mi letargo no musical. Hasta que apareció esto. Por supuesto, lo primero que me cautivó fue el videoclip. En eso hay que agradecer al ya devaluado MTV, porque sirvió como fuente de descubrimiento de varias bandas en mi preadolescencia. Pero, más allá de lo netamente visual, la música también caló hondo y aun hoy hay cosas de ella que me vuelan el bocho: los violentos golpes de crash, el ritmo trip-hop, el estribillo escandalosamente coreable y el rap de Del Tha Funky Homosapien, probablemente el único de su especie que puedo llegar a cantar, o al menos tararear. El asunto es que, después de Gorillaz, descubrí a Blur por medio de Albarn, y ahí sí: ese fue el paso definitivo para que se concretara mi cariño por ese noble arte que es la música. Y todo, gracias a cuatro dibujos animados y un temazo con el nombre del actor que encarnó a Harry el Sucio.

09. “We Carry On” – Portishead
Álbum: Third (2008)

Un fastidioso “beeeeeeeeeeep” asalta los oídos. Es insoportable, pero nos prepara para lo que será el resto de la experiencia. Entra una batería mentirosamente bailable y un sintetizador que atina a tocar apenas dos notas. Con una economía de recursos sorprendente, los Portishead ya nos hipnotizaron y seremos rehenes de su elucubración por los siguientes 6 minutos. Beth Gibbons comienza a cantar como si fuera una damisela en apuros perdida en un bosque tenebroso. “Sangro el sabor de la vida”, canta entre sollozos Gibbons y hay algo en ese cantar suyo que estremece. Llega una guitarra para hacerle frente al desagradable “beeeeeeeeeeep”, y lo hace de una manera sucia, repugnante, casi invasiva. Y todo vuelve a empezar, hasta que al final la guitarra inunda los parlantes con su distorsión y todo se vuelve hermosamente ininteligible. Una especie de homenaje a “Oscillations” de Silver Apples (banda de fines de los 60’s, ignorada en su época pero absolutamente adelantada a su tiempo) y una de los joyas absolutas de Third, álbum que marcó el regreso triunfal de la banda de Bristol.

08. “Hate to Say I Told You So” – The Hives
Álbum: Veni Vidi Vicious (2000)

Comienzan a sonar los primeros acordes y lo que pienso “uy, acá se pudrió todo”. Así que, agarráte Catalina. Y Agustina, Marcela, Anabella, Sara, Carolina, todas ustedes también. La letra no dice nada en especial y la verdad que poco importa. Lo fundamental es el remate de los versos: “¡porque quiero, porque lo voy a hacer!”. Claro que sí, mierda. El estribillo hace su aparición y el cuerpo ya te pide pogo, sobre todo cuando Howlin’ Pelle lanza el “Do believe I told you sooooooooooo...”. En un momento, el bajo se queda solo, tocando el riff y sabemos que en cualquier instante, se pudre todo de nuevo. Dicho y hecho. Los suecos nos introducen en unos vertiginosos segundos finales, en los que se suma un ruido de sintetizador barato que nos provoca salir a echar abajo estaciones de tren (y demoler, demoler, demoler). Adrenalina pura.

07. “Rebellion (Lies)” – Arcade Fire
Álbum: Funeral (2004)

No descubro nada si digo que Arcade Fire hicieron uno de los discos debuts más redonditos de la década. Funeral es un fulminante compendio de canciones de una pulcra melancolía otoñal, de canciones resplandecientes y cautivadoras, en el que el pop orquestal se encuentra con retazos new wave a la Talking Heads. Ergo, fue muy difícil elegir un solo tema de aquel disco. “Wake Up” estuvo entre las nominadas, al igual que “Neighborhood #3 (Power Out)”, pero la escogida es “Rebellion (Lies)”. ¿La razón? Simplemente porque fue la primera canción que escuché de los canadienses y, por lo tanto, la que logró que les prestara atención en un principio. Empezando con un sugestivo bombo en negras, la canción parece hablar de una rebelión contra las mentiras que nos inculcan los mayores cuando somos pequeños, un llamado a “esconder a nuestros amantes bajo las sábanas”. Nos animan a mantenernos despiertos, a abrir nuestras pestañas pesadas y a luchar contra las mentiras. El coro preciosista de “lies, lies” es de lo mejor del tema, sin contar el final con las voces acompañando el solo de violín. Material perfecto para una justa dosis de escalofríos.

06. “Atlas” – Battles
Álbum: Mirrored (2007)

Después de 94 entradas, finalmente puedo declarar que estamos ante la canción más extraña y singular del ranking. Las reacciones que provoca “Atlas” son, por lo menos, extremas. Algunos la odiarán y se alejarán irritados exclamando agravios hacia las madres de los Battles. Por el contrario, otros quedarán fascinados (aunque también algo desconcertados) por lo que están escuchando. Como sea, lo cierto es que “Atlas” es una auténtica rara avis en lo que concierne a la música rock actual. Lo de Battles es rock hecho con el delantal de laboratorio puesto, una búsqueda constante de sonidos que, sin embargo, no cae en tediosos ejercicios sónicos sino que incurre en ritmos deformes y juguetones. Esta canción en especial, a pesar de sus siete minutos de duración, mantiene en vilo al oyente a partir de varios elementos. Uno de ellos es ese ritmo irresistible, mezcla de “Rock and Roll Part 2” de Gary Glitter y “The Beautiful People” de Marilyn Manson, que provoca moverse como un alien empepado. Después también hay un sinfín de ruiditos electrónicos, algunos que se asemejan a eructos de robot y guitarras procesadas que suenan como fotocopiadoras estropeadas. El componente que más exigencias va a acarrear a la hora del disfrute es la voz distorsionada, que suena a Alvin y las Ardillitas drogados cantando desde una nave espacial, y que funciona como un instrumento más. De todas formas, ¿quieren saber qué es lo más desconcertante de “Atlas”? Que es estrambóticamente pegadiza.

05. “No Warning Given” – Wire
Álbum: Read and Burn 03 [EP] (2007)

Que Wire aparezca en un ranking de las mejores canciones de la primera década de los 2000’s, obedece a dos cuestiones. Primero, mi incondicionalidad hacia la mítica banda de post-punk y, segundo, el triunfo por parte de los británicos de mantenerse relevantes en su cuarta década en el mundo de la música. En un comienzo de siglo en el que surgieron varias bandas que mostraron sin vergüenza la influencia de los primeros tres maravillosos álbumes de estudio del grupo, los profesores siguieron dando cátedra con cosas como “No Warning Given”. Joya oculta si las hay, en el tema, incluído en la tercera parte de la saga de EP’s titulada Read and Burn, los liderados por Colin Newman se explayan en capas de guitarras y teclados atmosféricos que crean texturas volátiles. Cuando la batería mecánica de Richard Gray aparece, provoca una esquizofrenia tal que parece que estamos ante un exponente de un nuevo género: “punk ambiental”. Como es costumbre en los Alambre, la letra es un collage digno de un cadáver exquisito, que sólo contribuye más al aire etéreo de la canción. El último minuto del tema es lo mejor que hizo la banda en esta década, una supernova de guitarras yuxtapuestas que culmina con la pronunciación solemne del título.

04. “Seven Nation Army” – The White Stripes
Álbum: Elephant (2003)

e-------------------------------=-----------|
C#------------------------------------------|
A-------------------------------------------|
E-------------------------------------------|
A---7----7----10----7----5----3----2--------|
E-------------------------------------------|

El riff que nuestros hijos van a querer aprender a tocar en guitarra.

03. “Bluish” – Animal Collective
Álbum: Merriweather Post Pavilion (2009)

Es un tanto irreal que Animal Collective aparezca en esta lista y en una posición tan alta. Si bien la banda de Baltimore es uno de los proyectos más aclamados y queridos por la crítica especializada y cierto público indie, lo cierto es que a mí el colectivo me provoca más exasperación que placer. Tanto su lado folk desquiciado como su incursión en la electrónica inquieta me saturan con toda esa sobreproducción de voces, ritmos, ruidos y melodías amelódicas. Su último disco, Merriweather Post Pavilion, no logró que me enamore de ellos, salvo por algunas excepciones, entre las que se erige la maravillosa “Bluish”. Basándome en lo que escuché del grupo, esta canción es prácticamente una anomalía en su catálogo. Es, entre otras cosas, uno de los temas más accesibles del conjunto. Sonará un poco exagerado, pero considero a “Bluish” la mejor canción de amor de la década. Por suerte, no entra en territorios adiposos, ni mucho menos. Es una declaración sutil, sincera y por instantes, cargada de erotismo (“No debería decirlo, pero cuando me clavas las uñas como un gato, sonrío con placer”). Desde el primer segundo, los estadounidenses nos envuelven en mantos de instrumentos electrónicos con mucho reverb, que sirven de base para las deliciosas melodías y las voces que parecen salidas de un sueño agradable. Todo en la canción es belleza pura: estrofas, puente, estribillo y coda. Si los Collective quieren ganarse mi corazón, van a necesitar hacer más canciones como esta.

02. “Good Day” – The Dresden Dolls
Álbum: The Dresden Dolls (2003)

Conocí a Dresden Dolls a mediados del año pasado, por medio del videoclip de “Girl Anachronism” en el difunto canal de música BitBox. Recuerdo que el video me pareció una locura. Había una minita histriónica pintarrajeada como un mimo dándole a las teclas del piano a toda velocidad. A su lado, un flaco, también maquillado, le daba a la batería con cara de poker. Era una de las cosas más raras que había visto y, sin embargo, me gustaba, aunque no sabía por qué. No tardé mucho en bajarme su primer disco. Cuando finalmente me lo puse a escuchar, saltó “Good Day”, canción que da inicio al álbum debut del dúo. Aún no logro descifrar qué es lo que me encanta del tema. Es simplemente una power-ballad exageradamente dramática, que parece haber sido escrita en un día en el que a Amanda Palmer le pegó mal el síndrome premenstrual. Palmer, con un canto atonal y sentido, basurea a un ex y se le ríe en la cara (“Dale, contame acerca de tu mal día/ Quiero todos los detalles del dolor y sufrimiento que infliges a los otros”), cuenta lo bien que le ha ido en el día y escupe en el camino versos tan ingeniosos como llenos de malicia (“Quiero hacer más que sobrevivir, quiero resfregártelo en la cara”… ¡sublime!). No son pocas las veces que siento que yo no entro en el tipo de público al que que canciones como esta o bandas como Dresden Dolls parecen dirigirse (mi exclamación, entonces, suele ser: "¿Qué carajos hago escuchando esta mierda?"), lo cual me provoca sentimientos encontrados. Pero no hay caso, cada vez que escucho el estribillo me dan ganas de pararme derecho, agitar el brazo derecho y cantar bien alto y fuerte: “Hey, it’s been a lovely day/ Everything’s been going my way/ I took out the trash today/ And I’m on fire”.

01. “Receptacle for the Respectable” – Super Furry Animals
Álbum: Rings Around the World (2001)

Imaginá que estás en un picnic en el día de la primavera. Está soleado, no hay una sola nube en el cielo. Estás con tus amigos, tomando una cervecita y uno se pone a tocar la guitarra. Todo va fantástico, hasta que el cielo comienza a nublarse de repente. Ustedes siguen lo más tranqui, cantando canciones de Sui Generis y comiendo sánguches de miga. Pero el clima empeora. Comienza a llover. Al comienzo son unas gotitas, una lloviznita ignorable. Pero pronto empieza a diluviar. Vos y tu grupo ya se ponen a recoger sus cosas para refugiarse bajo el techo más cercano hasta que pare la lluvia. Pero no parece que eso último vaya a suceder: el clima empeora aún más. Relámpagos surcan los cielos, se escuchan truenos ensordecedores y caen rayos a la distancia, vientos huracanados arrancan árboles. Algo dentro tuyo sugiere que estás frente al mismo Apocalipsis.

¿Hicieron ese ejercicio? OK. “Receptacle for the Respectable” es prácticamente eso, pero con un toque de humor y en forma de canción. El primer minuto lo marca una melodía de pop soleado muy pegadizo, hasta que el ritmo se aminora y nos topamos con el primer cambio de melodía. Después llegará uno más, hasta que finalmente la canción entra en una extravagancia psicodélica con sintetizadores amenazantes y un jocoso canto en plan death-metal. Esta canción de los geniales Super Furry Animals resume su filosofía: se puede ser pop, se puede ser pegadizo, pero también se puede experimentar y divertirse mientras eso se hace. Es lo que la música pop tendría que ser: ganchera y con énfasis en la melodía, pero lo suficientemente flexible como para decidirse a tomar riesgos. Alguno dirá que “Receptacle for the Respectable” es apenas una actualización de “Happiness is a Warm Gun” de los Beatles y no estaría tan equivocado (es más, el mismísimo Paul McCartney contribuye en la canción con percusión creada –y no estoy jodiendo- ¡masticando apio y zanahoria!). Pero justamente de eso se trató la música pop y rock de esta década en particular: de tomar prestado algo del pasado, moldearlo a los tiempos que corren y mezclarlo con ideas frescas para pergeñar un producto nuevo y seductor.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (20-11)

2009-10-23T23:04:00.005-03:00

20. “Giddy Stratospheres” – The Long Blondes
Álbum: Someone to Drive You Home (2006)

El nombre de la banda ya es un claro índice de lo que depara “Giddy Stratospheres”: batería bailable, guitarras angulares y voces femeninas cargadas de actitud. Pero la letra transita por otros caminos. Aunque está inyectada de una malicia exquisita con un indubitable sello femenino, fue Dorian Cox, guitarrista de la banda, quien escribió la letra, que toma forma en la canción en un estribillo de envidiable eficacia y que Jackson canta vehementemente (“Ella nunca te llevará a alturas vertiginosas que vienen de tus miedos”), y en un simpático diálogo entre la frontwoman y las coristas (“¿Ella es una femme fatale?”- preguntan las chicas; “Es lo que quiere que creas”, responde Jackson en un tono pedante). Exagerando y salvando las distancias entre ambas canciones, nombro a “Giddy Stratospheres” la “Heart of Glass” de la década.

19. “I Predict a Riot” – Kaiser Chiefs
Álbum: Employment (2005)

El segundo single del quinteto oriundo de Leeds no podía faltar en el ranking. Recuerdo que cuando escuché por primera vez “I Predict a Riot” (una forma muy inglesa de decir “Va a pintar bardo, guachín”), quedé pasmado: me dije “¡hey, eso es lo mío! ¡Canturreos de “ah, ah, ah”, “oooooooooooohhhhh” y “la la la”, cortes de cabello británicos, melodía pegadiza, estribillo ganchero! ¿Quiénes son estos tipos?”. En definitiva, me cautivó su carácter formulaico, de manual de hit de pop británico. Cuatro años después, el entusiasmo no sigue siendo el mismo (ni con la canción ni con la banda), pero aún me atrae la frescura que desprende. Y si llega a sonar esta canción en una fiesta, no duden que voy a ser el primero en cantarla a todo pulmón, sobre todo el fabuloso puente: “And if there's anybody left in here/That doesn't want to be out there…”.

18. “Stella Was a Diver and She Was Always Down” – Interpol
Álbum: Turn on the Bright Lights (2002)

“Esta se llama ‘Stella Was a Diver and She Was Always Down’” nos anuncia el cantante Paul Banks, como si estuviéramos en un concierto. Lo que primero me fascina de la canción, incluida en el debut de Interpol, es su misteriosa letra. ¿De qué coños habla? De una chica llamada Stella, sí, obvio. ¿Pero qué onda con ella? Al principio, parece que es una muchacha que sabe captar la atención de los hombres a su alrededor. Después parece que se tropieza y se sumerge en el océano. Al final, Banks parece insinuar que le está por hacer un pete (“She went down, down, down there, down there for me”), llamándola su “juguete sexual catatónico”… ¿la mina está en coma y el tipo le hace cosas chanchas? Dejando de lado las posibles interpretaciones de la letra, la instrumentación es imbatible. Por empezar, la base rítmica es absolutamente fenomenal: gran laburo de la batería a puro golpeteo reiterativo acompañada por el bajo sinuoso y elástico de Carlos D. (que es, cuando se le presenta la chance, uno de los bajistas más imaginativos de la actualidad). Al mismo tiempo, las guitarras se cruzan, sugieren y suenan como alarmas y Banks con su voz nasal se quiebra gritando el nombre de su musa antes de declararle su amor desesperadamente. Sorprendentemente, en los últimos segundos bajan el volumen, ensayan finales falsos y nos dejan el rasguido de una sola guitarra, antes de abandonarnos cruelmente con un engañoso halo de tranquilidad.

17. “Billy Jack” – The Aliens
Álbum: Luna (2008)

Acá con “Billy Jack” de The Aliens (una especie de resurrección de The Beta Band), estoy con un dilema. Por empezar, no sé si la canción va en serio o va en joda. Lo más probable es que sea la segunda opción y tal vez es por eso también que es tan, pero tan, entretenida. Una epopeya/pastiche de rock progresivo de 10 minutos y medio que, de todos modos, no cansa ni aburre. Un leit-motiv sirve de conexión para este exceso rockero a todas luces: “Tell me when you’re gonna rest with your mind”. Por momentos, se autosamplean, repitiendo frases de su canción “Caravan”, que cerraba el disco debut de la agrupación, Astronomy for Dogs. Solos melódicos de guitarra, voces multitrackeadas, órganos centelleantes: está todo. El punto cúlmine llega cerca de los 7 minutos, cuando lanzan un grito de “Baby’s gone!” que algún malpensado asociará a alguna de aquellas bandas horribles de hair-metal de los 80’s, antes de incurrir en un break que te vuela la peluca. Tremendo.

16. “Stay Loose” – Belle and Sebastian
Álbum: Dear Catastrophe Waitress (2003)

A mi entender, la mejor canción de los escoceses Belle and Sebastian es, curiosamente, la que menos suena a “ellos”. Con esto no estoy implicando que desprecio el catálogo del grupo (al contrario), sino para que vean hasta qué punto me maravilla “Stay Loose”. Para colmo, para descubrirla hace falta ir hasta el final de una de las mejores obras de la banda, Dear Catastrophe Waitress, que está plagada de grandes tonadas (“Step Into My Office, Baby” y “I’m a Cukoo”, por señalar dos ejemplos claros). De todas formas, está allí, esperando silenciosamente a que la descubran. Es sin duda el tema más ecléctico de los B&S: pasa del coqueteo new-wave a la “Ashes to Ashes” de Bowie al estribillo rockero de aire sesentoso sin escalas, antes de entrar en un solo de guitarra desprejuiciado y un momento reflexivo más cercano a la languidez de Nick Drake. Melódicamente es impecable, como es de esperar en la banda (las estrofas son particularmente pegadizas), pero es esa impredecibilidad antes mencionada la que la hace tan intrigante y que los casi siete minutos de duración no se sientan para nada.

15. “Last Nite” – The Strokes
Álbum: Is This It (2001)

Ni me dan ganas de comentar esta canción. Quizás es porque es una entrada demasiado obvia, demasiado predecible. Pero voy a intentar hacer un esfuerzo. Hay que decir que esta canción fue el detonante de toda una nueva moda rockera que miraba para atrás, de guitarras crudas, sonido lo-fi y actitud juvenil desfachatada y cool. Pero es el balbuceo desganado de Julian Casablancas (con un efecto que siempre me gustó llamar “de portero eléctrico”) lo más emocionante de la canción, que junto a las insistentes guitarras y un ritmo que le debe al mejor Iggy Pop conforman el que es, después de todo, uno de los hits definitivos de estos últimos dos lustros.

14. “The National Anthem” – Radiohead
Álbum: Kid A (2000)

Usemos nuestra imaginación. ¿Qué características tendría el país que utilice “The National Anthem” como, justamente, su himno nacional? Yo me imagino a una nación cuyos habitantes son psicópatas que deambulan por las calles babeando y estrellándose las cabezas con martillos mientras gritan sinsentidos con voces guturales. ¿Y qué hay de sus gobernantes? Para mí, serían chiflados paranoicos que pasan sus días tirándose heces entre ellos a la vez que trazan un plan para dominar el universo. Y me los figuro a todos ellos juntos, pobladores y gobernantes, entonando las estrofas escasas y desoladoras escritas por Thom Yorke (que vendría a ser su Vicente López y Planes) con sus manos derechas en sus pechos arrancándose los corazones, al mismo tiempo que se estimulan con la base de bajo sencilla y pesadillesca y el conjunto de vientos completamente fuera de control.

13. “Feel Good Inc.” – Gorillaz
Álbum: Demon Days (2005)

No sería exagerado si sostengo que Gorillaz es una de las ideas más originales y frescas que aparecieron en la década. No tanto por la idea de banda animada (¿acaso no existían ya antes Alvin y las Ardillitas?), sino más bien como proyecto musical. Bajo el ala de Damon Albarn, hubo lugar para todo: hip-hop, ritmos africanos, electrónica, punk… todo enmarcado en un asombroso empaque pop de personajes de fantasía y ensalada sónica. “Feel Good Inc.” es uno de los mejores exponentes del proyecto creado por Albarn y el dibujante Jamie Hewlett. Línea de bajo tambaleante y zombiesca, hip-hop aterrador a cargo de De La Soul y un estribillo agridulce con el sello del cantante de Blur. Puntos extras por ser la primera muestra de Demon Days, el estupendo segundo disco de 2D, Murdoc, Noodle y Russel.

12. “Take Me Out” – Franz Ferdinand
Álbum: Franz Ferdinand (2004)

Si “Last Nite” hizo que el mundo se detuviera a escuchar a toda nueva bandita de rock que subiera al vagón del retro-garage rock (como los olvidados Jet), “Take Me Out” hizo lo mismo con los grupos de dance-rock que pulularon las ondas sonoras a partir de 2004. La canción comienza estando más cercano del garage, de todos modos. No es hasta que los instrumentos comienzan a ralentizarse cuando la cosa verdadera empieza. Es como una montaña rusa, dijo el mismo Alex Kapranos, cantante y guitarrista de Franz Ferdinand: los primeros segundos se asemejan a ese instante en el que el carrito de la montaña rusa se acerca a la cima de la primera gran pendiente pronunciada, antes del golpe final, que aquí aparece en forma de un ritmo irresistible para sacarle lustre a la pista de baile. Astutamente, los Ferdinand también le imprimieron a su mayor hit una letra tan tonta como fácilmente memorable (“I say ‘don’t you know’/ You say you don’t know/ I say ‘take me out’”) y uno de los punteos de guitarra más reconocibles de los últimos años.

11. “Sea Within a Sea” – The Horrors
Álbum: Primary Colours (2009)

Fragmento de una entrevista con Aaron P. Aluch, amigo de un amigo de un primo del cantante de The Horrors.

- Escuché que usted sabe la forma particular en la que The Horrors compusieron "Sea Within a Sea".
- Ah, esa es una historia interesante. Resulta que, al parecer, los chicos de la banda andaban vagando por el mercado de Portobello Road, ahí al oeste de Londres. Bueno, la cosa es que en una de las tiendas vieron una licuadora gigante a un precio bajísimo que les llamó la atención, y entre todos decidieron comprarlo.
- Perdón… ¿una licuadora gigante?
- Sí, así como usted escucha. Una licuadora gigante. El asunto es que al otro día, en un ensayo, el cantante, Faris Badwan, decidió llevar la licuadora. Y al parecer dijo (esto es lo que me contó el amigo de un primo de Faris): “Hagamos un experimento”. Entonces el flaco agarró un disco de NEU! que tenía en la mochila y lo metió dentro del artefacto. Después de hacer esto, instigó a los otros miembros a poner discos de otros de sus artistas favoritos. Entonces uno puso el primero de Joy Division, otro un grandes éxitos de Jesus & Mary Chain y un último, Third de Portishead, que estaba recién compradito y medio que le dio lástima al pibe licuarlo. Bueno, en fin. Lo importante es que enchufaron la licuadora, le pusieron la tapa y mezclaron por 8 minutos. Así se creó “Sea Within a Sea”. Mi amigo, el amigo del primo del cantante de The Horrors, pudo probar el brebaje final.
- ¿Y le dijo qué gusto tenía?
- Me dijo que no tenía idea, que era un sabor completamente nuevo. Y que le encantó.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (30-21)

2009-10-17T10:32:00.010-04:00

30. “Too Drunk to Dream” – The Magnetic Fields
Álbum: Distortion (2008)

El alcohol siempre ha sido un buen refugio para el cantante que desea olvidar un amor perdido. Miles de intérpretes han sabido entonar versos amargos originados a partir de largas noches de lágrimas y litros y litros de licor. “Too Drunk to Dream” vendría a ser una de esas canciones, si no fuera por la acidez imperante de Stephin Merritt, la mente maestra detrás de Magnetic Fields y uno de los mejores compositores de música pop de la actualidad. En la introducción del tema, una especie de canto gregoriano detalla las ventajas de estar ebrio de una manera hilarante (“Sobrio, la vida es una prisión/ Ebrio, es una bendición/ (…)/Ebrio, sos viejo y feo/ Sobrio, ¿quién necesita un espejo?”). El resto sigue con el motivo del disco en el que se encuentra: instrumentos distorsionados artesanalmente que acoplan y chillan (no sólo las guitarras: también el contrabajo y el piano) y una melodía que podría haber compuesto el mismísimo Brian Wilson. Si fuese un neoyorkino gruñón y sarcástico de monótona voz grave, claro.

29. “Hysteria” – Muse
Álbum: Absolution (2003)

¿Se acuerdan cuando dije que “Whatever Happened to My Rock ‘n’ Roll” de Black Rebel Motorcycle Club comenzaba con una de las líneas de bajo distorsionado más pulenta de la década? Bueno, la que da inicio a “Hysteria” es LA base bajo distorsionado más pulenta de la década: en apenas unos avasalladores segundos, hace que los parlantes empiecen a entrar en combustión. Ni hablar cuando se le suman la guitarra, la batería y la virtuosa voz de Matthew Bellamy, que, como si fuese un Thom Yorke en esteroides, lanza falsetes con una facilidad impresionante. Es el mundo de Muse: melodía dramática pero pegadiza, estribillo desaforado para que las masas llenen canchas de fútbol (“Give me your heart and your souuuul”) y un sonido descomunal y excesivo.

28. “Soul on Fire” – Spiritualized
Álbum: Songs in A&E (2008)

Las experiencias cercanas a la muerte suelen inspirar a los que las sufren. Por poner un ejemplo, Víctor Sueiro hizo mucha guita a partir de su supuesta experiencia en el casi-más allá (hasta que a la final lo pudo comprobar fehacientemente, y sin cobrar un sólo centavo más, dejándose de jorobar con sus sandeces publicadas por editoriales con afanes de lucro fácil*). Jason Pierce, líder de Spiritualized, tuvo una experiencia de esta índole: en 2005, una doble neumonía casi lo deja en off-side, pero pudo recuperarse y sacar Songs in A&E, un disco de canciones bellísimas, entre las que se destaca la conmovedora “Soul on Fire”. Si bien en el disco que salió el año pasado hay canciones que se meten con el temita este de la parca, “Soul on Fire” es, en todos los aspectos, una canción de amor. Pero de un amor que parece débil y que Pierce intenta fortalecer pidiéndole a su amada que, justamente, “prenda su alma en llamas”. El estribillo es para hacerle una estatua a Pierce: es tan jodidamente emotivo con esos coros gospel y violines que me pone al borde de la lágrima… uy, ahora lo estoy escuchando y se me hace un nudo como por acá. Maldito seas, Jason, maldito seas.

* No son palabras mías, lo dice la página de Wikipedia de Sueiro

27. “Squares” – The Beta Band
Álbum: Hot Shots II (2002)

“Squares” inicia sigilosa, tenue. Una voz comienza a entonar una melodía: “I’ve seen the demons but they didn’t make a sound/ They tried to reach me but I lay upon the ground”. Un beat electrónico entra, amaga con seguir y para. Aparece un ruidito (también electrónico) sin ritmo y después de 38 segundos de histeriqueo musical (que comienzo, que no comienzo), finalmente el tema detona y muestra sus verdaderas intenciones. Un notable ejercicio de trip-hop refulgente y etéreo con toques de psicodelia de estribillo poco tranquilizante: “I saw miles and miles of squares, where’s the feeling there”. De los mismos creadores de la momumental “Dry the Rain”, aquella canción que cautiva a los clientes de la disquería del personaje de John Cusack en Alta Fidelidad.

26. “Hoppípola” – Sigur Rós
Álbum: Takk… (2005)

Qué visionarios son los islandeses (porque Islandia no vive sólo de Björk) Sigur Rós. En un primer momento, “Hoppípola” (en islandés, algo así como “saltando sobre charcos”) era apodado entre los miembros de la banda como “The Money Song”. Porque claro, los tipos sabían que estaban ante una mina de oro. Y no estaban equivocados: desde su salida, “Hoppípola” ha sido utilizado en numerosas publicidades y trailer de películas. ¿Eso significa que la canción cae en un terreno populachero y de fácil consumo? No necesariamente. Pero cuando suenan esas primeras notas de piano, hay que ser bastante insensible como para no sentirse sacudido. Según lo que leo en varios sitios, el tema habla de cierta nostalgia de la niñez, de los juegos sencillos, de la anarquía infantil. La instrumentación imponente y la voz en falsete de (aguanten que copio y pego) Jónsi Birgisson transmiten justamente eso: el momento en que uno trae a la memoria un recuerdo lejano que se degusta agridulcemente.

25. “The Underdog” – Spoon
Álbum: Ga Ga Ga Ga Ga (2007)

El término inglés “underdog” se refiere a ese participante en una competencia que no se espera que gane, como, por ejemplo, la selección de fútbol de San Marino cuando juega ante cualquier otra selección del mundo (con la posible excepción de Samoa Americana). De todas formas, en algunos casos, el “underdog” logra sorprender, triunfando ante ese otro que era considerado superior: pasó con la flota británica frente a la Armada española, con Grecia campeón de la Eurocopa. Y pasó con Spoon, también. Una banda independiente modesta que comenzó de abajo y logró conquistar, con una seguidilla de discos estupendos (Girls Can Tell, Gimme Fiction, Ga Ga Ga Ga Ga) no a un adversario, sino los corazones de un público particular y de la temida crítica “especializada”. Al final, es como dicen ellos mismos en el estribillo de la canción que les presento, entre simpáticos vientos y palmas: “No le tenés miedo al underdog/ Es por eso que no sobrevivirás”. Canción del Ranking que Me Saca Una Sonrisa #23.

24. “L.S.F. (Lost Souls Forever)” – Kasabian
Álbum: Kasabian (2004)

En esta década no se perdió el tiempo a la hora de emular, tomar prestado, inspirarse, homenajear o como ustedes le quieran llamar. En algún momento de 2004, apareció Kasabian, que parecían empeñados en crear música que le rinda honores a los Primal Scream de Screamadelica, aquellos de baterías house sumergidas en litros de LSD que hacían estragos a principios de los 90’s. Los Kasabian le agregaron un toque de soberbia marca Gallagher, lo mezclaron con un poco de Happy Mondays y ¡puf! salieron canciones como la muy canchera y cachonda “L.S.F.”. Y qué bien que salió su experimento. Tecladito sugerente, voces que arengan y estribillo efectivo al 100%. Fiesta asegurada con una pizca de malicia.

23. “Fluorescent Adolescent” – Arctic Monkeys
Álbum: Favourite Worst Nightmare (2007)

Aunque los Arctic Monkeys, a mi entender, no han logrado llegar a su punto máximo, Alex Turner sin dudas se afianzó como uno de los mejores letristas de la década. La de “Fluorscent Adolescent” es una observación aguda, la de una señora grande cuyos encantos están empezando a sufrir el paso de los años: “Solías conseguirlo con tus medias de red/ Ahora sólo lo haces con tu vestido de noche/ Descartaste todas tus noches traviesas con bondad/ Aterrizaste en una crisis muy común”. El fraseo de Turner, verborrágico, difícil de seguir, es excepcional también. Pero poco serviría si no estuvieran los numerosos ganchos, desde la intro con la precisa interacción de guitarras hasta el estribillo extremadamente coreable, pasando por el puente (“Where did you gooooo?”) y terminando con la coda a dos voces. Redondita como pocas, es la canción que demuestra que los monos árticos, cuando quieren, son capaces de cosas grandiosas.

22. “Paris Is Burning” – St. Vincent
Álbum: Marry Me (2007)

St. Vincent es el nombre artístico de una flaca llamada Annie Clark, que se hizo su lugar en el mundo del rock independiente como miembro de Polyphonic Spree (puesto #91) y de la banda de Sufjan Stevens (puesto #94… ¡todo tiene que ver con todo!). En 2007 sacó su primer disco como solista, Marry Me y dejó al mundo boquiabierto, con canciones que exhibían tanto instrumentaciones gentiles como ruidosos intervalos, casi siempre estructuradas de una manera intrincada. No hay mejor ejemplo para ilustrar la capacidad de Clark como compositora que “Paris Is Burning”. Unos vientos anuncian el inicio de una forma sepulcral, continuado por un rasgueo milimétrico y la voz frágil aunque carismática de Annie (nunca me gustó tanto la pronunciación de la palabra “refrigerator” hasta que escuché este tema). Es todo un derroche de creatividad, tanto el puente en el que la batería se hace notar hasta las voces que dialogan en el estribillo. La canción termina con un 3/4 demente, un festivo funeral: el “vals oscuro” que se anuncia en la letra. Y todo sucede mientras Paris es devorada por las llamas.

21. “The Blues Are Still Blue” – Belle and Sebastian
Álbum: The Life Pursuit (2006)

Estribillos, estribillos, estribillos. Ah… ¿qué sería de la música pop sin ellos? ¿Qué sería de nosotros, los pobres oyentes, sin los benevolentes y queridos estribillos? ¿Qué sería del mundo sin esos versos que se repiten, como un fulminante leit-motiv, a lo largo de una canción? ¿Qué sería de los músicos pop sin ellos, cómo harían para que la gente recuerde sus temas y/o los cante al unísono en los conciertos? Sería todo muy triste sin ellos. Celebremos a la irritantemente pegadiza “The Blues Are Still Blue”, entonces. A las pruebas me remito: “I left my lady in the launderette/ You can put some money on it, you can place a little bet/ That when I see my lady/ The black will be white and the white will be black/ But the blues are still blue”. Si son de los que creen que el éxito de las buenas canciones pop reside en más que en un estribillo, a no desesperar: van a encontrar también un ritmo glam-rock a la “Bang a Gong” de T-Rex, coros infecciosos y un correctísimo uso de un malogrado pero efectivo instrumento: el cencerro.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (40-31)

2009-10-10T10:12:00.006-04:00

40. “This Is Not a Test” – She & Him
Álbum: Volume One (2008)

Pedro ha tenido una semana terrible. Lo acaban de despedir de su trabajo, por cuestiones relacionadas a un “recorte de presupuesto”. Además, su novia lo acaba de dejar por razones que él aún no termina de entender. Y como si esto fuera poco, su madre le acaba de avisar que su tío Gerónimo, aquel tío copado que lo llevaba a jugar al fútbol cuando era niño después de que su padre dejó a la familia, acaba de fallecer. Hoy Pedro lo único que quiere hacer es encontrar un puente bien alto y saltar al abismo. Pero ahora se dirige a su disquería favorita, para ver si encuentra algún disco de The Cure para bajonearse con estilo. Entra al local y empieza a sonar por los parlantes una canción que lo seduce. Dos o tres guitarras acústicas y una voz femenina llena de personalidad lo hechizan. Cuando llega el estribillo está encantado, lo enganchó totalmente ese insistente “no, this is not a test” y el simpático solo de “trompeta de boca”. No le importa que suene como “My Sweet Lord” de George Harrison: está tan maravillado que decide ir al mostrador para preguntarle a algún empleado el nombre de ese tema que está escuchando. Se dirige a la caja y lo atiende una morocha hermosa, de cabello ondulado y ojos marrones. “Es She & Him”, dice ella, “la banda de la actriz Zooey Deschanel (la que hace de la hermana del protagonista de Casi Famosos) y un flaco llamado M. Ward; y el tema se llama “This Is Not a Test”. Pedro agradece la aclaración y decide extender la charla con la bella empleada. Después de una extensa e interesante conversación, Pedro y la muchacha intercambian teléfonos y quedan en organizar una salida alguna noche. Después de haber comprado Volume One (el disco que incluye “This Is Not a Test”), Pedro se dirige a su casa, con la certeza de que la vida ha empezado a sonreírle de nuevo.

39. “Pendulum” – Broadcast
Álbum: HaHa Sound (2003)

“Pendulum”, de los británicos Broadcast, se mantiene a partir de un mantra insoslayable de misterio: “Capturada bajo hipnosis/ Imágenes cada vez más rápidas/ ¿Puede obtenerse un significado/O resolver este misterio?”. Incógnitas difíciles de precisar en forma de melodía marciana las que canta suavemente la vocalista Trish Keenan mientras a su alrededor todo es un magnífico caos, desde la batería lisérgica hasta los sintetizadores retro que meten miedo entre bases punzantes y ruido blanco que harían a los United States of America (la banda de finales de los 60’s, no el imperio) sentirse orgullosos. Esa es la clave del éxito de la canción (y, si se quiere, del disco HaHa Sound, el segundo del grupo): saber mantener en vilo al oyente ofreciéndole una agradable voz femenina acompañada de instrumentos electrónicos por momentos abrasivos.

38. “Wolf Like Me” – TV On the Radio
Álbum: Return to Cookie Mountain (2006)

“Wolf Like Me” vendría a ser el hit de TV On the Radio: una canción cool con un estribillo extremadamente ganchero que se queda a hibernar en tu cabeza por días. Pero los neoyorkinos también en esta canción exhiben su especial modo de hacer música, plagada de originalidad, no dudando a la hora de tomar riesgos y experimentar o de explotar recursos sonoros, no conformándose con caminar el camino más corto. 5 excitantes minutos de voces que se cruzan, guitarras que suenan como canales de televisión sin señal, cambios de ritmos y un clima sumamente impredecible. “My mind has changed/ My body’s frame but God I like it/ My heart’s a flame/ My body’s strained but God I like it”.

37. “Here to Fall” – Yo La Tengo
Álbum: Popular Songs (2009)

Dos décadas de pura música les basta a los Yo La Tengo como para definirse como los padrinos de toda bandita independiente nacida en los Estados Unidos. Aun así, continúan apareciendo como una fuerza musical inagotable, sacando discos que sorprenden hasta al más cauto. Escuchen cómo comienzan su buen último álbum, Popular Songs. “Here to Fall” no se parece a nada que haya grabado la banda antes. Cuerdas que intimidan, un ritmo movedizo con los platillos al frente y guitarras que calientan el ambiente. La letra parece romántica, aunque un halo de oscuridad retorcido se hace presente cuando el estribillo clama “Sé que estás preocupada/ Yo también estoy preocupado/ Pero si estás lista, estoy aquí para caer con vos”. El equivalente musical del afrontar la caída al precipicio tomado de la mano de tu pareja.

36. “Am I Wry? No” – Mew
Álbum: Frengers (2003) [1ª version aparece en Half the World Is Watching Me (2000)]

Los Mew se autorefieren en broma como “rock artístico pretencioso” o “la única banda de estadios independiente”. Crucemos las dos definiciones y tenemos la mejor forma de caracterizar a “Am I Wry? No”. ¿Rock artístico? Ahí tienen esos cambios bruscos de tiempo, las guitarras potentes, la voz expresiva y aguda de Jonas Bjerre, los toques sutiles de piano. ¿Banda de estadios? No estoy tan seguro de esto, pero el coro de “Diamond ring, diamond ring/ But you can't find it/ Cold is the night” en los últimos tramos del tema no deben sonar mal en la voz de miles de espectadores. Nos queda lo de “pretencioso”. Aquí no creo poder emitir opinión. Como diría cierta modelo barra filósofa, se lo dejo a su criterio.

35. “Politik” – Coldplay
Álbum: A Rush of Blood to the Head (2002)

Coldplay. El escuchar o leer el nombre de la banda de Chris Martin ya me provoca un bostezo. Coooooold… plaaaaaaaay. Ñam, ñam. Perdón. Pero hubo un tiempo en que Coldplay no era una banda aburrida con demasiadas ganas de ser los próximos U2. No, señor. En un primer momento aspiraban a ser Radiohead y les salía bastante bien: bajo esa intención firmaron A Rush of Blood to the Head, su mejor disco hasta la fecha, que comienza con la canción que ocupa el puesto 35: “Politik”. Pura tensión sostenida por la batería vehemente, los acordes de piano que te quitan el aliento y un estribillo en el que Chris Martin nos arenga a abrir bien los ojos. Los momentos finales son para prender el encendedor (o el celular, si son más modernos) y dejarse llevar. ¿Será mucho pedir que hagan más cosas como estas, muchachos?

34. “16 Military Wives” – The Decemberists
Álbum: Picaresque (2005)

The Decemberists suenan la mayoría del tiempo como sos nerds de biblioteca que se leyeron hasta las instrucciones del shampoo y andan por la vida agobiando a sus amigotes con historias de estirpe medieval. De vez en cuando, sin embargo, brota un costado más irónico y combativo y cuando eso pasa, todos prestan sus oídos. “16 Military Wives” es una furiosa (y curiosa) crítica a la guerra de Irak, no tanto al gobierno, sino más bien a las celebridades “levemente liberales” que muestran su preocupación de una manera superficial y a los medios de comunicación, inmersos en la desinformación y ejerciendo su infalible papel de “hacerse los boludos” (ejemplificado con el pegadizo cantito de “lai di da di da”). Una de las canciones más puramente pop de los Decemberists, que cuenta con un conjunto de vientos que es de lo más querible.

33. “Out of Time” – Blur
Álbum: Think Tank (2003)

“¿Dónde está la canción que nos liberará?” comienza Damon Albarn a cantar. El tipo se puso contemplativo y selló una de las canciones más sutiles de su carrera. Paradójicamente, se encuentra en Think Tank, uno de los trabajos más irregualres que hayan contado con su participación. Pero poco de eso importa ahora. Todo en “Out of Time” funciona, tanto la batería minimalista como la orquesta de músicos marroquíes y los sencillos punteos de la guitarra acústica. El estribillo es uno de los momentos claves del Albarn versión siglo XXI: “Estuviste tan ocupado últimamente/ Que no pudiste encontrar el tiempo/ Para abrir tu mente/ Y ver el mundo girando sutilmente fuera de tiempo”.

32. “The Angry Mob” – Kaiser Chiefs
Álbum: Yours Truly, Angry Mob (2007)

Primero, una duda: ¿a alguien más le parece que el riff con el que comienza “The Angry Mob” es un choreo al de “Cocaine” de J. J. Cale –posteriormente popularizada por Clapton-? No me sorprendería de los Chiefs: desde el primer minuto, hicieron de la emulación de históricas bandas de pop británico (XTC, por sobre todas) su credencial. Lo cual no está tan mal, mientras sigan haciendo temas tan buenos como “The Angry Mob”. Digo, festejo la originalidad, pero también el tomar elementos ya usados y crear algo bueno es digno de admiración. Tampoco es tan fácil como uno cree: hay que estar realmente inspirado para que se te ocurra, en este caso, ese cántico desaforado que parece haber sido escrito a propósito para ser coreada en estadios multitudinarios. Sí, ya saben a qué me refiero: “We are the Angry Mob/ We read the papers every day/We like who we like, we hate who we hate/But we're also easily swayed”. Para agitar el brazo derecho al major estilo cancha.

31. “Many Shades of Black” – The Raconteurs
Álbum: Consolers of the Lonely (2008)

Cuando se habla de Raconteurs se habla de “la banda paralela de Jack White”, lo cual es una verdadera injusticia, porque hay otra mente activa en la banda, el compositor Brendan Breson. Mientras uno se retuerce en fantasías zeppelianas, el otro construye pequeñas aunque inolvidables joyas pop. “Many Shades of Black” es una de ellas, aunque se siente como un verdadero trabajo en equipo. El tema, absolutamente pegadizo, tiene una melodía ideal para enganchar minitas en un bar del Microcentro porteño. Los vientos le otorgan cierta potencia a la canción, al igual que el enfermizo solo de guitarra. Pero es la emotiva voz de Brenson la que se merece los aplausos, las medallas y las velas perfumadas. Me voy cantando de nuevo: “Take it as it comes/ And be thankful when it's done/ There's so many ways to act/ And there's many shades of black”.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (50-41)

2009-10-03T10:27:00.008-04:00

50. “Chicken Payback” – The Bees
Álbum: Free the Bees (2004)

Cuando empecé a listar las canciones con posibilidades de ingresar al presente ranking, una de las primeras que se me ocurrió fue “Chicken Payback” de The Bees (o A Band of Bees). El mayor problema que tuve con la canción, sin embargo, fue a la hora de decidir dónde ubicarla. Fácilmente podría haberla incluido entre las primeras diez, aunque, a decir verdad, me daba un poco de vergüenza posicionarla entre las filas del Top Ten. Después se me ocurrió colocarla al principio del ranking, bien lejos de la gloria (?) de los diez primeros. Pero tampoco me convenció. En fin, decidí instalarla aquí en la mitad del ranking. Y es que tengo sentimientos encontrados con respecto a esta canción: es tremendamente boba y hasta algo kitsch, pero es, al mismo tiempo, irrisoriamente entretenida y pegadiza. “Chicken Payback” es un hit radial perdido de comienzos de los 60’s, en el que se nos instiga a hacer no sólo el “chicken payback” del título, sino otros insólitos pasos de baile relacionados con el mundo animal (no quiero ni imaginarme cómo se ejecuta el “camel payback”). Los vientos que dan inicio al tema son hilarantes, al igual que la orquesta zoológica que aparece a la mitad. Para subir el volumen, bailar y tomarse la vida menos en serio.

49. “I Turn My Camera On” – Spoon
Álbum: Gimme Fiction (2005)

“I Turn My Camera On” es lo más cerca que los texanos Spoon estuvieron de hacer un tema disco. Así de sencillo. Por lo pronto, lograron hacerlo de una manera particular, cachonda y siniestra en igual medida. El bajo, gomoso y simple, se desliza de puntas de pie con tres notas feroces y sensuales mientras el cantante Britt Daniel se manda un falsete irresistible a la vez que entona versos de voyeurismo y sentimientos que afloran: “Prendo mi cámara/ Me corto los dedos al pasar (…)/Apago mis sentimientos/Me hiciste intocable de por vida/Y no fuiste cortés”. Las guitarras agregan un poco más de sex-appeal al tema, cortando la intensa atmósfera con afilados rasguidos. Y perdonen si sueno demasiado categórico, pero… el que no mueve el piecito al compás de este tema, no tiene sentido del ritmo.

48. “The Empty Page” – Sonic Youth
Álbum: Murray Street (2002)

El caso de “The Empty Page” es particular. Antes de esbozar el borrador de este ranking, había escuchado esta canción sólo un par de veces, gracias al video musical. Sin embargo, siempre lograba recordar la melodía y la primera línea de la canción: “These are the words but not the truth”. Pocas canciones lograron pegarse a mi cerebro tan rápidamente y de una manera tan efectiva. Cuando más tarde comencé a investigar más a fondo a Sonic Youth, resulta que “The Empty Page” no es una rareza en el catálogo cancionero de los neoyorkinos, aunque un excelente ejemplar del lado más melódico y tranquilo de la banda. Las guitarras zigzaguean con sus afinaciones poco convencionales, y en algún momento se ponen ruidosas y climáticas, pero aquí lo fundamental es el fraseo de Thurston Moore, entre la ensoñación y la resaca.

47. “Three Women” – Stereolab
Álbum: Chemical Chords (2008)

Mucha agua ha corrido en el siempre cambiante río de Stereolab. Desde sus comienzos como emuladores de NEU! y Velvet Underground y pasando por su costado más lounge, el grupo liderado por la francesa Laetita Sadier siempre ha sabido mantenerse fresco por casi 20 años, sin perder su toque pop y experimental particular. En Chemical Chords, álbum que incluye a “Three Women”, su sonido se volvió mas motown y radiante, si se le puede decir así. En "Three Women", Sadier, con su estilo de intelectualismo de café, recita algunas líneas existencialistas en francés con su característico canto de sirena sedada mientras todo alrededor se convierte en un magnífico espectáculo de luces y colores. Xilófonos, una base de bajo espontánea, pandereta y esos vientos en el ¿estribillo? que llevan a la canción a la cúspide de la dulzura. Da para crear un nuevo género: ¿“Soul francés existencialista”, tal vez?

46. “Bodysnatchers” – Radiohead
Álbum: In Rainbows (2007)

Todo bien con que los Radiohead experimenten y se hagan los loquitos con sintetizadores del año del pedo y baterías electrónicas y toda la bola, pero siempre (anoten: siempre) me va a gustar más el Radiohead guitarrero. Además… ¿no cuentan entre sus filas con Jonny Greenwood, el violero más metódicamente desquiciado del rock de la actualidad, una especie de científico loco que vomita punteos esquizofrénicos con enorme facilidad? “Bodysnatchers”, entonces. Tres guitarras. El canto desaforado de Thom Yorke. Batería metronómica. Y un canturreo acerca de ladrones de cuerpos en el siglo 21… ¿personas dominadas como marionetas por un poder autoritario? Probablemente. Por lo pronto, Yorke avisa que no tiene la más puta idea de lo que está hablando.

45. “Brave the Storm” – Graham Coxon
Álbum: The Spinning Top (2009)

Hace unos años, el guitarrista de Blur, Graham Coxon, se subió al vagón del pop-punk e hizo una canción ridícula, estúpida y, se presume, también irónica, llamada “Life, It Sucks”, en la que cantaba eufóricamente “La vida apesta tanto, es la manera más lenta de morir”. 5 años después, el cuatro-ojos peló su guitarra acústica luego de escuchar mucho, mucho folk y ahora está todo sensible y le canta a su enamorada en “Brave the Storm”: “¿Ven las estrellas en el cielo, nena? Nos pertenecen”. ¿Bipolar? Se podría decir. No importa, a final de cuentas. “Brave the Storm” es una pieza folky terriblemente adorable en la que Coxon le imprime a la acústica una calidad melódica impresionante. Aunque su voz no sea la más prodigiosa, en esta composición aparece aniñada e inocente y va perfecto con el aire del tema, sobre todo acompañado de los coritos femeninos (“bom”). Cuando entra la batería junto a la armónica es todo un deleite: imagínense una tarde lluviosa en el campo, mientras se está tirado en el pasto. A eso suena esta canción.

44. “Televators” – The Mars Volta
Álbum: De-Loused in the Comatorium (2003)

The Mars Volta es una banda que siempre está en el límite entre lo fascinante y lo sencillamente irritante. Me ocurre muy seguido cuando escucho su debut De-Loused in the Comatorium: no sé si abrir mi boca como muestra de asombro o presionar stop de una vez por todas. Y es que su sonido, pretensioso y epiléptico, no es (al menos para mí) apto para cualquier día: tengo que estar en un humor especial para escucharlos. Sin embargo, hay una canción de su disco debut que puedo escuchar cualquiera sea mi ánimo, y se llama “Televators”. La canción es un oasis de tranquilidad entre tanto onanismo guitarrero, hiperactividad percutiva y griterío infernal; un espejismo acústico con un toque de rock progresivo e imágenes perturbadoras y surrealistas (“Tres córneas a medio comer que impactan la aureola”). Una canción oscura, en apariencia impenetrable pero a la vez accesible, y con un estribillo escalofriantemente reconfortante.

43. “No Cars Go” – Arcade Fire
Álbum: Neon Bible (2007) [1ª version aparece en Arcade Fire EP (2003)]

WOOOOOOOOOOOOOOOO-OH-OH-OOOOOOOOOOOOOOOOOOOH
WOOOOOOOOOOOOOOOOOH-OH-OOOOOOH
WOOOOOOOOOOOOOOOOOH-OH-OH-OOOOOOOOOOOOOOOOOOH

Sí, no tengo la menor idea sobre qué decir sobre esta canción. Pop orquestal, muchas voces, muchos instrumentos, el matrimonio Butler-Chassagne haciendo de las suyas… una joyita.

42. “In Our Gun” – Gomez
Álbum: In Our Gun (2002)

Aunque Gomez es una banda que se fue ablandando con los años (aunque no necesariamente para peor), cuentan con al menos dos discos que resultan por lo menos geniales: su debut, Bring It On (como la película de porristas con Kirsten Dunst… qué fatal coincidencia) e In Our Gun. Ambos tienen la particularidad de ser bastantes variados: hay blues, hay folk, hay jazz, hay pop, y en el caso de In Our Gun, hay estallidos electrónicos también. Voy a dejarlos con la canción que da nombre a su tercer disco para que se dejen llevar por la música de esta banda inglesa con nombre de apellido hispano. Las primeras 2/3 partes están marcadas por instrumentos acústicos (contrabajo incluído) y voces amigables entonando un estribillo tarareable, mientras que en la última parte todo se va al mismísimo carajo, sonando como si The Prodigy súbitamente asaltara el estudio y se ponga a improvisar como poseídos después de una dosis potente de heroína.

41. “All My Friends” – LCD Soundsystem
Álbum: Sound of Silver (2007)

Una nota de teclado. Eso es lo único que necesita James Murphy para someterte por 7 minutos a los encantos de “All My Friends”. Eso y una melodía atrapante. Escuchen cómo se va armando la canción, a la vez que se van sumando más y más instrumentos. Escuchen cómo se va rompiendo la monotonía, cómo se ingresa en un trance del que es difícil de escapar. Murphy es un fan del post-punk, y se nota: Joy Division podría haber escrito este tema, si sólo hubieran salido 25 años después. Algo es seguro: la música electrónica de esta década pocas veces llegó a ser tan emocionante como aquí. “Si pudiera ver a todos mis amigos esta noche”…

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (60-51)

2009-09-26T10:27:00.018-04:00

60. “Fake Empire” – The National
Álbum: Boxer (2007)

Si tengo que elegir una sola cosa que me fascina acerca de “Fake Empire”, es la polimetría del piano. ¿A qué me refiero? A que, mientras las teclas agudas van por la vida lo más tranquilas en 4/4, las partes graves van en 3/4, desencajando totalmente al oyente. Pero hay más: la voz barítono del cantante Matt Berninger es lo suficientemente cálida como para considerarse como una buena compañía, y cuando entran la batería y las guitarras, sentimos que estamos planeando en un cielo nocturno, a medio despertar en un imperio falso. Cuando ya nos estamos acostumbrando al aire post-punk que inunda la atmósfera, la banda nos lanza a la merced de un clímax que constituye un verdadero subidón de ánimo, con unos instrumentos de viento que parecen salir de la nada y que nos toman de improviso.

59. “Strong Black Vine” – Tori Amos
Álbum: Abnormally Attracted to Sin (2009)

Me considero un recién llegado al obsesivo, sensual y extraño mundo de Tori Amos, y eso es porque, en mi estúpida burbuja prejuiciosa, consideraba que la música de la colorada era asunto de gays y mujeres conflictivas. Claro, después de escuchar discos tan buenos como Little Earthquakes o From the Choirgirl Hotel, el prejuicio inicial se disipó rápidamente. Como me inicié con la música de Amos este año, sentía que debía prestarle atención a su último álbum, Abnormally Attracted to Sin. El disco, asombrosamente, guarda algunas gemas que son para tener en cuenta. Pero ninguna es tan buena como “Strong Black Vine”. En Allmusic aparece como influencia de la cantautora yanqui Robert Plant, y esta canción es una clara muestra. Los arreglos de cuerdas, amenazantes, intrépidos, hacen recordar a “Kashmir” de Led Zeppelin. En la letra, Tori explora uno de los temas que más la desvelan: su relación amor-odio con la religión. En una prodigiosa performance vocal, Amos alcanza notas altas con facilidad siempre manteniendo un rasgo de autoridad (en efecto, realmente creemos que nos va a liberar de esa “fe malvada”) y de sensualidad fresca: el fraseo de la palabra “submission” en el estribillo es particularmente excitante.

58. “A Little More for Little You” – The Hives
Álbum: Tyrannosaurus Hives (2004)

“A Little More for Little You” es, sencillamente, uno de los tantos hitazos del grupo sueco The Hives, fuerte contendiente al trofeo de “banda más divertida sobre el planeta Tierra”. Aquí, en unos tres minutos, le agregan a su característico sonido garagero un nervio soul. Mientras las estrofas siguen el paradigma de los Hives (esto es, un electrizante dúo de guitarras y Howlin’ Pelle haciendo honor a su apodo), el estribillo es puro éxtasis. La melodía altamente infecciosa y la ¿falsa? pedantería de la frase del título hacen de la canción una criatura sinceramente indomable. Hago nota al margen: cómo la rompieron el año pasado en Obras.

57. “Mass Romantic” – The New Pornographers
Álbum: Mass Romantic (2000)

En el arte de la creación de la perfecta canción pop, pocas bandas nacidas en el nuevo milenio han tenido tanto éxito como The New Pornographers. Para que se den una idea, me fue virtualmente imposible elegir un solo tema de su disco debut. Finalmente, opté por la canción que inicia y da nombre a aquel álbum. “Mass Romantic” es todo lo que le pueden pedir a una buena tonada power-pop y más. El tema es una verdadera batalla entre el disonante órgano y la fabulosa voz de Neko Case para acaparar la atención del oyente. Al final, es un merecido empate: el órgano, predominante y portentoso, lleva a la canción siempre para adelante. Al mismo tiempo, Case desprende una melodía imposiblemente buena mientras habla de un “mass romantic fool”, antes de elevarse en el estribillo, dejando atrás a sus amigos coristas. Después hay pasajes de coritos “duru durú” y una coda desaforada… “This boy’s life among the electrical liiiiiiiiights”.

56. “Yoshimi Battles the Pink Robots, Pt. 1” – The Flaming Lips
Álbum: Yoshimi Battles the Pink Robots (2002)

Un cuento infantiloide en formato electrónico-acústico-psicodélico es el que nos narra Wayne Coyne: la de una chica japonesa experta en karate totalmente dedicada a luchar contra una legión de robots rosas decididos a devorar y destruir a la raza humana. El estribillo, instantáneamente memorable, es sin duda lo que más se destaca de la canción: “Oh Yoshimi, they don’t believe me/ ‘Cause you won’t let those robots defeat me”. La expansiva producción es otro factor del éxito del tema, desde los acordes loopeados de la guitarra acústica (en un momento, suena como si el disco se tildara) pasando por graznidos incómodos de sintetizador, hasta varios efectos de sonido.

55. “All These Things That I’ve Done” – The Killers
Álbum: Hot Fuss (2004)

The Killers es, indudablemente, una de las bandas que más rápidamente alcanzaron su estrellato en esta década. Aunque su carrera ha sido un poco más que insulsa, han sabido crear algunos singles memorables. Quizás el que más canten las generaciones futuras es “All These Thing That I’ve Done”: rock de estadios hecho y derecho, 5 minutos épicos y luminosos. No puedo hablar de esta canción sin mencionar el que es, para mí, uno de los momentos claves del rock de los últimos años. Stop general, rasguido de guitarra y la aparición de una frase tan inentendible como indestructible: “I’ve got soul but I’m not a soldier”. Coros gospel acompañan al cantante Brandon Flowers y todo estalla en mil pedazos de una forma escalofriante. Mención al genial videoclip que acompaña a la canción, un efectivo homenaje al clásico de sexploitation Faster, Pussycat! Kill! Kill!

54. “Bananas and Blow” – Ween
Álbum: White Pepper (2000)

Ween es una banda que se rehúsa a ser tomada en serio. Se hicieron conocidos en el circuito independiente gracias a su envidiable capacidad para subvertir cualquier género musical que se le cruce, a veces cayendo en la mera parodia y haciendo uso de un hilarante y a veces demasiado estúpido sentido del humor (prueba: tienen temas titulados “Revoleando mi pija en el viento” y “Dejáme chuparte la concha”). Desafortunadamente para los falsos hermanos Gene y Dean, el talento para hacer canciones geniales es inescapable, y joda o no, han creado una respetable cantidad de grandes melodías. “Bananas and Blow”, por ejemplo, si bien nace como una parodia al hit “Margaritaville” de Jimmy Buffet, trasciende la simple broma para transformarse en una gran canción. Un ritmo engañosamente tropical, un teclado tipo marimba, un descojonante solo de guitarra flamenca y hasta un rallador son algunas de las cosas que hacen su aparición. La letra es un chascarrillo propio del dúo, en el que un hombre se atiborra de bananas y merca para no extrañar a su amada (que, curiosamente, no lo dejó, sino que se fue por unos días a visitar a su madre). Otro estribillo placentero en el ranking, esta vez gracias a unos coros femeninos ligeramente cursis.

53. “Miner at the Dial-a-View” – Grandaddy
Álbum: The Sophtware Slump (2000)

No es difícil ver por qué The Sophtware Slump, el segundo disco de Grandaddy, fue visto como la versión yanqui de OK Computer, el magnum opus de Radiohead: después de todo, ambos tienen un aire depresivo y temáticamente son muy similares. Tanto en uno como en otro, aparece como motivo principal la deshumanización del hombre a causa de un mundo repleto de tecnología alienante. La diferencia, sin embargo, es que los Grandaddy canalizaron esa tristeza moderna con canciones de un tono no tan experimental y más cercano al pop-rock radial. Lo que no es algo malo, al final de cuentas. Les presento a “Miner at the Dial-a-View”, entonces. Entre una guitarra que parece acompañar un cortejo fúnebre y el melancólico suspiro de Jason Lytle, se erige la historia de un minero desconsolado en la era del panóptico virtual: puede ver su casa, sus amigos y su familia a través del aparato (el “Dial-a-View” del título), pero no puede tocarlos, no puede hablarles. El único contacto humano que parece tener es la voz de la máquina, que le instruye cómo utilizar el artefacto y deseándole buena suerte de una manera casi cínica. El panorama es desolador, pero aparece un halo de esperanza cuando el estribillo proclama: “Volveré a casa algún día”. Ojalá que así sea.

52. “Necessary Evil” – The Dresden Dolls
Álbum: Yes, Virginia (2004)

“Necessary Evil” es una especie de semi-punk con sólo piano y batería, algo que en teoría suena inconcebible. Pero apretamos play y lo primero que escuchamos es a Amanda Palmer escupiendo una palabra por vez como si fuera ácido sulfúrico. Va a toda velocidad, es imparable. Escuchen la violencia con las que Palmer golpea las teclas o la bestialidad precisa del batero Brian Viglione y se van a convencer de inmediato. La letra, aunque en general se lea como un ajuste de cuentas a un ex-novio, guarda algunos sinsentidos: “¿Son hombres o Memorex?” ¿Eh? Ah, y Amanda querida, ¿por qué las estaciones de servicio al costado de la autopista son un mal? A mí me parecen bastante piolas. Hacia la mitad de la canción, el piano suena como la intro de “Clocks” de Coldplay a doble velocidad, complementándose fantásticamente con los frenéticos golpes de la bata. Incluye estribillo demoledor y una pronunciación muy johnnyrottenesca del producto Listerine.

51. “Zoom!” – Super Furry Animals
Álbum: Love Kraft (2005)

El sonido del chapuzón que inicia “Zoom!” es más que adecuado: en efecto, la canción se siente como si estuviéramos nadando en una piscina llena de ácido lisérgico. Orfebres del buen pop psicodélico, los Super Furry Animals se despachan con el que es probablemente su tema más bombástico. Como es costumbre en los galeses, la letra está salpicada de imaginería surrealista (dálmatas cuyas manchas desaparecen, besos apocalípticos, etc), pero esta vez se encuentra rodeada de instrumentos y voces que se acercan más al rock progresivo de los 70’s, siempre manteniendo el filo melódico propio de los Furries. Precaución: mantengan sus cinturones de seguridad abrochados a la hora del vertiginoso clímax, una inaudita explosión de colores que ofusca los sentidos.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (70-61)

2009-09-19T10:19:00.009-04:00

70. “The Importance of Being Idle” – Oasis
Álbum: Don’t Believe the Truth (2005)

Hay muy pocas otras personas en el negocio de la música que pueden tomar prestado ideas de otros artistas de una manera tan obvia pero cosechando tan buenos resultados como Noel Gallagher, el (por el momento ex) compositor principal de Oasis y responsable de algunos de los himnos rock más memorables de los 90’s. Todos dicen que afanó mucho de los Beatles, pero también el muchacho le birló melodías a T-Rex y The Byrds. Una de las mayores inspiraciones del mancuniano es otra legendaria banda británica, los Kinks. “The Importance of Being Idle” vendría a ser su “Sunny Afternoon”: una oda con sabor sesentista a la vagancia y a la despreocupación, al “me tomo un Garombol y todo me chupa un huevo”. La letra logra transmitir eso mediante frases que son de lo mejorcito que escribió Gallagher en su carrera y que pondrían orgulloso al mismísimo Ray Davies: “No me importa/ Mientras tenga una cama bajo las estrellas que brillan estaré bien”. El organito retro y la intro marcial ensalzan aun más la extraña alegría vital surgida de la apatía que se desprende de la letra.

69. “Nature Boy” – Nick Cave and the Bad Seeds
Álbum: Abbatoir Blues/Lyre of Orpheus (2004)

Conocí a “Nature Boy” por medio de la película Ficción (algo así como una Perdidos en Tokio catalana), cuando la canción empezó a sonar en una de las últimas escenas. Como había alquilado la película en DVD, me dirigí al menú y fui directamente a una característica especial en la cual estaba todo el soundtrack disponible para escuchar (¡bien ahí!) para anotar el intérprete, puesto que el tema me había llamado la atención. Nick Cave… el tipo me sonaba porque había enganchado una vez en Film & Arts un documental sobre el tipo y me pareció interesante, sobre todo cuando estaba al frente de Birthday Party, que recuerdo que me parecieron una manga de loquitos de mierda. En fin… vamos al tema, ¿ok? Como en casi todas las canciones escritas por Cave, la letra ostenta mucha imaginería misteriosa y algunas rimas que uno no sabe si calificarlas de genialidad o tomada de pelo (caso: “Histeria” con “Wisteria”), pero aquí se encuentra dentro de la estructura de una preciosa canción pop-rock. El estribillo es sinceramente irresistible, con esos coros femeninos que son un regalo a los oídos. Permítanme otro símil: “Nature Boy” es el “Make Me Smile” de Nico Cueva.

68. “The Youth” – MGMT
Álbum: Oracular Spectacular (2008)

“Este es un llamado a las armas para vivir, amar y dormir juntos”. Un reclutamiento a la juventud cambiante es la que supone “The Youth”, del dúo con base en Brooklyn que se transformó el año pasado en una de las sorpresas más gratas. Con el fantasma de Ziggy Stardust merodeando constantemente, la canción se apoya en instrumentos electrónicos que nos llevan a un verdadero viaje psicodélico. A alguno le podrá parecer hartamente repetitiva la pronunciación de la palabra “together” en el estribillo, pero a mí pone en trance; me dan ganas de abrazar a la persona al lado mío y moverme de manera pendular. Rescato además, sobre todas las cosas, el genial uso de uno de los trucos más viejos de la historia de la música: el cambio de tonalidad para dar más énfasis a una parte, en este caso el estribillo.

67. “Lloyd, I’m Ready to Be Heartbroken” – Camera Obscura
Álbum: Let’s Get Out of This Country (2006)

En 1984, el compositor escocés Lloyd Cole, al frente de su banda The Commotions, lanzó la canción “Are You Ready to Be Heartbroken?”. 21 años después, sus compatriotas Camera Obscura dan a luz una canción que sirve como respuesta, mediante las palabras de la cantante Tracyanne Campbell en el estribillo: “Ey, Lloyd, estoy lista para que me rompan el corazón, porque no puedo ver más allá de mi propia nariz en este momento”. La canción hace honor a la mejor tradición pop de hace 40 años, con un órgano y una orquesta de cuerdas ideales para la ocasión y una melodía tan amigable que dan ganas de invitarla a tomar un té (?). La voz de Campbell es tan dulce como frágil; no sabemos con seguridad si mientras canta está sonriendo, dada la alegría contagiosa del ritmo, o llorando, de acuerdo a la letra de carácter sad bastard. Y, la verdad, está bueno no saberlo.

66. “Crystal” – New Order
Álbum: Get Ready (2001)

Cuando New Order regresó después de casi una década, casi nadie contaba con que los veteranos de la new wave caigan tan bien parados como lo hicieron. Aunque más guitarreros como de costumbre pero sin perder su identidad, Bernard Sumner y compañía se despacharon con Get Ready, un disco que desborda de canciones pegadizas. “Crystal” fue la carta de presentación de ese regreso: primer single y primer track del álbum, la canción es, sin demasiadas vueltas, decididamente infecciosa. Aunque la letra peca de simplista (aunque todo el disco sufre de líricas olvidables), la melodía es una cosa tremenda. La producción puede sonar demasiado limpita, como manufacturada para vender a los fans nostálgicos, pero no hace que la cuestión pierda fuerza. Mención especial para los coros (“JE-EH-EH”, “JU-UH-UH”) y los solos de bajo del enorme Peter Hook, que ya son marca registrada del conjunto.

65. “You Only Live Once” – The Strokes
Álbum: First Impressions of Earth (2006)

Al contrario de lo que sugiere el título, “You Only Live Once” no es una versión en inglés del hit “Sólo se vive una vez” del dúo español Azúcar Moreno, sino el tema que abre el paupérrimo tercer disco de Strokes, First Impressions of Earth (¡cuántas ganas que tenía de hacer este chiste boludo!). Aquí está todo lo que los que disfrutaron de los primeros dos discos de los Strokes aman de ellos: el diálogo entre guitarras, una batería sin demasiadas complicaciones y la rasposa voz de Julian Casablancas. Si hay que calificar de “pop” alguna canción del grupo neoyorkino, que sea esta. Funciona todo bien: desde los acordes de las violas hasta el fabuloso fraseo de Casablancas (más esos adictivos “oh-oh”). Por ahí suena un poquito más limpito que de costumbre, pero… ¿quién se puede negar a una buena canción pop?

64. “Combat Baby” – Metric
Álbum: Old World Underground, Where Are You Now? (2003)

Uy, déjenme el remate del puesto anterior que me viene fantástico para el número 64. Todo bien con la experimentación, pero creo firmemente que hay pocas cosas más poderosas en el mundo que 3 minutos y medio de una buena melodía dentro de una estructura convencional (estrofa-estribillo-estrofa-estribillo). Los canadienses Metric lo saben y han podido aprovechar la oportunidad de demostrarlo cada vez que pudieron. “Combat Baby” es una de sus mejores creaciones en el terreno del pop chicloso. La cantante Emily Haines canaliza a Debbie Harry y se desespera por volver a los brazos de su chico combativo, entre guitarrazos y seductores "du du du"'s. “Nadie me quiere pelear como vos”, clama Haines más tarde, antes de entrar en uno de esos estribillos que se te quedan incrustados en el marote por días.

63. “Eleanor Put Your Boots On” – Franz Ferdinand
Álbum: You Could Have It So Much Better (2005)

“Hacer música para que las chicas bailen”: ése era el leit-motiv de Franz Ferdinand según su líder Alex Kapranos. Aunque “Eleanor Put Your Boots On”, dedicada a la entonces novia de Kapranos (y, en parte, a New York), parece obedecer más a bien al rótulo “Música para que las chicas se enamoren”. Cuando la escuché por primera vez, no podía creer que los mismos fiesteros de “Take Me Out” se hayan mandado una balada tan, pero tan, delicada como esta. El piano beatleasco siempre logra ponerme al borde de la lágrima, aunque la canción esté en todo momento con el ánimo alto, y la frase “Podría estar allí cuando aterrices” es romantiquísima sin llegar a la melosidad. Por alguna razón que todavía no logro comprender, la canción salió como single en una versión más rápida y significativamente insulsa. Mal ahí, chicos.

62. “Guitar Hero” – Amanda Palmer
Álbum: Who Killed Amanda Palmer (2008)

Sé de un lector de este blog que va a querer tirarme dardos venenosos por no incluír a “Leeds United” en vez de “Guitar Hero”. Si bien confieso que la primera estuvo a un pelo de rana calva de entrar (después de todo, es una canción que me encanta), mi favorita del primer disco solista de Amanda Palmer, la frontwoman de Dresden Dolls, siempre fue, es y ¿será? “Guitar Hero”. Inspirada en una noticia que Palmer leyó sobre un soldado yanqui en Irak que dijo que durante la guerra se sentía como dentro de un gran videojuego, el tema se destaca gracias a los acordes que impactan como pisotones de gigante y una viola amenzante cortesía de East Bay Ray, guitarrista de la clásica banda punk Dead Kennedys. Como es costumbre en la música de Palmer, hay dramatismo de sobra, aunque esta vez en forma de un infeccioso beat de glam-rock. Les aseguro que después de dos escuchas ya van a estar cantando “And i could save you baby/ But it isn’t worth my time/ And i could make you chase me/ For a little price is right” (más los “uh-uh-uh” que vienen después, por supuesto).

61. “Distortions” – Clinic
Álbum: Internal Wrangler (2000)

“Me encanta cuando pestañeas”… ¿qué clase de declaración de amor es esa? ¿Y que hay de “Te imaginé en un ataúd”? Pero bueno, no se puede esperar otra cosa de una banda de bichos raros como Clinic. “Distortions” sorprende, principalmente, por su enfoque casi minimalista. Una batería electrónica y un sintetizador son lo único que utilizan para captar nuestra atención, además de la penetrante voz de Ade Blackburn. Se suma algún que otro instrumento también, como un saxo fuera de control cerca del final, pero es la simpleza la que marca a fuego la canción. Los primeros versos de la letra están tomados de “Candy Says”, una balada de Velvet Underground, y la verdad que tiene sentido: “Distortions”, después de todo, es cómo sonaría la banda de Lou Reed si sus integrantes fueran seres melancólicos de otro planeta.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (80-71)

2009-09-12T10:09:00.010-04:00

80. “You Have Killed Me” – Morrissey
Álbum: Ringleader of the Tormentos (2006)

El viejo Moz hace su entrada al ranking con el que es quizás su single más efectivo y pegadizo como solista hasta la fecha. “You Have Killed Me” es una canción sencilla, un pop de guitarras dramáticas de tres minutos de duración, en el cual el ex líder de The Smiths le declara impetuosamente a su receptor que es un muerto en vida: “Mientras viva y respire, me has matado”, insiste en el contundente estribillo. Desfilan, además del característico canturreo melanco de Morrissey, varias referencias a Roma (Piazza Cavor), ciudad en donde Ringleader of the Tormentos (el álbum que incluye el tema) se grabó, como así también a leyendas del cine italiano, como Pier Passolini, Luchino Visconti y Anna Magnani.

79. “Lovesick” – Grand Duchy
Álbum: Petits Fours (2009)

Grand Duchy es un proyecto insólito desde cualquier lado que se lo mire. Un ex Pixie, Frank Black, se junta con su esposa, Violet Clark, y lanzan un disco ochentoso, con sintetizadores y baterías dance a la orden del día. Suena a un chiste que no tendría que haber salido de la habitación matrimonial, sobre todo considerando que Black, como confesó él mismo, se pasó la última mitad de los 80’s tratando de hundir esa década, con guitarras sucias y gritos como líder de los legendarios Pixies. En suma, uno termina pensando que Petits Fours, el primer disco de este singular proyecto, es un regalo de Black a su esposa, una declarada fanática del synth pop de los 80’s. Aunque, a decir verdad, no termina importando demasiado: las canciones son demasiado buenas como para ignorarlas rápidamente y “Lovesick” es un claro ejemplo de ello. Con un riff bien rollinga (¡hola, “Brown Sugar”!) y la cancherísima y sensual voz de Clark al frente (cómo me gustan esos “ajá” al principio), la canción es todo un hitazo new wave. Aparecen toques de los Pixies también, sobre todo en la simpleza del bajo y ciertos cambios de acordes poco convencionales; pero la estrella indiscutible en la canción es Clark, que se desbarata en declaraciones de cuánto odia estar estancada en los Estados Unidos, lejos de su amor. No se pierdan la hilarante sesión de sexo telefónico del matrimonio a mitad del tema (“¿Qué llevás puesto?” pregunta Black, “No sé”, responde Violet entre risas).

78. “I Bet You Look Good on the Dancefloor” – Arctic Monkeys
Álbum: Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006)

Y al fin llegamos a esto. La primera entrada obvia en el conteo. Los Arctic Monkeys se ganan el premio a banda de rock más inflada de la década, aunque no hay que desecharlos totalmente: tienen suficientes ideas y talento como para que alguna vez lleguen a hacer su obra maestra. Por lo tanto, llevan a su cuesta algunos singles realmente buenos, siendo “I Bet You Look Good on the Dancefloor” el que significó el detonante del hype de los muchachos de Sheffield. La canción comienza como una pequeña explosión, una inyección de adrenalina con una batería que parece una ametralladora y guitarras que caen como rayos. Es una danza demente y frenética la que supone el tema, en el que se enmarca una historia de histeriqueo romántico tremendamente moderna en las pistas de baile. “No habrá Mostescos ni Capuletos, sólo zapatos de baile y sets de DJ’s” escupe Alex Turner, con ese fraseo juvenil y corrosivo que posee. A bailar como un robot de 1984, se ha dicho.

77. “That Great Love Sound” – The Raveonettes
Álbum: Chain Gang of Love (2003)

El duo danés The Raveonettes es una banda que no tiene vergüenza a la hora de admitir sus influencias. Su nombre, después de todo, surge de la unión de los nombres de The Ronettes (el fabuloso trío de chicas de los 60’s creadoras de “Be My Baby”, probablemente la mejor canción pop de todos los tiempos) y “Rave On”, una tonada grabada por Buddy Holly. Yendo más lejos: su primer EP se llamó Whip It On a partir de una famosa frase de “Sister Ray” de Velvet Underground. Ya metiéndonos en “That Great Love Sound”, la banda homenajeada es sin duda The Jesus & Mary Chain. La mezcla infalible de melodía pop sesentosa y guitarras chillonas es la que marca manifiestamente este excitante single, que cuenta con un estribillo tan, pero tan adictivo que tendría que ser ilegal. Las voces de Sharin Foo y Sune Rose Wagner están juntas en todo momento, haciendo que el sonido sea aun más irresistible.

76. “Dead Leaves and the Dirty Ground” – The White Stripes
Álbum: White Blood Cells (2001)

Ya que estamos hablando de bandas compuestas por dos personas, hablemos de los White Stripes. Sin lugar a dudas es una de las bandas más importantes de la década, teniendo en cuenta que alcanzaron su cenit en estos últimos 10 años con dos álbumes imprescindibles: White Blood Cells (2001) y Elephant (2003). Este último fue su disco consagratorio, pero el primero es mi favorito. Ello trajo aparejado un problema: fue realmente difícil escoger sólo una canción de aquel álbum. Finalmente me decidí por “Dead Leaves and the Dirty ground”, pero tengan presente que podrían haber estado en su lugar “Fell in Love With a Girl” u “Hotel Yorba” o “The Union Forever” u “Offend in Every Way” o incluso la olvidada “I Can’t Wait”. En fin, la razón por la que elegí “Dead Leaves…” está puramente ligada a aspectos emocionales: fue la primera canción que escuché de Jack y Meg y, por ende, la que hizo que me interesara en ellos en primer lugar. La canción lleva el sello del dúo: guitarra sucia y potente que tira un riff, batería minimalista y una letra con imaginería siniestra que describe el alejamiento de una pareja, narrada por Jack White, uno de los artistas de rock más interesantes y movedizos de la actualidad.

75. “Free” – Cat Power
Álbum: You Are Free (2003)

Chan Marshall alias Cat Power es una de las mayores exponentes del indie depresivo, con su voz susurrada y enfoque musical intimista. De todas formas, hay veces en las que se libera y se decide a pasarla bien. Les presento a “Free”, entonces: esto es Marshall divirtiéndose, jugando a ser una rockera sexy y despreocupada. Ya desde la voz lo notamos. No es que ande gritando como una desquiciada, pero escuchen cómo canta el verso “Everyboddyyyyyyy/ Come togetheeeeeer”… a mí me calienta, no sé a ustedes. Pará, ¿dije que Marshall se libera? Estoy comenzando a dudar de mis palabras: la canción no hace otra cosa que acumular tensión con cuatro acordes boludos que se repiten. Una batería electrónica entra (“ta ta ta”) y parece que por fin la cosa va a estallar en mil pedazos. Pero no. La guacha nos tienta. Y todo se pone más intenso. Se siguen sumando guitarras, aparece un órgano, la batería emerge cuando se le da la gana, vuelve a salir e ingresa de nuevo... Pero hacia al final hay recompensa para el oyente, cuando en los últimos segundos la tensión es finalmente descargada con unos potentes "Free!".

74. “Boys in the Band” – The Libertines
Álbum: Up the Bracket (2003)

Cuando aparecieron The Libertines, la prensa musical, siempre avispada, no dudó en llamar al grupo “la respuesta inglesa a The Strokes”. La definición era más bien un síntoma de la excitación por una nueva corriente que estaba naciendo, pero uno puede ver de dónde se respaldaron para tal afirmación. ¿Guitarras crudas? Tick. ¿Actitud juvenil y desfachatada? Tick. Como sea, lo cierto es que de la mano de Carl Barât y Pete Doherty (este ultimo más conocido por su relación con Kate Moss y sus líos con la merca), The Libertines se afianzó como una de las primeras grandes bandas independientes de Inglaterra de estos últimos dos lustros, y todo gracias a su muy buen debut, Up the Bracket, de donde se desprende “Boys in the Band”, un guiño irónico a toda aquella chica que se quiso acostar alguna vez con una estrella de rock. Garage directo, sin vueltas, pero con esa notable sensibilidad hacia la melodía que es propia de los británicos.

73. “Almost Crimes” – Broken Social Scene
Álbum: You Forgot It in People (2002)

Broken Social Scene es un esfuerzo colectivo musical canadiense, que a fuerza de ideas y colaboración se erigió como una de las propuestas más arriesgadas de la década. “Almost Crimes” es el cuarto track de You Forgot It in People, el album que les valió el reconocimiento tanto de la crítica como del público. Como en “Free”, nuestro puesto nº 75, la tensión es la vedette indiscutible. El clima es nublado, asfixiante; casi uno puede comenzar a sentir claustrofobia. La batería, rápida y precisa, es acompañada por guitarras ahogadas en la atmósfera opresiva y un monumental duelo vocal entre Kevin Drew y Leslie Feist comienza a llevar las riendas de la canción. Por momentos se suma un saxo desesperado y ruiditos salidos de otra galaxia: todo contribuye a tensionar aún más las cosas. Mi momento favorito llega cuando, hacia el final, Feist lanza un aullido (“Criiiiiiiiiiiiiiiiiiimes”), y uno siente que está ante una experiencia escalofriante, de índole catártico.

72. “You Know I’m No Good” – Amy Winehouse
Álbum: Back to Black (2006)

No pienso detenerme demasiado en esta. Si bien confieso que tiene una voz imponente, Amy Winehouse no me viene ni me va. Y, por más respetable que sea su obra, tengo el presentimiento que la inglesa será más recordada en el futuro por su escandalosa vida privada que por su música. A pesar de todo eso, no puedo evitar prestar mis oídos a “You Know I’m No Good”. Como casi toda la música de Winehouse, hay un anclaje en el motown, aunque la batería hip-hopera proporcionada por Mark Ronson (productor estrellita) le da un toque más moderno. Pero son los vientos los que le otorgan un sabor exquisito a esta historia de desencuentros amorosos y que Amy entona con sinceridad y autoridad, sobre todo cuando canta frases tan categóricas como “Lloré por vos en el piso de la cocina” o “Me engañé a mí misma, como supe que lo haría”. Además, la melodía en las estrofas es sencillamente perfecta, no hay con qué darle.

71. “Jesus, etc.” – Wilco
Álbum: Yankee Hotel Foxtrot (2002)

Ya desde los primeros segundos, la enigmáticamente titulada “Jesus, etc.” se sumerge en un clima de pub amigable con mucho humo de cigarrillo y ruido de porrones de cerveza, donde las personas van a ahogar sus penas en alcohol. En su intimidad melancólica, la canción se desarrolla sin demasiados exabruptos, aunque la letra no hace otra cosa que llegarnos al corazón. Frases como “Tenías razón acerca de las estrellas, cada una es un sol poniente” son de una contundencia prodigiosa. Curiosamente, no me atrevo a afirmar que es un tema deprimente: la instrumentación y la melodía son lo suficientemente hermosas como para hacerte sonreír. Aunque sea una sonrisa triste. Ah, y discúlpenme por el siguiente exabrupto, pero… ¡CÓMO LA ROMPEN ESOS VIOLINES AL PRINCIPIO!

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (90-81)

2009-09-05T10:31:00.024-04:00

90. “La Song” – Supergrass
Álbum: Life on Other Planets (2002)

Moncho Benavídez, el fan #18 de Supergrass de Argentina, escucha por primera vez “La Song” y comparte sus pensamientos:

Apa, ¿Y ese órgano? ¿Qué es esto? ¿La Iglesia de la Santa Cachucha de los Miradores? Yo no recuerdo haber estado preparándome para ir a la misa del domingo. Ya estoy imaginando al sacerdote venir con sus monaguillos...
Ah, ahora sí. ¡A rockear! Uh, la guitarra te pega con una bolsa llena de pilas doble A. ¿Quién es el que canta? A mí me suena a Lou Reed. ¿Cómo consiguieron los Supergrass a Lou? Bueno, no creo que sea tan difícil, considerando que accedió a grabar con The Killers...
Ahora vino el estribillo. ¡Esto es brit-pop, carajo! “Laralá, laralá”, claro que sí, mierda...
Y volvimos a rockear con Lou Reed (¿es Lou, no? Tiene que serlo)...
Y el estribillo de nuevo...
Vuelve el órgano de la Basílica de Luján... Pero no me engañan, ahora vuelven a rockearla...
Apa, ¿pero qué es eso? ¿Guitarras en reversa? Nos pusimos psicodélicos. Diablo, te llaman...
Ahí está, volvimos al riff, pero esta vez hay un montón de ruiditos de fondo...
Estribillo de nuevo y fin.
Temazo.

89. “Whatever Happened to My Rock 'n' Roll (Punk Song)” – Black Rebel Motorcycle Club
Álbum: B.R.M.C. (2001)

“Me enamoré de una sensación dulce/ Di mi corazón a un simple acorde/ Entregué mi alma a una nueva religión/ ¿Qué te ha pasado, rock ‘n’ roll?” Una duda existencial es la que sirve de disparador para este arrasador single de los B.R.M.C, que a principios de la década, con la hegemonía del nü-metal (Limp Bizkit, Papa Roach y demás impresentables) y el pop adolescente prefabricado, sonaba verdaderamente adecuada: “¿Qué te pasa, rock ‘n’ roll? Antes eras chévere”. Aunque no es necesariamente una “canción punk” como lo anuncia el subtítulo, hay guitarras al frente y un ritmo 4x4 que hace que el asunto se ponga heavy, llevando a pensar que no hubiese estado fuera de lugar dentro de Definitely Maybe, el disco debut de Oasis. La canción después amaga con terminar varias veces, hasta que una voz tipo megáfono nos despide. ¿Me faltó mencionar que comienza con una de las líneas de bajo distorsionado más pulenta de la década?

88. “Kite” – U2
Álbum: All That You Can’t Leave Behind (2000)

Sí, la parafernalia humanitaria de Bono es poco más que insoportable, The Edge sigue rompiendo las bolas con el delay (en serio, macho, ¿no sabés hacer otra cosa?) y U2 hace rato que no es la gran banda que solía ser. Pero, de vez en cuando, sacan a relucir su chapa de leyendas vivientes y nos entregan alguna canción gloriosa. Como “Kite”, de All that You Can’t Leave Behind, su último disco que presenta algunas credenciales de clásico. Sobre violines sampleados y una melodía lacrimógena se destaca la voz de Paul Hewson, que, Live 8 y demás ejercicios de ego aparte, sigue siendo uno de los mejores cantantes del rock. El estribillo, una pinturita: “Who's to say where the wind will take you? / Who's to say what it is will break you? / I don't know which way the wind will blow”. Es un baladón hecho para que las multitudes canten en estadios gigantescos, no caben dudas. Pero... ¿eso es algo malo?

87. “A Drop in Time” – Mercury Rev
Álbum: All is Dream (2001)

Aquí me siento obligado a declarar que tengo mis reservas con respecto a esta entrada. Y es que la canción es el colmo de la ñoñez, una mariconada digna de un musical tipo Disney on Ice. Para que se hagan una idea, no hay guitarras ni bajos ni sintetizadores: el 90% de la instrumentación la proporciona una orquesta de cuerdas. Y ni hablemos de la voz: es tan edulcorada que debería venir con un aviso para los diabéticos. Es una canción infantil, esa es la palabra. Infantil y juguetona. Y eso que hablamos de Mercury Rev, los mismos que en su primer disco Yerself is Steam coqueteaban con la distorsión. Bué, la cuestión es que, a pesar de eso, la melodía es tan jodidamente hermosa que no puedo evitar ablandarme como almohada vieja. Además, la letra (también bastante ñoña) me remonta a queridos sentimentalismos pelotudos personales que no vienen al caso. De todas maneras, hay ciertos caprichos que no perecen: escuchen sino esa batería mugrienta y apagada que hace su entrada en los últimos segundos, generando un interesante contraste.

86. “Trees” – Pulp
Álbum: We Love Life (2001)

Otras leyendas del brit-pop en el conteo (pero no las últimas, lo aseguro). Del último disco de Pulp hasta el momento, We Love Life, llega “Trees”, en el cual a partir de una instrumentación relajada con guitarras acústicas y teclados, Jarvis Cocker (o: el romántico perverso de Sheffield) recuerda a un amor perdido en un paisaje forestal. El estribillo, un curso rápido de fotosíntesis y corazones rotos: “Sí, los árboles/ Esos árboles inútiles/ Producen el aire que respiro/ Sí, los árboles/ Esos árboles inútiles/ Nunca dijeron que te ibas”. Por supuesto, después Cocker insinúa sutilmente chanchadas acerca de revolcarse en las hojas, pero esa es otra historia. Luego de la momentánea separación de la banda, Jarvis se lanzó a una carrera solista que no ha hecho más que decepcionarme. Esperemos que recobra su sentido común y vuelva con su mítica agrupación, así nos sigue dando tonadas como esta.

85. “Helicopter” – Bloc Party
Álbum: Silent Alarm (2005)

Guitarrazos como motosierras oxidadas, pulso post-punk y una batería frenética y nerviosa. Bloc Party llegaron a mitad de la década con Silent Alarm y pronto se transformaron en la enésima banda promesa. Pero con canciones como “Helicopter” no sorprende por qué. La letra parece ser una diatriba anti-yanqui en plan satírico: “Por qué no puedes ser más europeo” canta Kele Orekeke con su voz afectada, aunque con la frase “Igual que su padre, los mismos errores” parecen estar atacando directamente a Jorge W., el ahora ex-presi. El estribillo es éxtasis y desesperación en dosis idénticas: “¿Estás esperando un milagro?”. Ya no sabemos lo que esperamos. Pero, mientras lo averiguamos, está bueno que nos incentiven a pensar.

84. “Do the Whirlwind” – Architecture in Helsinki
Álbum: In Case We Die (2005)

Los australianos Architecture in Helsinki (o, como me gusta llamarlos, “los Arcade Fire en pepas”) es una banda que generalmente suele empalagarme, por lo que debo escucharlos en pequeñas porciones para disfrutarlos completamente. Eso me pasa con todos sus álbumes, con excepción de gran parte de In Case We Die (sin dudas su mejor disco) y eso gracias a canciones como “Maybe You Can Owe Me” (que tranquilamente podría haber entrado a este ranking) o, particularmente, “Do the Whirlwind”, la nº 84 del presente conteo. La primera palabra que se me viene a la mente cuando pienso en este single es “fiesta”. La intención primaria de la canción es que muevas el orto, de izquierda a derecha y de derecha a izquierda. Hay instrumentos para tirar al techo. Son los sintetizadores los que marcan el ritmo, pero también hay vientos, palmas y un cencerro. Me parece escuchar una cítara metido en el medio también. Hacia el final, la canción nos da un respiro de tanta joda (y de “hacer el remolino”, que andá a saber cómo carajo se ejecuta) y dulces voces femeninas nos distienden.

83. “Skeletons” – Yeah Yeah Yeahs
Álbum: It’s Blitz! (2009)

Los primeros dos discos de Yeah Yeah Yeahs no me atrajeron demasiado. Tenían sus momentos, pero para mí saltaban a la luz como irregulares. Recién fue gracias a It’s Blitz!, lanzado a principios de este año, cuando por fin llegué a apreciarlos. “Skeletons”, cuarto track del disco, muestra una de las virtudes del disco: la voz de Karen O. Si bien en el pasado ya había mostrado que no tenía que chillar como una condenada para tener presencia (como en “Maps” del primer disco), su voz nunca se oyó tan cristalina y vulnerable como aquí. “Esqueleto, yo” canta Karen mientras se sumerge en un arroyo de corrientes electrónicas de ensueño. Por momentos se suma una melodía que parece música celta y hacia el final, una percusión ruidosísima. Épica.

82. “Cân Megan” – Gorky’s Zygotic Mynci
Álbum: How I Long to Feel That Summer in My Heart (2001)

Los Gorky’s Zygotic Mynci, además de tener uno de los nombres más indescifrables de la historia del rock, comenzaron su carrera siendo unos excéntricos en ácido que se entretenían mezclando folk, guitarras quilomberas y melodías extrañas pero pegadizas. Con el tiempo se fueron calmando, culminando con How I Long to Feel That Summer in My Heart, un disco nostálgico acerca del verano, estación odiosa para mí pero fascinante para los Gorky’s (supongo que es porque en Gales hay un clima espantoso todo el año y al verano sólo lo ves en figuritas). No sorprende, entonces, que “Cân Megan”, con su cálido dúo conformado por los hermanos Euros y Megan Childs, parezca el equivalente musical a una tarde soleada y húmeda al costado del río. Imposible no relajarse al suave compás de esta canción un tanto reminiscente de los Kinks circa Village Green, que además cuenta con una simpática orquesta de vientos borrachines.

81. “Matchbook Seeks Maniac” – Deerhoof
Álbum: Friend Opportunity (2007)

Antes de hablar de “Matchbook Seeks Maniac”, hagan clic acá y escuchen bien. ¿Qué cosa tan rara, no? Suena a Pikachu improvisando con un par de nabos que recién aprenden a tocar sus instrumentos. Bueno, ese es el mundo de Deerhoof. Un mundo extraño, ingenuo, perturbador y en ocasiones irritante. “Matchbook…” es, sin embargo, de lo más accesible del conjunto. Una gema pop de la banda freak por antonomasia, donde la guitarra y el órgano son una misma cosa, y en el cual la cantante Satomi Matsuzaki, con esa voz tan de nena de jardín de infantes, se regocija entre deseos de grandeza: “Vendería mi alma al diablo por ser la cima del mundo” dice ese estribillo tan precioso como incómodo. Si bien en general es un tema pop, su estructura está lejos de ser convencional: hay una estrofa, como dos puentes y varios cambios de tiempo. Y, claro, Deerhoof no se banca no ser sí mismo por mucho tiempo.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década (100-91)

2009-08-29T10:43:00.005-04:00

100. “Let’s Make Love and Listen to Death From Above” – Cansei de Ser Sexy
Álbum: Cansei de Ser Sexy (2005)

¡Comencemos bien arriba el ranking, destrozando la pista de baile con nuestros chupines verdes y corte de cabello palermitano! Un casi homenaje al ya separado dúo de dance-punk Death from Above 1979, “Let’s Make Love…” es un electro-pop descerebradamente divertido e infeccioso, con una base híper funky, condimentado con ruiditos de sintetizador de película de ciencia ficción y un break con una guitarra ruidosa, en el cual los brasileños despliegan, por medio de su cantante Lovefoxx, un arsenal de eufemismos al divino arte del coger (“amor loco”, siendo la favorita) y alguna que otra frase ingeniosa como “Sé cómo estás mirándote los pantalones”, cantadas en un encantador (y sexy, por qué no) broken english hecho en Sudamérica.

99. “Whistle for the Choir” – The Fratellis
Álbum: Costello Music (2006)

La NME se encariñó con varias bandas durante esta década. The Fratellis fue una de ellas. Allá por 2006 promovían el debut del grupo, el correcto aunque intrascendente Costello Music, como “el disco que tenés que escuchar sí o sí”. Tal afirmación era una exageración boba de la revista inglesa de música, aunque, si el resto del disco hubiera estado al mismo nivel que “Whistle for the Choir”, una rola de pop-rock altamente melódica de 3 minutos y medio de esas que los ingleses saben hacer tan, pero tan bien, tal vez habrían estado en lo correcto. “Una chica como vos es simplemente irrestible” canta Jon Fratelli. Tanto como ese adorable estribillo. Incluye solo de silbido.

98. “Each Day” – Mary Timony Band
Álbum: The Shapes We Make (2007)

Mary Timony se pasó gran parte de los 90’s al frente de Helium, una modesta y respetable banda de noise-pop, influenciada tanto por Sonic Youth como por la música medieval. Luego de la disolución de la banda, Timony empezó una carrera solista bastante personal, más orientada a los teclados y a las letras sobre magos, calabozos de la Edad Media y demás excentricidades, y que dejó un par de trabajos interesantes (especialmente The Golden Dove, de 2002). Pero con los años Timony comenzó a sentirse sola y llamó a dos amigos para que la acompañen, creando la Mary Timony Band, que en 2007 sacó The Shapes We Make. Toda esta introducción sirve para presentarles a “Each Day”, el punto más alto de aquel disco. La primera parte de la canción es impulsada por una línea de teclado muy pegadiza sobre la que Timony canta con su característico tono despreocupado, sólo interrumpida por un breve corte instrumental. Pero lo mejor llega hacia la mitad. Cuando el tema parece no ofrecernos demasiado más, la banda cambia la melodía y la sucesión de acordes, un coro de Marys se pone a cantar “aaaah”, entra un órgano símil violín y la cosa se pone épica sin llegar a la grandilocuencia.

97. “Come Saturday” – The Pains of Being Pure at Heart
Álbum: The Pains of Being Pure at Heart (2009)

Los neoyorkinos The Pains of Being Pure at Heart suenan a tantas bandas a la vez que es casi imposible tomarlos en serio. No están ni cerca de ser una propuesta original: desafortunadamente para ellos, llegan 20 años tarde y ya todo se hecho, ya todo se ha escuchado en el terreno del pop ruidoso. Pero si tu sonido no es una novedad, ¿qué te queda? Exacto: componer grandes melodías. Y eso es lo que los Pains hacen: canciones llenas de ganchos, con guitarras distorsionadas pero que no llegan a abrumar al oyente y juegos de voces “chico-chica” que miman los oídos. La muestra es “Come Saturday”, que podría sintetizarse como una especie de My Bloody Valentine-conoce a-Belle and Sebastian. De los primeros toman la urgencia de sus primeros trabajos y la suciedad de los instrumentos, y de los escoceses, los encantadores juegos de voces, particularmente ese “uh-uh-uuuuh” ascendente a dos voces en la intro. Como para seguir tirando más nombres e influencias, la letra depresivo-libidinosa lleva la marca de otro ídolo Indie de los 80’s, Morrissey: “Ven el sábado, vendrás para quedarte entre mis brazos. A quién le importa si hay una fiesta en algún lado, vamos a quedarnos adentro de casa”.

96. “The Good Times Are Killing Me” – Modest Mouse
Álbum: Good News for People Who Love Bad News (2004)

Dentro de unos 10 años, Modest Mouse probablemente serán conocidos como one-hit wonders, gracias al inesperado éxito de “Float On”, que los llevó al #1 del ranking de Billboard. Aquella canción fue el primer single del disco más exitoso del grupo, Good News for People Who Love Bad News, que cierra con el tema que nos compete, “The Good Times Are Killing Me”. Si bien no fue single, bien podría haberlo sido, aunque la letra no apelaría a las masas por su surrealismo tosco (“Tengo suficiente pelo de perro como para hacerme una alfombra”) y sus dosis altas de filosofía drogona (“Harto de todo ese LSD/Necesito más descanso que cocaína y metanfetaminas/Noches con whiskey tibio/Supongo que los buenos tiempos no están mal, sólo matándome). Tal vez es por esto último que la canción se siente como que fue grabada en una noche de alcohol y drogas, en un ambiente con olor a pucho (escuchen la charla al principio: alguien pregunta si se puede fumar en el estudio mientras otro pregunta por un cenicero). Musicalmente, el tema se sostiene con la repetición canchera de la frase del título, una guitarra acústica, una batería espaciosa cortesía de la producción de The Flaming Lips y Dave Friedman, el productor de cabecera de los Lips, y hasta de una flauta. El coro de varias voces al final acompañado de un conjunto de cuerdas termina de redondear el asunto de una forma magistral.

95. “Dreaming of You” – The Coral
Álbum: The Coral (2002)

Una simpática y sencilla base de bajo da inicio a “Dreaming of You”, un ska con alma sesentosa que nos llega de la mano de los revivalistas The Coral. Pronto se sumarán un ridículo órgano, guitarras cortantes y la voz áspera del cantante James Skelly. Al llegar el estribillo, uno sabe que está ante un ejemplar de aquella extraña especie de canción: aquella que, aunque la estemos escuchando por primera vez, sentimos que la conocemos hace mucho tiempo. Luego del primer estribillo, uno ya está entregado a todo lo que ofrezca el tema, ya sea el delicioso juego de voces, los vientos que imitan la base de bajo, el solo de guitarra acompañado por un xilófono o el puente de “oooooh”’s.

94. “Chicago” – Sufjan Stevens
Álbum: Illinois (2005)

Si hay que decir algo de Sufjan Stevens es que es un tipo ambicioso. Uno de sus proyectos es hacer un disco por cada estado yanqui. Por ahora, va haciendo solamente dos: Illinois y Michigan. Desafortunadamente, a este paso, llegará al estado #50 en el 2102. También es ambicioso en el plano musical: si bien a veces se limita a viñetas folkie con sólo guitarra acústica y voz, de vez en cuando se exorciza con orquestas de cuerdas y vientos y coros gospel. Este último es el caso de “Chicago”. Conmovedora como pocas, la letra homenajea a la ciudad del título como un lugar de escape, libertad y redención para Sufjan, quien se dio cuenta que ha cometido muchos errores, y a lo que las voces del estribillo le responden “all things go, all things go” insistentemente. Todo en forma de una melodía que resulta imposible olvidar.

93. “Accelerator” – Primal Scream
Álbum: XTRMNTR (2000)

Año 2000. Son tiempos podridos y estos tiempos podridos ameritan música podrida y agresiva pero con algo que decir. Y así llegó Primal Scream con XTRMNTR, un disco de rock electrónico feroz, que derrocha bronca y mala leche. “Accelerator” es el mejor ejemplo de la cosmovisión de ese disco, además de ser un gran tema por su propia cuenta. Acá lo que van a escuchar es una pared de guitarras abrasivas, sobre la que Bobby Gillespie y una corista nos alientan a pisar el acelerador en dirección hacia el futuro. Hacia el final, todo se convierte en un caos insostenible y no logramos salir de nuestro asombro. ¿Alguien anotó la patente del auto que me arrolló? Créditos para Kevin Shields, mente detrás de My Bloody Valentine y gurú de la distorsión organizada, que colaboró con la mezcla final.

92. “Crooked Teeth” – Death Cab for Cutie
Álbum: Plans (2005)

Algunas canciones up-tempo son engañosas. Si uno no presta atención a la letra, parece que nos están hablando de alguna huevada romanticona: de que el amor lo vence todo o algo por el estilo; o que no nos preocupemos porque todo estará bien; o que alcemos las manos si queremos menear. Pero no: sólo nos ofrecen desidia, amargura y dolor. Algo así pasa con "Crooked Teeth". Una canción con una producción limpita, una melodía preciosa, un estribillo ganador y una placentera interacción entre guitarras. Es un hitazo, no hay duda. ¿Y la letra? Y, es un bajón: “No vas a encontrar nada si desde el principio no había nada” dice el estribillo. Pero a no desesperar, hay frases adorables e inquietantemente románticas también: “Soy una guerra de cerebro contra corazón/Siempre ha sido así/ Mi cabeza es débil, mi corazón siempre habla antes de que sepa qué quiero decir”o “Sos tan linda cuando estás balbuceando tu discurso”. Pero lo mejor es que esas frases no suenan forzadas, sino sinceras. Y eso, amigos, es difícil de lograr.

91. “Hold Me Now” – The Polyphonic Spree
Álbum: Together We’re Heavy (2005)

The Polyphonic Spree es una de las ideas más extravagantes de la música rock de la actualidad. Una auténtica sinfónica coral neopsicodélica que ha llegado a tener más de 20 integrantes, siempre bajo la tutela de Tim DeLaughter, el fundador del grupo. “Hold Me Now” es, quizás, la obra más acabada de este proyecto. En lo primero que piensa uno al escuchar esta canción es en Sgt. Pepper. Está todo lo que caracterizó a la obra maestra de los Beatles: una melodía soleada, instrumentación variada y ampulosa (cuerdas, vientos, percusión, lo que se les ocurra) y coros hasta decir basta. Lo que más capta la atención es el formidable estribillo, purificador, suave como una brisa veraniega: “Hold me now/Don’t start shaking/You keep me safe/Don't ever think you're the only one when times are tough in your new age”. Si no te provoca piel de gallina, siento lástima por vos.

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Las 100 Mejores Canciones de la Década: Preludio/Prefacio/Introducción/Prólogo/Palabras Preliminares

2009-08-26T10:03:00.004-04:00

Esta década será recordada por muchas cosas: Estados Unidos terminó con dos torres menos y un presidente morocho, medio mundo se volvió loco con los celulares y todos se decepcionaron por la no llegada de los autos voladores. Musicalmente, ha sido muy interesante: marcó la consagración de Coldplay como los herederos del rock de estadio de U2, la música independiente llegó a un punto altísimo en su historia y Mambrú y Bandana (foto) disfrutaron su éxito y caída en apenas un par de veranos. Si en estos últimos 10 años han estado viviendo en un frasco de mayonesa y no se han podido empapar de las dulces melodías creadas en los 00's, ¿qué mejor que entregarles a ellos una lista de las 100 mejores canciones de la década, armada por un aficionado a la música de conocimientos algo insuficientes?

Este ranking, por cuestiones de amplitud y representatividad, se confeccionó teniendo en cuenta las siguientes limitaciones:
- Entran todos aquellas canciones grabadas y lanzadas al mercado a partir del 1 de enero de 2000. ¿Que la década comenzó en 2001? Técnicamente, es cierto. Pero a nadie le importa.
- No se incluirán covers ni remixes. Acá es versión original o nada, papá.
- Si la canción ha sido grabada dos veces (es decir, primero para un EP y luego para un álbum), se eligirá la versión más pulenta.
- No más de 3 canciones por artista.
- No más de 1 canción por álbum.
- La lista no abarcará artistas nacionales ni hispanoparlantes. ¿La razón? No escucho demasiada música en español.

La lista estará separada en 10 partes, y cada post incluirá pequeñas reseñas de cada canción y un link para bajarse los diez temas en mp3, para que ustedes escuchen, disfruten y opinen. ¿El criterio de selección? Mi arbitrario y cuestionable gusto. Todos los sábados, una entrega, comenzando este sábado 29 de agosto. ¡Preparen sus hisopos, sáquense la cera y vayan calentando sus parlantes/auriculares!

Cómo titular creativamente una nota de tapa

2009-08-24T12:53:00.005-04:00

Situación: por la primera fecha del Torneo Apertura, River perdió 2 a 0 como visitante ante Banfield. Por otra parte, Boca empató 2 a 2 con Argentinos, con dos goles de Guillermo Marino, luego de ir perdiendo 2 a 0. Al respecto, Crónica tituló de esta manera la noticia en el diario de hoy:

¡Brillante!

Piola Vago: los Oasis argentinos

2009-08-18T12:53:00.007-04:00

Según el vergonzoso diario inglés The Sun, Carlos Tévez le prometió a los fans más famosos del Manchester City, los hermanitos Gallagher de Oasis, una clase de baile cumbiero a cambio de una colaboración musical con ellos. Más allá de lo hilarante que es imaginar a Liam bailando "Laura, se te ve la tanga", Carlitos tiró la posta diciendo: "Su música puede ser diferente a la de Piola Vago [su banda de cumbia], pero en otros aspectos, somos similares: en mi banda estamos yo y mi hermano Diego y en Oasis los Gallagher... así que se podría decir que somos los Oasis argentinos".

A partir de estas descabelladas declaraciones, los Piola Vago estarían planeando un concierto de tributo a la banda inglesa. Estas serían algunas de las versiones que estarían preparando:

"Pared copada" ("Wonderwall")
"Algunos pillos dirán" ("Some Might Say")
"No mires atrás, ingrata" ("Don't Look Back in Anger")
"Faso y birra" ("Cigarrettes and Alcohol")
"Capo de la cumbia" ("Rock and Roll Star")
"Vago soy" ("The importance of being idle")
Entre otras

Por otro lado, hay quienes observan que Liam ya le está robando el look de Capitán Piluso a Carlitos, por lo que la fascinación sería recíproca:

El soundtrack de mis sueños

2009-08-09T13:24:00.008-04:00

Mientras la gran mayoría de los especímenes masculinos de mi edad sueñan con empernarse a Megan Fox en el Tren de la Costa, mis instancias oníricas tienen casi siempre como protagonistas a canciones. Esa es una secuela del escuchar mucha música, al parecer. Hace un par de noches, soñé que mi hermano tenía unos amigos que tocaban en una banda que hacía covers de The Zombies, particularmente de canciones de su magnum opus Odessey and Oracle. La cuestión es que al despertar, tenía mitad del disco pegado en la cabeza, sobre todo estas dos joyitas: "Brief Candles" (el estribillo es amor a primera escucha) y "Changes" (que, a pesar de esa onda hippie que casi todas las bandas psicodélicas metían para hacerse los locos, garpa bastante):

The Zombies - "Brief Candles"

The Zombies - "Changes"

Como si esto fuera poco, hoy a la mañana me desperté con "One of Us" de Joan Osborne enfrascado en el marulo, especialmente la línea de guitarra. Vaya a saber uno cómo llegó ese one hit wonder noventoso a pegarse, pero pasó. Como era temprano, me volví a dormir.

Joan Osborne - "One of Us"

Y me levanté con otro tema encrustado, "Funny Little Frog" de Belle and Sebastian, lo cual tiene sentido teniendo cuenta que últimamente estuve escuchando mucho The Life Pursuit (disco en el que se encuentra la canción). Además, es una canción genial y muy ganchera.

Belle and Sebastian - "Funny Little Frog"

Por lo menos no se me pegó "Poker Face" de Lady Gaga, como me pasó hace una semana. Ese sí fue un duro despertar.

Campos Magnéticos: una banda tributo que sí vale la pena

2009-08-04T20:25:00.004-04:00

Gracias al suplemento Radar de Página 12, me enteré de esta banda que reversiona temas de The Magnetic Fields en español*, aunque siendo muy fieles al estilo de la banda de Stephin Merritt. El domingo tocaron, yo dormí y ahora estoy esperando su próximo concierto. Los dejo con esta simpática versión de "The Luckiest Guy on the Lower East Side" (titulada "El Galán de La Paternal"):

Y esta es la versión original (el video lo hizo un chabón random y lo colgó en Youtube):

*Eso sonó medio snob

Hacia una concientización de la seguridad en el lugar de trabajo

2009-07-17T11:04:00.001-04:00

Como diría aquella propaganda noventosa de Luchemos por la Vida: "prestá atención, prestá atención". Sobre todo en tu lugar de trabajo:

Blur: esas otras canciones

2009-07-03T13:43:00.011-04:00

Esta selección es la consecuencia de tres factores: primero, este post del blog amigo Viaje Secreto. Segundo, la reunión de Blur con Graham Coxon de vuelta en la guitarra, luego de su alejamiento en 2002; y tercero, la edición de un nuevo y completamente innecesario best of de la banda, que lleva el risible título de Midlife: A Begginer's Guide to Blur.

¿En qué consiste este posteo? En presentarle esas otras canciones de Blur que, como fanático, creo que son tan esenciales como los hits de la banda. Porque por más conocidos y amados que sean temas de la talla de "Country House", "Coffee & TV", "Beetlebum", "Girls & Boys" o "Song 2" (también conocida como la canción del "whoo-hoo!"), hay otros temas que merecen respeto. Voy a restringirme a canciones que aparecen en alguno de los discos de estudio, porque si agrego lados B no termino más. Aquí les va 6 de ellas, entonces.

"Colin Zeal" (Modern Life is Rubbish, 1993)

El bajo comienza, serpenteante, misterioso y pronto se le une la guitarra: "Chan chan chananana" y luego la batería. La voz se suma contándonos de un tipo llamado Colin Zeal: "Colin Zeal conoce el valor de la atracción masiva. Es un peatón, un orador civil". Súbitamente la música para y una voz lejana ("and the he...") da pie a uno de esos estribillos gloriosos que es difícil que no se te peguen. Y escuchen ese solo tan coxoniano, seguido de un nuevo estribillo con unos preciosos "uuuuh" de fondo.

"Star Shaped" (Modern Life is Rubbish, 1993)

Un tema pop de esos que Blur tan bien hace. El estribillo es adorable con esa interacción que dice: "Me siento tan innecesario. Nosotros no pensamos eso, pareces tener forma de estrella". El resto de la letra habla de lavarse el cuello con un jabón y no sé qué cosa, pero no le quita encanto.

"Trouble in the Message Centre" (Parklife, 1994)

Siempre pensé que este tema tiene un tono futurista. Tal vez es esa voz medio robótica que canta "Yo soy el operador", con ese sintetizador de fondo. Otro estribillo genial, más un canturreo "la la la" (sello de fábrica de la banda) y a cobrar (?).

"Best Days" (The Great Escape, 1995)

Una de las baladas más hermosas de la banda. Nada más que decir.

"Movin' On" (Blur, 1997)

Por qué este tema no fue single en vez de ese plagio al "Boys Keep Swinging" de Bowie que es "M.O.R.", es una gran incógnita. Tiene todo: un riff ganador, un estribillo inolvidable y un divertidísimo solo de sintetizador.

"Trimm Trabb" (13, 1999)

Esta canción de a poco esta recibiendo su merecida cuota de crédito: aparece en Midlife y la banda la está tocando en sus conciertos de regreso. Un tema oscuro, con Albarn repitiendo "it's just the way it is" con sumo desgano, un riff de guitarra tomado de "Wined & Dined" de Syd Barrett y una explosión a la mitad que te toma desprevenido. El final es caótico y memorable.

Un homenaje a Delia Derbyshire

2009-07-01T10:28:00.009-04:00

En una de mis absurdas excursiones melómanas (en este caso, en el terreno del rock psicodélico electrónico de finales de los 60's), me topé con un proyecto llamado White Noise, que sacó un fabuloso disco, An Electric Storm. El proyecto estaba integrado, al menos en ese disco, por David Vorhaus, un yanqui con formación clásica en contrabajo y un pasado en física e ingeniería electrónica (qué combo, ¿no?) y dos compositores de la BBC Radiophonic Workshop, Brian Hogdson y la homenajeada del día de hoy, Delia Derbyshire.

White Noise - "Love Without Sound" (1969)

Buscando más a fondo acerca de estas peculiares personas, me enteré que la señorita (al menos en ese entonces) Derbyshire fue la encargada del tema principal de la famosa serie de ciencia ficción Dr. Who, considerado ahora como uno de los primeros referentes importantes de la música electrónica. Se comenta en los pasillos de la BBC que el compositor del tema, Ron Grainer, quedó tan impresionado con el resultado que pidió a la BBC que Delia apareciera como co-escritora del tema, a lo que la emisora británica se negó rotundamente, impidiéndole a Derbyshire nadar en piscinas llenas de libras esterlinas en los años posteriores (bah, o eso es lo que supongo). Dato de color: el tema fue realizado en 1963.

Antes que los sintetizadores y toda esa gilada, Derbyshire realizaba sus composiciones de una manera muy... artesanal, se podría decir. Su especialidad era tomar cintas magnéticas de audio y comenzar a jugar con ellas, ya sea acelerándolas, creando loops, pasándolas en reversa, etc, y luego tocándolas en simultáneo. Todo un laburo medio complicado que lo explica mejor la propia Derbyshire en el siguiente video, con un fuerte acento británico, sin subtítulos en español y ostentando un adorable look de geek de laboratorio (le faltan los anteojos culo de botella y el delantal blanco nada más).

Desde este humilde espacio, entonces, se le dedica un sincero y merecido brindis a una de las pioneras de la música electrónica y que, lamentablemente, se nos fue a loopear cintas al Más Allá en 2001. Chin chin.

Mmmbop

2009-06-30T11:03:00.002-04:00

La única razón por la que existen los Jonas Brothers es para hacernos recordar que los Hanson, después de todo, no eran tan malos.

¡Exclusiva! ¡Te contamos el final de "Lost"!

2009-05-15T13:32:00.000-04:00

Es todo un sueño.

Los temas más insoportables de mis artistas favoritos - 3ª Parte

2009-05-04T12:05:00.004-04:00

Ver 1ª Parte y 2ª Parte.

THE STROKES - "Ask Me Anything"

Casi cualquier canción del tercer disco de Strokes, First Impressions of Earth podría haber aparecido. Pero "Ask Me Anything" se gana el vergonzoso puesto. La canción, a decir verdad, no comienza mal. La línea del sintetizador es simpática, y el primer verso pinta para un tema pasable. Hasta que llega (ruido de truenos) EL ESTRIBIIIILLOO (léase esto último con voz gutural). "No tengo nada que decir" repite una y otra y otra vez Julian Casablancas. No me jodas, no me había dado cuenta. Encima su voz suena limpia, dejando en evidencia sus limitaciones y desafinadas, mal que recorre el tercer disco de los neoyorkinos. El tema se titula "Preguntáme cualquier cosa". OK: ¿Qué les hizo pensar, muchachos, que este tema era los suficientemente bueno como para grabarlo y meterlo en un disco?".

DEVO - "Peek-A-Boo"

Devo siempre estuvo estuvo en la fína línea que separa la estupidez de la genialidad. Sus primeros discos casi siempre estaban más del lado de la genialidad, pero pronto se cruzaron de bando definitivamente. "Peek-A-Boo" es la muestra de ello. Es un chiste que no hay que tomárselo en serio, por supuesto. Pero es un chiste que no da gracia. Y un chiste que no da gracia es un chiste malo.

THE DRESDEN DOLLS - "First Orgasm"

A ver: todavía no encuentro la respuesta a por qué me gustan los Dresden Dolls. A simple vista, parece música para lesbianas neogóticas, pero la verdad es que el dúo es una de las propuestas más interesantes de la década. Su líder, Amanda Palmer, es una de las minas más talentosas del circuito alternativo actual. Tiene sus tropezones de vez en cuando, como demuestra "First Orgasm". Al parecer hay una guía llamada Cómo Ser Una Cantante-Pianista Provocadora, que si bien la señorita Palmer no necesita, ojeó por curiosidad. Y uno de los consejos que aparecen en el libro es: "Escribir una canción acerca de la masturbación". Y aquí esta Amanda, cantando en un tono monótono cómo a la mañana, mientras afuera los niños que van a la escuela gritan y corren, ella se acuesta en su cama y se toca. Ah, qué lindo. No sólo la letra es demasiado obvia, con referencias bastante bobas ("Voy a hacerme cargo del asunto con mis propias manos"), sino que es melódicamente aburridísima y el final dramático está totalmente fuera de lugar.

THE BEATLES - "Yellow Submarine"

Hay que aclarar que mi rechazo hacia "Submarino Amarillo" proviene de mi profesor de música de la escuela, que nos hizo aprender en flauta dulce la canción. Y como yo detestaba la flauta dulce (nunca supe tocarla bien -no vean doble sentido en esto, perversos-), siempre que escucho este tema se me vienen las imágenes y sonidos de toda aquella demoníaca orquesta de flautas dulces tocada por infantes repitiendo una y otra vez la melodía. Ni me molesto en poner el tema, porque ya lo deben archi-conocer.

Espíritu de época

2009-04-21T11:09:00.000-04:00

¡Porque nosotros también nos merecemos un documental conspiranoide, fatalista y maniqueo!

El turista

2009-04-15T17:27:00.002-04:00

Podríamos decir que todo comienza con una raspadita. Sí, de esas raspaditas. Un cartoncito con un material grisáceo y pastoso que uno raya con una moneda o una llave para, en la mayoría de los casos, descubrir una leyenda que anuncia “seguí participando”. Pero esta en particular informaba: “ganaste una colección de la editorial Océano”. Yo tenía 7 años. El premio consistía en una colección de varios libros de la editorial: un diccionario enciclopédico, uno de antónimos y sinónimos, otro de conjugaciones y un atlas, que es el que nos incumbe en este momento. Pasaba horas y horas frente a aquel enigmático libro gordo, contemplando las banderas, los mapamundis y las figuras de los países, algunos que nunca había escuchado en mi vida, como Burkina Faso o Vanuatu. Gracias a mi exposición casi enfermiza a dicho atlas, llegué hasta a saberme de memoria las capitales de prácticamente todos los países del mundo. Uno de los saberes inútiles que me enorgullecían (y enorgullecen) era tener en claro que la capital de Laos es Vientiane.

Por la misma época, mis padres (que estaban al tanto de mi pasión) me compraron otro libro lleno de mapas llamado “El Gran Atlas de los Chicos” y que era tan alto como yo. Si bien no era tan completo como mi libro predilecto, el admirable tamaño de esta nueva adquisición hacía que, literalmente, me sumergiera en los mapas. Así, en un momento estaba en Europa, luego daba vuelta uno de los enormes pedazos de cartón que hacían de páginas y ahora me encontraba en Oceanía. Tuve varios atlas después, aunque con los años fui perdiendo esa fascinación, particularmente por la aparición de nuevos intereses, que la mayoría de las veces no eran compatibles con la vieja afición, como la astronomía, los videojuegos o la música.

Pero no sólo viajé gracias a aquellas maravillas cartográficas. Mi padre siempre estaba dispuesto a recorrer distintos lugares del país y el resto de la familia, indefectiblemente, debía acompañarlo. No esbozábamos quejas, de todos modos. Nos gusta viajar. A mí particularmente me encanta descubrir paisajes nuevos y embriagarme con los sonidos particulares de cada ambiente que conozco. Llegué a conocer, junto a mi familia, distintos rincones de este país. Además de los lugares de postal como Bariloche o Mar del Plata, tuve el privilegio de conocer el Valle de la Luna, las selvas jujeñas, la cordillera mendocina, la Península de Valdés y las Cataratas del Iguazú. Pocas veces cruzamos las fronteras del país, por cuestiones de dinero y el miedo a volar de varios integrantes del clan familiar. De todas formas, en el ámbito foráneo, valoro unas divertidas vacaciones en las playas brasileñas.

Pero creo que mi experiencia como turista aún se encuentra inconclusa. Sueño con ir a Londres, por ejemplo. Soy un anglófilo empedernido, y fantaseo con caminar las calles que transitaron algunos de mis actores, escritores y músicos favoritos (“¡Esta es la calle por la que caminó Ray Davies mientras pensaba la melodía de ‘Sunny Afternoon’!”). Sueño con ir a Voltri, en la provincia italiana de Genova, para descubrir las raíces de mis ancestros. Sueño con Canadá, Nueva York, París, Gales, Australia, Rusia, Egipto. Sueño con todos esos lugares a los que imaginaba ir cada vez que abría aquel Atlas Enciclopédico del año 1995, mientras estaba acostado en mi cama. Cuando llegue el tan ansiado momento, el cuerpo acompañará a la mente en su travesía.

BAFICI: Filmefobia

2009-04-04T13:27:00.008-04:00

FILMEFOBIA
Dir.: Kiko Goifman
Con: Jean-Claude Bernardet, Cris Bierrenbach y José Mojica Marins

Mezcla de ensayo, mockumentary y película de terror psicológico, Filmefobia es una película difícil de clasificar. En esta rara criatura engendrada por el brasileño Kiko Goifman, Jean Claude, un director de cine malogrado, tiene en mente filmar un documental en donde varios fóbicos enfrentan sus objetos de terror a través de máquinas imposibles. ¿Su finalidad? No es terapia ni experimento psicológico: el deseo obsesivo del director es capturar el momento preciso en el que el fóbico pierde totalmente el control: "esa imagen está hecha para ser capturada" plantea Jean Claude. Entre el sadismo y el morbo, la cámara no sólo capta el festín de escenas grotescas que el experimento supone, sino también reflexiones acerca del poder de la imagen y del cuestionamiento moral en la producción del "documental".

Filmefobia se mueve a un ritmo asfixiante, con la oscuridad como protagonista indiscutible, tanto por la escasa iluminación como por el carácter perturbador de las imágenes. Sus escasos 80 minutos pasan volando de todas formas, pues el espectador no puede evitar quedarse pegado a su silla mientras ve pasar frente a sus ojos a personas volviéndose histéricas (o no) frente a sus respectivas fobias, ya sean víboras, payasos, sangre o... botones.

Al ser inclasificable, es difícil asegurar si la película es una genialidad o una estupidez total. Digamos que supo mantenerme asqueado y fascinado desde el minuto 0, y que pocas películas han logrado hacer ambas cosas a la vez.

?/10

Próximas funciones: Domingo 5/4, 19:45, Atlas Santa Fe.

BAFICI: Daytime Drinking

2009-04-03T10:25:00.008-04:00

DAYTIME DRINKING
Not Sool
Dir.: Noh Young-Seok
Con: Song Sam-Dong, Yuk Sang-Yeop y Kim Kang-Yee

Daytime Drinking nos narra las peripecias de Hyuk-Jin, que acaba de cortar con su novia y a quien sus amigos, en estado de ebriedad, quieren animar planeando un viaje. Lo malo es que sólo él termina haciendo la travesía, encontrándose perdido y sin un lugar a donde ir. Este es el disparador para varias desventuras jocosas que tienen al malogrado muchacho en el centro del huracán, conociendo diversos personajes, como una pareja que lo invita a una noche de pescado crudo, karaoke y mucho alcohol, y una desiquilibrada amante del arte.

Con una presentación clásica, Daytime Drinking funciona a partir de su humor sencillo y se refuerza a partir de divertidas situaciones desafortunadas y el siempre infalible poder del diálogo, con un personaje principal que resulta ser el típico perdedor sin suerte que tanto nos gusta amar y al que deseamos, desde el primer momento, que la suerte lo acompañe. Aunque parezca que eso no va a suceder pronto.

Cuando salimos de la sala donde se exhibió Daytime Drinking, mi amigo y yo, discutiendo la película, llegamos a la misma conclusión: su enfoque cómico es tan universal que se podría haber hecho en cualquier país. Hasta pensamos en una versión argentina y nos dimos cuenta que habría funcionado de maravillas. Aunque eso podría hablar mal de algún otro film en alguna otra ocasión, en este caso no hace otra cosa que anotarle otro poroto a favor.

8.50/10

Próximas funciones: Viernes 3/4, 16:00, Hotys Abasto; Doming 5/4, 20:30, Teatro 25 de Mayo.

BAFICI: Un Autre Homme

2009-04-02T10:08:00.010-04:00

UN AUTRE HOMME
Dir.: Lionel Baier
Con: Robin Harsch, Natacha Koutchoumov y Elodie Weber

François llega junto a su novia a Vallée de Joux, un pueblito alejado y nevado, donde se encargará de ser el editor principal del periódico del pueblo. Una de sus obligaciones será escribir críticas de las películas que están en cartelera en el pequeño cine local. Como François no caza un fulbo de cine ni mucho menos de periodismo, empieza a plagiar palabra por palabra críticas de una revista especializada de París. Pronto comienza a obsesionarse con el labor de crítico, pero cuando la dueña del cine del pueblito no quiere que François vaya más por las negativas críticas no-suyas, decide colarse en las exhibiciones para la prensa en Laussuane, una ciudad cercana. Allí conocerá a Rosa, crítica del diario L'Epoque,con quien establecerá una particular relación.

Lo que marca a fuego a Un Autre Homme es su sentido del humor. Es demasiado seco, neurótico por falta de una palabra mejor. Más que lograr carcajadas, el film parece querer lograr una sonrisa cómplice por parte del espectador. También se mete en el terreno de la sátira, sobre todo cuando aparecen discursos metalingüísticos, donde el mismo cine y la crítica son sujetos a ironías, más barderas que escandalosas. Los personajes se ven inmersos en este humor, y por ello es difícil sentir empatía por alguno de ellos (tal vez con excepción de Christine, la novia del protagonista). De todos modos, el personaje de Rosa (interpretada genialmente por Natacha Koutchoumov) resulta fascinante y el punto más alto de la película. Hay en ella algo de mujer fatal y manipuladora, pero también de compañera de aventuras. Sus escenas eróticas con François son más lúdicas que sensuales, y por momentos hasta incómodas. Es también durante estas escenas donde aparecen algunas de los diálogos más memorables ("¿Cómo me calificarías en el sexo?", pregunta François a Rosa, "¿5 estrellas, 4, 3...?").

Filmada en un blanco y negro que ayuda a marcar el tono seco del film, Un Autre Homme es un buen drama psicológico acomediado que se disfruta de principio a fin.

7/10

BAFICI: The Housemaid

2009-03-28T00:19:00.010-04:00

THE HOUSEMAID
Hanyo
Dir.: Kim Ki-young
Con: Lee Eun-shim, Ju Jeung-nyeo y Kim Jin Kyu

Un culebrón oscuro y estrambótico, en donde es virtualmente imposible adivinar lo que pasará luego. Así parece ser la mejor manera de describir a The Housemaid, película de 1960 y considerada uno de los mejores exponentes del cine coreano. Todo comienza cuando Dong-sik, un profesor de música deseado por muchas de sus alumnas, un buen día decide contratar a una mucama para que ayude a su mujer, extenuada por el trabajo con su máquina de coser. Así es como llega, por medio de una alumna, Myeong-sook. En la primera escena en la casa del músico, la flamante mucama mata a una rata con sus propias manos, mientras se relame sus labios. Ese gesto, tan pequeño, ya marca la peculiaridad del personaje que pronto se convertirá en una pesadilla para la familia una vez que se obsesione con su empleador.

En general, el film se mueve entre escenas muy intensas y hasta exageradas que generan cierto clima onírico. El suspenso es asfixiante y eso es gracias al genial uso de los tiempos y los ocasionales sonidos estridentes. También es un logro la caracterización de la mucama, que con sus miradas a través de las puertas corredizas y su torpe e irritante golpeteo de piano refuerzan su cualidad de ser desquiciado y digno de temer.

Pero por más que la historia sea dura y con algunas partes realmente impactantes, se revela un sentido del humor subyacente, negro en su mayoría, que se va colando de a poquito hasta llegar a una reflexión/moralina jocosa en el final, que a simple vista parece una tomada de pelo pero que sirve para cerrar de una manera bizarra un film único, imprevisible y definitivamente imperdible.

8.50/10

Próximas funciones: Miércoles 1/4, 16:00, Malba; Domingo 5/4, 20:45, Alianza Francesa.

BAFICI: Nick & Norah's Infinite Playlist

2009-03-27T20:16:00.013-04:00

NICK & NORAH'S INFINITE PLAYLIST
Dir.: Peter Sollett
Con: Michael Cera, Kat Dennings y Ari Graynor

Nick & Norah's Infinite Playlist es la comedia romántica para los chicos indie. Ya saben, esas criaturas que ningunean a U2, veneran a Pitchfork Media y le ponen 5 estrellas al último disco de Animal Collective en rateyourmusic.com. Juno ya lo había sido de alguna forma, pero aquella excedía el rótulo de rom-com.

Los protagonistas de esta historia son, a grandes rasgos, dos adolescentes fanáticos de la música. Él es un bajista con el corazón roto y único miembro heterosexual de una banda gay de hardcore sin baterista; y ella, una sarcástica muchacha hija de un importante empresario discográfico. Ambos se encuentran buscando a una ignota banda llamada Where's Fluffy? (me recuerda al "Hey, Where's My Bike?" de Generación X) en una noche de New York, y que los lleva a varias aventuras y, finalmente, al amor.

El punto fuerte de la película es el duo protagónico. Michael Cera viene a demostrar nuevamente que es uno de los pibes más queribles de la pantalla grande, mientras que su co-estrella Kat Dennings suma belleza (¡y cuánta!) a la pantalla. Juntos tienen la química necesaria como para llevar el factor romántico a los niveles necesarios. El elenco se completa con Ari Gaynor, como la amiga partuzera y borrachina de Norah y los compañeros de banda de Nick, quienes le agregan una dosis considerable de comedia a la historia romántica. Por supuesto, una parte importante del film es la música, la independiente sobre todo. Así suenan paladines del rock indie actual como Devendra Banhart, Vampire Weekend y We Are Scientists.

Nick & Norah no es una gran película, aunque nunca pretende serlo. Después de todo, no es más que una comedia romántica adolescente con la música como fondo; y en ese aspecto cumple con éxito. Es graciosa, el relato es fluído y, salvo el personaje de Tris (la ex de Nick), que parece salida de alguna cinta para preadolescentes producida por Disney, los personajes están bien construídos y son lo suficientemente queribles. Si querés ir y pasarla bien un rato (y las comedias románticas para adolescentes alternos son lo tuyo), a por ella.

6.50/10

Próximas funciones: Sábado 28/3, 23:00, Arteplex Duplex Caballito; Lunes 30/3, 16:15, Hoyts Abasto.

180º

2009-03-22T16:23:00.001-04:00

Hace unos días, Chris Cornell sacó su tercer disco como solista, Scream. Lo peculiar del disco es que el ex-Soundgarden y dios del grunge, se vendió al barrio del R&B, trabajando con el productor de Justin Timberlake, Timbaland. Lo que le salió es un mamarracho que tanto críticos como fans han demonizado, llevándolos a la misma pregunta... ¿qué fue lo que lo llevó a hacer semejante movida? ¿Afán experimental? ¿Deseso económico? ¿Ganas de conseguir una nueva clase de fans? Lo cierto es que Chris no fue (ni será) el único que sometió a su carrera dramáticos cambios. Aquí vamos con otros artistas y bandas que también han hecho saltos drásticos en su carrera. Algunos triunfaron y otros fracasaron estrepitosamente. Consideren esto una primera parte.

TALK TALK

De synth-pop a la creación del post-rock

A Talk Talk por ahí no los tienen de nombre. Pero si les cuento que es la banda creadora del hit ochentoso "It's My Life", entonces ahí les puede llegar a sonar. Lo cierto es que sólo unos años después de ese tema (4 para ser precisos), su líder Mark Hollis decidió que era suficiente y comenzó a experimentar con el jazz y climas densos y calmos. Así salieron Spirit of Eden primero y Laughing Stock después, discos que varios adjudican como pioneros del post-rock.

After the Flood (Laughing Stock, 1999)

NORAH JONES

De pianista jazz-pop a riot grrrl

¿La tienen a Norah, no? Haciendo esos temas tranquilos y aburridos para cincuetones mientras canta con ese susurro tan soporífero como sensual. Parece que para liberarse un poco, decidió juntarse con dos amigos, ponerse una peluca rubia, medias de red, calzarse una guitarra eléctrica y hacerse llamar Maddie. Ah, y hacer canciones tontas y contagiosas de punk-pop. El resultado es El Madmo, un conjunto divertido y absurdo. Es más un juego que una movida real, pero es más que curioso.

Carlo! (El Madmo, 2008)

HERBIE HANCOCK

De jazz a electro-pop

Herbie Hancock sacó en 1964 un instrumental bastante conocido, llamado "Cantaloupe Island". Búsquenlo en Youtube y les va a sonar. Bueno, la cosa es que el tipo, años más tarde se metió con el funk, algo que en el tema antes mencionado ya se iba dislumbrando. Lo que sí nadie esperaba es que casi 20 años después saltara con un disco electro-jazz (!), ni mucho menos que pegara un hit como "Rockit", que estaba acompañado de un estrafalario video. Algunas personas están llenas de sorpresas.

Rockit (Future Shock, 1983)

KISS

Del heavy metal al disco (al menos por un rato)

El cambiazo de Kiss, tan polémico, tan despreciado, no termina siendo tan sorprendente si uno tiene en cuenta que a la banda siempre le interesó más hacer guita que música. Teniendo eso en cuenta, "I Was Made For Loving You" era el paso a seguir a finales de los 70's en Estados Unidos. La fiebre disco daba plata... ¡hagamos un hit disco! Y qué hitazo (sí, sí, la discográfica tuvo algo que ver... pero qué quieren, me gusta ensañarme con Kiss) .

I Was Made For Loving You (Dynasty, 1979)

DAVID BOWIE

De singer/songwriter psicodélico a rocker glam a soul a kraut-rock a synth-pop a electrónica a jungle a rocker veterano

Y sí. No podríamos dejarlo de lado. El tipo hizo de todo. Algunas cosas le salieron una joyita (su período glam) y otras no tan bien (su etapa jungle). Pero que el tipo se la jugó, se la jugó. Lo mejor de todo es que no alienó fans en el camino (sí, Madonna hizo lo mismo... pero la lista la hago yo, carajo); siempre mantuvo a su público a su lado. Tal vez porque, si bien supo cambiar su imagen y su música, siempre mantuvo un estilo personal. Y eso es admirable. Un aplauso para el auténtico camaleón.

Little Wonder (Earthling, 1997)

Momento retro

2009-03-14T17:18:00.003-04:00

Miércoles a la tarde. Cine Hoyts del Abasto. Sala 9. En la pantalla aparece la cara amarga de Clint Eastwood como Walt Kowalski, lanzando un gruñido ante la visión de su nieta apareciendo en el funeral de su esposa con un piercing en el ombligo. De pronto, la cara del viejo cascarrabias se disuelve en marcas de cigarrillo y ¡plop! desaparece. Se había quemado la cinta. Ante este momento, atiné a decir algo un tanto estúpido a mi amigo que me había acompañado:

- ¡Wow! ¡Esto no pasa en un cine como este desde 1979!

PD: Muy buena Gran Torino. Un 8 sobre 10.

Stanley Kubrick, pensador en llamas

2009-03-07T18:16:00.004-03:00

Por Facundo García

Hoy se cumplen diez años de la muerte de Stanley Kubrick, lo cual sería un problema si alguien pretendiera hacerle una entrevista. De todos modos, al viejo no le gustaba hablar con la prensa, o sea que en ese sentido da igual que esté o no esté. Ahora: si de lo que se trata es de evaluar qué se perdió con su partida o por qué vale la pena extrañarlo, el balance es muy distinto. Frente a la licuada experiencia vital de quienes transitan estos tiempos de medianía, el itinerario del cineasta nacido en el Nueva York en 1928 adquiere –para utilizar una palabra que a él le hubiera gustado– los rasgos de una odisea que vale la pena repasar.

Porque la biografía de Kubrick es, fundamentalmente, la curva ascendente de un artista que le dio al compromiso con sus deseos la forma de un apostolado. Si esto fuera otro ditirambo de ésos que se vierten en estas fechas, habría que comenzar rastreando detalles del genio durante la infancia para ver si un gesto o una travesura vaticinaban lo que vendría después. Sería bobo intentarlo con Kubrick. Es cierto que su familia –que estaba más o menos bien parada– le regaló una cámara de fotos a los trece años ¿Y? En este momento hay millones de adolescentes que usan aparatos muy superiores. No, no hubo un talento que maravillara a los adultos en ese chico que jugueteaba por las calles del Bronx. Lo que sí estaba germinando en él, casi secretamente, era una manera de percibir y pensar por sí mismo. Sus amigos de la infancia lo recuerdan como un pibe inteligente, aunque trastornado. No era especialmente brillante ni salvaje y abandonó la secundaria sin graduarse. No obstante, esa mirada propia que en ocasiones lo aislaba lo llevó hasta el podio del cine, donde los que terminaron trastornados fueron los espectadores.

Ahí estaba el joven monstruo, todavía sin su barba distintiva, con veintidós años y trabajando como fotógrafo en la revista Look; cuando decidió destinar sus ahorros a Day of the fight (El día de la pelea, 1951), un documental de dieciséis minutos sobre el pugilista Walter Cartier. En uno de sus tramos la cinta muestra una sucesión de knock outs y una voz en off relata líneas que podrían haber entrado en cualquiera de los films que vendrían: “Al fanático lo guía el impulso atávico, primitivo y visceral de ver a un animal lastimar a otro (...) El correr de la sangre, de la sangre ajena”. El tipo tenía una puntería certera para simpatizar con los outsiders. Flying Padre (El padre volador, 1951), la historia de un cura itinerante que andaba en avioneta por Nuevo México, fue su segundo trabajo. Le siguió Seafarers (Gente del mar, 1953), que rescataba la rutina de quienes trabajan en los barcos y arrancaba con una frase de Joseph Conrad que también hubiera merecido estar en cualquiera de los largometrajes posteriores: “La verdadera paz de Dios comienza a mil millas de la orilla”.

La prensa lo describió como un manojo de timidez y paranoia, en contraposición a lo que opinan los que lo conocieron de cerca. Sí hay, en cambio, coincidencia alrededor de sus obsesiones. Dado que detestaba cometer errores, prefería no exponerse ante las cámaras o los micrófonos. Con la misma lógica irrevocable que lo hacía un temible jugador de ajedrez, solía repetir que “si no te vas a preocupar por algo, es mejor olvidarlo. Pero si vas a prestarle atención, entonces hacéte cargo de veras”. Ese perfeccionismo –que le permitió concretar sólo trece largometrajes en cuatro décadas, en una fiebre de puntillismo sólo comparable con la de energúmenos como Terrence Malick– lo llevó a hacer del séptimo arte el eje de su vida. Ya había renunciado a su empleo en Look cuando su familia le prestó los trece mil dólares que necesitaba para llevar a cabo el rodaje de su primera película, la bélica Fear and Desire (Miedo y deseo, 1953). Más tarde reunió fondos para hacer el thriller The Killer’s Kiss (El beso del asesino, 1955). Se estaban delimitando los contornos de un carácter férreo, que no se amedrentaba ante el desafío combinado de conseguir dinero, dirigir, escribir y producir sus obras, y que le daba para adelante sin que importara demasiado la opinión de los grandes estudios.

The Killing (El atraco perfecto, 1956) supuso una llamada de atención para Hollywood, que comenzó a percatarse de que ahí había un espécimen de ésos que se encuentran muy de tanto en tanto. Paths of Glory (Patrulla infernal, 1957) continuó el oscilar entre relatos de los bajos fondos y films de guerra. Y fue así que Spartacus (Espartaco, 1960) se quedó con cuatro premios Oscar y terminó de catapultarlo a la fama. El no estaba tan entusiasmado con el resultado, al punto de que luego definiría la obra como una “pieza menor”, en la que no había contado con el suficiente poder para explayarse.

Siempre lector y melómano, buscó tranquilidad mudándose a Inglaterra. Se volvió más penetrante, sin sacrificar la fascinación por los antihéroes. Adaptó Lolita, de Nabokov, en 1962; y dos temporadas después se despachó con Dr. Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Dr. Insólito, o cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba). En el ’68, en una época en la que la llegada a la Luna era casi un hecho, apareció 2001: A Space Odyssey (2001: Odisea en el Espacio). A riesgo de sonar exagerado, hay que reconocer que nadie que sea lo suficientemente inteligente sale indemne de esas dos horas: representan uno de los puntos más altos no ya de un creador, sino de lo que puede lograr la figura del autor tal como se la ha conocido hasta ahora. Posiblemente haya sido la falta de instrucción sistemática lo que le dio a Kubrick esa capacidad de contemplar la cultura como un cuerpo sin divisiones artificiales, que sirve para transmitir la identidad y eventualmente volarle la peluca a varias generaciones. La literatura, a través de Arthur Clarke y de un género como la ciencia ficción –que muchos consideraban menor–, se entrelazó armónicamente con recursos tecnológicos; y sonidos como los de la ya archiconocida introducción de “Así habló Zarathustra” de Richard Strauss se mecharon con alusiones filosóficas y uno que otro porro que aportaron los que iban a las salas. Era una nueva forma de estar frente a la pantalla.

Escalar hasta esas cimas no fue sencillo. Kubrick fue uno de esos casos en que el rigor mental va de la mano con la pasión. En efecto, sus tres esposas coincidieron en describirlo como un pensador en llamas. Su tercera mujer, Christiane, recuerda que para el cineasta no existían las vacaciones y que dormía sólo cuatro horas por día. “A veces ni dormía. Cada película era como completar los estudios en una universidad. Se leía una tonelada de libros”, contó en una entrevista reciente que publicó el periódico británico The Daily Telegraph. Por su parte, Keir Dullea –que encarnó al Doctor David Bowman en 2001– subrayó: “El sabía exactamente qué quería. Invitaba a su casa a historiadores y literatos y podía discutir de igual a igual con cualquiera. Era como una cebolla, cada capa que le sacabas ponía al descubierto dos nuevas, que vos desconocías”.

Lo mismo pasa con su filmografía, ya que luego del bombazo que fue 2001 llegó The Clockwork Orange (La naranja mecánica, 1971). La cinta, basada en una novela homónima de Anthony Burgess, causó tal polémica en Inglaterra que debió ser retirada de circulación; y refucila en la actualidad por sus planteos morales. A los que matan, ¿hay que matarlos? A los que violan, ¿hay que castrarlos? El propio Burgess comentó, cuando el film ya se había convertido en clásico, que si sólo se puede actuar bien o sólo se puede actuar mal, “no seremos más que una naranja mecánica, lo que quiere decir que en apariencia seremos un hermoso organismo con color y jugo, pero de hecho no seremos más que un juguete mecánico al que Dios o el Diablo (o el Estado, ya que está sustituyéndolos a los dos) darán cuerda”. Quien piense que esa película es vieja debería hacerse un encefalograma.

Con su lugar ya consolidado, el hijo del Bronx no cesó de apostar fuerte. Barry Lyndon (1975) continúa siendo para muchos un fiasco, quizá compensado por la maestría y la falta de pudores con la que el gran Stanley se metió con la claustrofobia horrorosa de Stephen King en The Shining (El resplandor, 1987). Full Metal Jacket (Nacido para matar, 1987) fue un regreso a la pasión por las tramas de guerra. Y Eyes wide shut (Ojos bien cerrados, 1999), aquella aventura psicoerótica con la pareja fetiche Cruise/Kidman, no hizo más que confirmar el hambre de Kubrick por seguir navegando las profundidades de la conciencia hasta que el corazón dejara de latir.

Momento "Caloi en su tinta": "The Cat Came Back"

2009-03-03T11:03:00.002-03:00

Un corto animado que conocí hace un par de años y que hace poco volví a ver (¡gracias I-Sat!). Nominado al Oscar.

PD: La canción es muy pegadiza.

Discografía estándar de una banda

2009-02-23T22:31:00.006-03:00

1º DISCO:

Celebrado disco debut. La banda suena juvenil, fresca y el disco tiene grandes singles. Las revistas "especializadas" nombran a la banda "la salvación del rock and roll".

2º DISCO:

Como dice el refrán: "si no está roto, no lo arregles". Todo lo que sobró de las sesiones del primer disco termina a parar acá, como así también algunos singles que se parecen sospechosamente a los mejores temas del debut. La crítica hace mierda al disco, clamando que "recurren a trucos ya vistos en su debut" y que (¡horror!) es un álbum muy decepcionante. Con el tiempo, se dirá que el disco está "subvalorado", creando todo un pequeño culto que dirá que "es mejor que el debut, que estaba muy sobrevalorado".

3º DISCO:

Mejora la cosa. Básicamente, el disco es más de lo mismo, pero con una exquisita vuelta de tuerca. Pero los fans van a decir que "es mejor que el segundo, pero no tan bueno como el primero".

4º DISCO:

Experimental. La otrora banda de rock directo y al palo ahora coquetea con otros géneros, sea jazz, electrónica o tango. Algunos críticos lanzarán loas por el arrojo del grupo, mientras otros dirán que fallaron rotundamente. Aislan a viejos fans, pero ganan nuevos que dirán "antes no me gustaban, pero ahora garpan en serio".

5º DISCO:

Vuelta a las raíces. El momento experimental los agotó y quisieron volver a lo más "sencillo y visceral". Los viejos fans vuelven con una sonrisa en la cara. De todos modos, en Pitchfork Media dirán que "no están pisando territorio nuevo" y "se están repitiendo", sellando su crítica con uno de esos inexplicables puntajes tipo 5.6.

6º DISCO:

Greatest hits. La banda se ha separado por un tiempo indefinido. Aparecen casi todos los mejores temas, aunque siempre va a haber alguno que se queje por la omisión de alguna canción.

7º DISCO:

¡Álbum de reunión! La banda ahora está compuesta por vejetes que apenas pueden sostener un instrumento, pero aun así grabaron su nuevo disco. La emoción por la vuelta del grupo se disipa rápidamente cuando todos se dan cuenta que el álbum es inmundo. Después de una extensa gira, la banda se separa definitivamente.

Camino al Oscar: El Lector

2009-02-20T23:09:00.005-03:00

EL LECTOR
The Reader
Dir.: Stephen Daldry
Con: Kate Winslet, Ralph Fiennes y David Kross

Y aquí llegó la relegada. La que nadie pensaba que iba a merecer una nominación al Oscar a Mejor Película. La que, cuando la consiguió, causó la furia de los fans más acérrimos de The Dark Knight, quienes piensan, un poco estúpidamente, que este film le arrebató su "lugar". La que llega a las ceremonias con las críticas más dispares. Pero vamos a lo importante: ¿es The Reader una buena película?

Pues sí, lo es, aunque muchos intenten pintarla como un bodrio melodramático acerca del Holocausto fríamente calculado para complacer a los miembros de la Academia. Sí, es lacrimógena. Pero como Expiación el año pasado, es una buena película lacrimógena.

The Reader se puede dividir en tres partes, bien distinguibles: la primera transcurre a fines de los 50's, donde el quinceañero Michael Berg entabla una relación más carnal que afectiva con Hanna Schmitz, una mujer medio agria que le duplica la edad y que disfruta que le lean novelas, poemas y cuentos. Esta parte está cargada de una bellísima atmósfera erótica, donde las escenas se mueven con la gracia de una bailarina. La segunda parte, en cambio, nos presenta a Michael como un estudiante de derecho. Hace años que no se ve con Hanna, hasta que presencia un juicio contra 6 guardias de sexo femenino que participaron de 300 asesinatos en el campo de concentración de Auschwitz durante el gobierno nazi. Y oh, causalidad, Hanna era una de las guardias. Esta segunda instancia de la película está llena de diálogos, nerviosos y precisos, con un manejo de los tiempos que se encarga de llevar la tensión al máximo. La tercera y última parte, que ocupa los últimos 40 minutos, es lo más flojo de la película. Sólo el reencuentro entre los dos protagonistas (escena clave del film) resulta ser lo único destacable, antes de acabar con dos escenas altamente anticlimáticas.

Kate Winslet brilla en su rol de Hanna (pero... ¿han visto alguna mala actuación de su parte? Hasta en ese bodrio llamado La Vida de David Gale se luce). Entrega frialdad, pero también vulnerabilidad. Y no olvidemos que está representando a una especie de monstruo asesino. Hay un destello de misterio y inconfortable atracción en el personaje que construye que lo que hace fascinante. También se destaca el joven David Kross como el Michael quinceañero/estudiante de derecho, en una performance sutil e imponente. Por otra parte, a Ralph Fiennes (que compone al ya adulto Michael) se lo ve fuera de lugar, como si estuviera en otro canal y que hace que los últimos minutos se acerquen al tedio.

Lejos de ser "otra película sobre el Holocausto", The Reader es un intenso drama con tintes morales que funciona la mayoría del tiempo y cumple al presentar personajes complejos y un reparto efectivo.

7/10

Camino al Oscar: Slumdog Millionaire - ¿Quién Quiere Ser Millonario?

2009-02-18T10:19:00.012-03:00

SLUMDOG MILLIONAIRE - ¿QUIÉN QUIERE SER MILLONARIO?
Slumdog Millionaire
Dir.: Danny Boyle (co-director: Loveleen Tandan)
Con: Dev Patel, Freida Pinto y Anil Kapoor

Termino de ver Slumdog Millionaire y me acosan emociones mixtas. Acabo de ver una película entretenida, con una puesta en escena realmente impactante, una banda sonora acorde y buenas actuaciones a cargo de un elenco ignoto. Danny Boyle desde la silla de director hace un trabajo genial, con atractivas secuencias con cámara en mano y montaje clipero que ensalzan al film de vértigo. Pero también hay muchas (tal vez demasiadas) cosas que me hacen ruido y terminan perjudicando mi apreciación.

Por empezar, el supuesto carácter de "cuento de hadas". En efecto, la película se siente como una: Jamal Malik, un muchacho iletrado de los bajos fondos de Mumbai está a punto de convertirse en millonario gracias a un programa de TV, con personajes periféricos que juegan los roles de "villanos" y hasta aparece una princesa azul inconquistable con quien nuestro héroe se obsesiona (la bonita Latika). Tal vez es por su supuesto carácter de "cuento de hadas" que los personajes se sienten unidimensionales, y en el caso de algunos de los "villanos" hasta caricaturescos. O que los diálogos recurran a cursilerías como "- ¿De qué viviremos? - Del amor". O que uno, en el camino, se encuentre con golpes bajos innecesarios y en algunos casos tiradísimos de los pelos (una muestra: en el principio de la película, una especie de Brigada de los Programas de TV de Preguntas y Respuestas tortura al personaje principal como si fuera un terrorista, por sospechar que hizo trampa en el concurso). Después está el insulso discurso del "está escrito": Jamal no llegó a esa instancia por su astucia ni por haberse graduado con honores de la "Universidad de la calle", sino porque ha sido dirigido por la caprichosa batuta del Destino.

Pero sospecho que si bien parece ser un cuento de hadas, el film guarda otras pretensiones. Sobre todo, quiere aleccionarnos sobre la vida en los barrios pobres de Mumbai. O de la India entera, si se quiere. Acá es donde la película entra en terrenos incómodos. Si bien la vida en los barrios bajos parece sinónimo de una existencia miserable, lo cierto es que bajo la lente de la cámara aparecen con cierto aire romántico. Está bien: no es un documental, es un drama con una historia ya de por sí inverosímil, pero las escenas en los barrios bajos de Mumbai parecen obedecer a cierto regodeo exótico. Esto parece cobrar más sentido cuando avanzado el film, aparece el mítico Taj Mahal, inconfundible figurita de postal de la India para los espectadores occidentales, a quienes está dirigido el film.

Aclaro: no me pareció mala. Me mantuvo entretenido y la estructura es lo suficientemente seductora como para mantener el suspenso. Pero aparte de las cosas que me "hicieron ruido" descriptas anteriormente, los personajes no me llegaron y se me hace hasta difícil nombrar alguna escena que me resulte memorable. Habrá que ver si, al volver a ella en un futuro, finalmente le encuentre su encanto.

6/10

Camino al Oscar: El Curioso Caso de Benjamin Button

2009-02-15T10:28:00.035-03:00

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON
The Curious Case of Benjamin Button
Dir.: David Fincher
Con: Brad Pitt, Cate Blanchett y Joeanna Sayler

El Curioso Caso de Benjamin Button es ciertamente una película para ver en el cine. Visualmente, es de lo más espectacular que se vio en los últimos años; el laburo de la gente de maquillaje y efectos especiales es descomunal, y hace que la metamorfosis del personaje principal sea aún más impactante. Por otra parte, los planos que utiliza Fincher y los tonos azulados y sepia son más que acertados. En fin, del lado técnico hay poco y nada de qué quejarse: la película se ve de lujo.

Pero una película que se ve bien no es necesariamente buena sin un guión que esté a la altura. Ese es el caso de Benjamin Button. La primera parte de la película es amena y disfrutable, condimentada con un par de escenas memorables (particularmente el ataque al submarino nazi: cine puro; inquietante y espectacular). Pero llegando a la mitad de la película, el guionista Eric Roth empieza a bombardear el film con varias sensiblerías de manual (¿era necesario que la historia la cuenten en un hospital de New Orleans durante el huracán Katrina?), reflexiones pedorras acerca de la vida y la muerte que fallan en su intento de ser profundas, y sobre todo, una trama romántica que más que conmover, aburre. Aparte de eso, hay ocasiones en las que el film empieza a parecerse peligrosamente a esa otra peliculita escrita por Roth sobre otro muchacho especial, de apellido Gump (es más: la estructura es prácticamente idéntica a la de la protagonizada por Tom Hanks), provocando un incómodo sentimiento de déja vu. El mayor crimen del film, sin embargo, es cómo se sacrifica una premisa interesantísima para terminar cayendo en lugares comunes. Es decir, tenemos a un tipo que va haciéndose más joven cada día que pasa, lo que podría generar una gran cantidad de jugosas subtramas... y, ¿en qué nos concentramos? En si Daisy, su amor de toda la vida, le da bola o no. Finalmente, termina dando la impresión que si Button hubiera sido un sujeto común y corriente, su historia no merecería ocupar 2 horas y media de nuestra atención.

Los papeles protagónicos dejan un poco que desear. Brad Pitt está bien cuando interpreta al joven anciano, pero cuando crece y sus facciones demuestran su belleza, parece estar haciendo un comercial de jeans más que un film épico. Cate Blanchett no pincha ni corta, aunque quizás se deba a que nunca logré conectarme con su personaje de Daisy; me pareció poco interesante y por ende, disfruté más de los momentos en que ella no aparecía en pantalla. Cosa que hacia el final se torna difícil, cuando, en una extraña vuelta de tuerca, se transforma en la protagonista de la película. Los actores secundarios son lo que terminan llamando más la atención, particularmente Taraji P. Henson, quien hace el rol de la madre adoptiva de Benjamín Botón y se gana la simpatía del espectador; y Jared Harris en su papel de un capitán borracho y aficionado a las prostitutas.

Benjamin Button termina siendo una experiencia con sus puntos altos, pero finalmente frustrante y muy decepcionante. Eso sí: mientras le den su muy merecido galardón de Mejor Director a David Fincher (responsable de 3 peliculones como Seven, El Club de la Pelea y Zodíaco), todo bien.

5/10

Camino al Oscar: Milk

2009-02-12T10:56:00.013-03:00

MILK
Dir.: Gus Van Sant
Con: Sean Penn, Emile Hirsch y Josh Brolin

Milk marca el regreso de Gus Van Sant al circuito mainstream, luego de su personal y experimental "Trilogía de la muerte" (la muy buena Elephant, la aburridísima Last Days y la "no la he visto aún" Paranoid Park) con la historia de Harvey Milk, que en los 70's llevó a cabo una lucha política por los derechos de los gays contra la cruzada moralista y retrógada de personajes como Anita Bryant o John Briggs.

La película, en general, se mueve dentro de un terreno conocido y ya explotado (la biografía de un personaje inspirador, desde sus comienzos hasta su ocaso, si es que hubo uno), y aquí la mano de Van Sant no es tan evidente, tal como pasaba en Good Will Hunting, la obra más hollywoodense del director. De todos modos, su sello es percepctible en la forma de encarar la historia y termina entregando un film impecable, con algunas escenas realmente logradas, creadas con una extraña mezcla de sutileza y contundencia.

Pero quizás el mayor mérito del film provenga de su elenco. No tanto por la correcta pero (me atrevo a decirlo) sobrevalorada performance de Sean Penn, sino por los compañeros de reparto: se lucen Emile Hirsch (el de Meteoro) como Cleve Jones, un joven agitador; James Franco (el amigo/enemigo de Peter Parker en las Spider-Man) como Scott, el 1º amante de Milk; Josh "ya délen el maldito premio" Brolin como un político conservador; y, en menor medida, Diego Luna como el otro amante del personaje del título.

La película no podría venir en un mejor momento, si tenemos en cuenta la aprobación de la Propuesta 8 en California, que eliminó el derecho al matrimonio entre dos personas del mismo sexo el pasado mes de Noviembre. Así, Milk pasa de ser simplemente una sólida y emotiva biopic a un disparador de debates necesarios y contemporáneos.

8/10

Camino al Oscar: Frost/Nixon - La Entevista del Escándalo

2009-02-08T23:03:00.002-03:00

FROST/NIXON - LA ENTREVISTA DEL ESCÁNDALO
Frost/Nixon
Dir.: Ron Howard
Con: Frank Langella, Michael Sheen y Kevin Bacon

Paremos la moto. ¿La ficha técnica es correcta? ¿Ron Howard dirigió esta película? ¿Posta? ¿El mismo pelafustán de Una Mente Brillante, El Código da Vinci y Cinderella Man? Qué agradable sorpresa. No es un espectáculo pochoclero, no hay personajes que vencen dificultades y triunfan al final ni sentimentalismo barato. Es más, la premisa no garantiza un hit de taquilla: estamos hablando de una dramatización del detrás de escena de las famosas series de entrevistas a cargo del periodista David Frost (un presentador populachero, sin un fondo político serio y que se codea con la farándula) a Richard Nixon después de su renuncia por el escándalo de Watergate. Y Howard hace un buen trabajo en este racconto: el film es redondo, atrapante, dinámico y dramático sin recurrir a trucos baratos (aunque por momentos parece que está apunto de hacerlo). De todas formas, hay que reconocer que tuvo mucha ayuda.

Por empezar, del guión de Peter Morgan (quien es también el escritor de la obra de teatro en la que se basa el film), que anota porotos a partir de diálogos punzantes, y convirtiendo a la entrevista en una furiosa y estratégica batalla en donde los dos bandos buscan un fin especial: por el lado de Frost, un índice de audiencia considerable y el juicio que el ex-presidente nunca tuvo (fomentado principalmente por sus investigadores, Bob Zelnick y James Reston, Jr.); por el lado de Nixon, una limpieza de su nombre y su prestigio, que han sido manchados luego de Watergate.

Otra mano importante viene de parte de las actuaciones: Michael Sheen como Frost está estupendo, pero Frank Langella es el que más se destaca, creando un Nixon propio, sin caer en la tentación de la más descarnada imitación. Es curioso también cómo no se lo demoniza a este controvertido personaje, aunque el espectador tampoco llega a sentir una completa empatía hacia él. Volviendo al plano de la actuación, algunos papeles secundarios como los de Kevin Bacon y Sam Rockwell terminan de dar forma a un elenco excepcional.

Así que... bien por vos, Ronnie. Esta puede ser tu oportunidad para finalmente empezar tu redención. Veamos, ¿cuál será tu próxima película?... ¡¿La adaptación de Ángeles y Demonios?! Ay ay ay...

8/10

Notihaikus - 6ª Edición

2009-02-03T23:57:00.001-03:00

1. Solá dice que podría aliarse con Macri y que no volverá al kirchnerismo

Reconoció que es probable que en octubre integre una boleta con Jorge Macri, el primo del jefe de Gobierno porteño.

¿Solá, veleta?
¿O prepara venganza?
Guarda con Macri

2. Traspié para Obama: en menos de 24 horas renunciaron dos funcionarios clave

El ex senador Tom Daschle, quien iba a ocupar la cartera de Salud, retiró su postulación por un escándalo de evasión fiscal. Antes, Nancy Killefer, designada supervisora general del gobierno, renunció por no pagar los aportes de su personal doméstico.

Recién asumió
Y ya dos renunciaron
Pobre Obama

3. Un restaurante de Londres deja que clientes paguen "a voluntad" por la crisis

La situación financiera mundial puso de relieve la imaginación. Un local de la capital inglesa presentará durante febrero una factura en blanco para que paguen lo que quieran.

Restaurant inglés
Se ajusta a la crisis
Todo "a la gorra"

Lost in translation (Parte II)

2009-01-31T20:47:00.003-03:00

Un vendedor en Plaza Francia:

- (Indicando un reloj a un turista extranjero) Quius mi... ¡es del güater resístant!

Un cartel en un puesto de la feria de artesanos de El Bolsón:

We speak english (Heavily accented and with foul language!)

Únanse, unámosnos, unirse

2009-01-28T15:40:00.007-03:00

¿Alguien puede pensar en un título de canción que tenga referentes homónimos tan buenos como "Come Together"? Yo distingo tres temazos con el mismo título: los de Beatles, Spiritualized y Primal Scream (Blur también tiene una canción con el mismo nombre, pero no es tan buena).

The Beatles (1968). ¡El bajo, escuchen el bajo!

Primal Scream (1991). Contemplad el maravilloso mundo baggy (la versión del video es un remix, vale aclararlo).

Spiritualized (1997). Little Johnny's occupied...

Palito palito aniversario

2009-01-21T11:20:00.008-03:00

Sí, sí, señoras y señores del jurado. Este pequeño, humilde, hasta insignificante blog ha cumplido dos años. Dos años de música copada, varias digresiones sesudas y ataques cinéfilos. Y en vez de que ustedes me regalen algo, yo les entrego este presente: el primer compilado oficial del blog, nombrado de una forma muy original "Compilado PopScene!", con (casi) toda la música que le dio ritmo, melodía y acordes a varios posts. ¡Bajenlo y sean la envidia de sus compañeros de squash! Contiene los siguientes temas:

01. Blur - "Popscene" (3:15)
02. The Magnetic Fields - "California girls" (3:00)
03. The Long Blondes - "Giddy stratospheres" (5:06)
04. The Aliens - "Setting sun" (3:46)
05. Kraftwerk - "Pocket calculator" (4:58)
06. Mataplantas - "Vestida para matar" (3:25)
07. Amanda Palmer - "Leeds United" (4:47)
08. The Beta Band - "Squares" (3:44)
09. Stereolab - "The noise of carpet" (3:07)
10. The Kinks - "David Watts" (2:33)
11. Syd Barrett - "Baby lemonade" (4:10)
12. Os Mutantes - "Panis et circenses" (3:38)
13. Pulp - "Help the aged" (4:28)
14. The Hives - "Die, all right!" (2:49)
15. The Bees - "Chicken payback" (3:13)
16. Super Furry Animals - "Receptacle for the respectable" (4:33)
17. Wire - "The 15th" (3:05)
18. Devo - "Shrivel-up" (3:03)

BAJAR

Esquel, the big bag and Puelo lake

2009-01-19T19:06:00.009-03:00

MICRO DE IDA:

Equipado con asientos que eran más "casi cama" que "semi cama". Funciones a bordo: Meteoro, la película y August Rush. De la primera vi un poco y parecía un festín de colores y efectos especiales. Aburrido. La segunda ni la vi, estaba ocupado durmiéndome.

ESQUEL:

Llegamos luego de unas maratónicas 25 horas de viaje. A atrasar el reloj de pulsera una hora, acá son las 4, allá son las 5. Conocí un alerce de casi 3000 años y anduve en catamarán. Mi autobiografía se llamará: "Esquel me da gases", mi sistema digestivo no la pasó bien. Me quedé con ganas de ir a una casa de té en Trevelin. Participé en un nuevo hito de la industria turísitica/ferroviaria de la nación: el primer viaje nocturno de "La Trochita" (imagen de arriba). Consejo de melómano: buscar disquerías en ciudades del sur. Conseguí Dear Catastrophe Waitress de Belle and Sebastian a $20.

EL BOLSÓN:

Qué belleza. Si nunca fuiste ahí, no sabés de lo que te perdés. Dejá el caretaje de Bariloche, San Martín de Los Andes y Villa la Angostura y pasáte en tus próximas vacaciones por ahí. Hacéme el favor. La ciudad creció bastante desde la última vez que fui, hace unos 9 años. Y muchos (pero muchos) turistas extranjeros. Nada me dijo tanto "tenés que hacer más ejercicio" que la subida al Cerro Piltriquitrón.

LAGO PUELO:

Otra belleza. La playa, un poco más mugrienta de lo que esperaba. ¿Turismo irresponsable?

MICRO DE VUELTA:

Asientos semi cama 100%. Un grupo de turistas israelíes nos acompañó y compartió su colección de DVD's. De esta forma, las funciones a bordo fueron: 21 - Blackjack (entretenida; para ver un sábado a la tarde en el cable) y dos clásicos a las que le tenía ganas: Sueños de Libertad (The Shawshank Redemption; me gustó mucho a pesar de sus tics hollywoodenses) y Caracortada (o Scarface; merca, tiros y puteadas a mansalva... el final es una genial salvajada).

SOUNDTRACK:

The Sophtware Slump de Grandaddy; The Golden Dove de Mary Timony (¡qué lindo disco!); Haha Sound de Broadcast; y The Mollusk de Ween. Qué repugnante chico "indie" que soy.

Este segmento se llama: "Bandas de rock alternativo de los 90's con chicas con guitarras - ¿Parte I?"

2009-01-03T23:37:00.015-03:00

My Bloody Valentine - "Only shallow" (1991)

Lush - "For love" (1992)

The Breeders - "Cannonball" (1993)

Helium - "Superball" (1995)

Elastica - "Connection" (1995)

¡Último post del año!

2008-12-29T23:07:00.005-03:00

¿Qué hago? ¿Otra lista de lo mejor del año? ¿Una reflexión de mi 2008 en el plano personal? Mmm, no sé... mah sí, lo termino con un video de Fred Durst haciendo un solo de guitarra. Qué tanto quilombo.

Ah, sí. Feliz 2009 para Uds., estimados lectores.

Best of '08: Videoclips

2008-12-26T11:11:00.002-03:00

05.
STEREOLAB - "Neon beanbag"

Un video abstracto e hipnótico para un tema saltarín. La combinación es rarísima, pero viniendo de Stereolab, tiene sentido.

04.
MYSTERY JETS - "Two doors down"

¿Volvimos a los 80's y yo no me di cuenta?

03.
THE ALIENS - "Magic man"

Luna, el segundo disco de The Aliens, habrá sido una decepción, pero tanto el primer single como su respectivo video se pasan de geniales. El video utiliza el recurso "rewind" de una manera original, pero no sólo eso: también hacen su aparición globos de historietas, tiras de colores, disfaces... Buenas tardes psicodélicas para todos.

02.
THE LAST SHADOW PUPPETS - "Standing next to me"

Alex Turner y Miles Kane aparecen en modo The Animals y la cámara se aleja, se acerca y se mueve alrededor de ellos. Luego, un grupo de bailarinas ejecuta una coreografía al compás del solo orquestal. Hacia el final, el dúo reaparece con anteojos negros y dejan que reflectores proyecten sus sombras sobre la pared. Todo en 2 minutos y medio. Es-pec-ta-cu-lar.

01.
THE BPA C/DAVID BYRNE Y DIZZEE RASCAL - "Toe jam"

Barritas censuradoras. Quién lo hubiera pensado. Imperdible el cameo de Norman Cook AKA Fatboy Slim (quien, además, es la mente detrás de The BPA).

Best of '08: Discos (2ª Parte)

2008-12-23T10:10:00.002-03:00

Porque 10 discos no eran suficientes, aquí van 5 más.

15.

THE LAST SHADOW PUPPETS
The Age of the Understatement
Domino

Siendo un poco malicioso, uno podría decir que los Last Shadow Puppets (proyecto de Alex Turner, líder de los Arctic Monkeys y Miles Kane de The Rascals) suenan como los liderados por Turner pero con cuerdas. Si bien en ocasiones es cierto ("I don't like you anymore" aparece como el mejor ejemplo), tal definición no sería del todo precisa. Estamos hablando más bien de pop sinfónico con secciones acústicas, apoyado en los lujosos arreglos orquestales y las poderosas canciones interpretadas por las voces casi gemelas de Turner y Kane. Hay un fantasma de los 60's merodeando constantemente en The Age of the Understatement, pero teniendo en cuenta la edad de los intérpretes (apenas pasan los 20 años), tiene su necesaria dosis de frescura que lo hace sonar actual.

Tema destacado: "Standing next to me".

14.

THE EPOCHS
The Epochs
Rebel

El disco debut de los Epochs es un bicho raro. Muchas de las canciones son intrincadas, con cambios bruscos de ritmo y de atmósferas, intercalando rock, soul, guitarras acústicas y teclados varios. Y, por más difícil que pueda parecer la escucha, el álbum termina siendo totalmente amigable. Como unos TV on the Radio mas melódicos, The Epochs emplean deliciosos juegos de voces y preciosas melodías, ya sea en el pop fragmentado de "Thunder & lightning" y "Love complete" o en "Mouths to feed", con su pulso electrónico. De lo más inquetantemente agradable que escuché este año.

Tema destacado: "Mouths to feed".

13.

MATAPLANTAS
Escape del Planeta Viviente
MataRex

Sin ser tan contundente como su antecesor Hickie, Escape del Planeta Viviente afianza a Mataplantas como una de las agrupaciones más intrigantes de la escena nacional. Retazos country para mover la patita como "La década de los Cheventa" u "Onda que..." se confunden con la psicodelia de temas como "Bicicleta" y "Capitán Mandarina" y el disco sideral-deforme de "Steve Ray Conniff". Pasan referencias a la primavera y al amor, pero también a viajes espaciales y trenes psicofantásticos, como para que continuemos disfutando de la entrañable lisergia del cuarteto.

Tema destacado: "Steve Ray Conniff".

12.

OASIS
Dig Out Your Soul
Big Brother/Reprise

Dig Out Your Soul no es un clásico del futuro, pero es sin duda un gran disco, con una producción rica en detalles y fundamentalmente, una solidísima colección de canciones tal como sólo los hermanos Gallagher nos pueden entregar. Los mejores momentos los brindan "Bag it up", probablemente el mejor inicio de un disco de Oasis desde "Hello" del What's The Story?, "I'm outta time", una de las baladas más preciosas de la banda (obra de Liam), hecha para corear en estadios y "The turning", cuyo estribillo nos hace recordar por qué Noel Gallagher era considerado uno de los mejores compositores de rock de la década pasada.

Tema destacado: "The turning".

11.

MGMT
Oracular Spectacular
Red Ink/Columbia

Este dúo con base en Brooklyn es una de las más agradables sorpresas de este año. Y su disco debut es una verdadera fiesta para los oídos, amalgamando de una manera satisfactoria glam-rock, psicodelia y electrónica. En definitiva, lo que se escucha en Oracular Spectacular es a dos curiosos muchachos mostrando lo que aprendieron a partir de escuchar discos de David Bowie ("Weekend wars"), Rolling Stones ("Pieces of what") y los Bee Gees ("Electric feel"), entre otros. No estamos hablando de algo que no hayamos escuchado antes (ver Flaming Lips), pero el producto final es irresistible.

Tema destacado: "The youth".

Best of '08: Discos

2008-12-20T10:05:00.007-03:00

10.

STEREOLAB
Chemical Chords
4AD

Después de casi 20 años de trayectoria, Stereolab ya se ha ganado un lugarcito privilegiado en la historia del rock alternativo. Pero como para que no pensemos que ya está todo dicho, la banda de Tim Gane y la francesa Laetitia Sadier nos deja otro trabajo excepcional. Chemical Chords agrega al combo registrado de la banda de krautrock + chanson françois algo de soul, como lo notamos en canciones como "Neon Beanbag", "Three Women" y "Self Portrait With Electric Brain". Un álbum colorido, excitante, repleto de ritmos saltarines, órganos, xilófonos, cuerdas, vientos y, por supuesto, la sensual voz de sirena sedada de Sadier.

Tema destacado: "Daisy Click Clack".

09.

SPIRITUALIZED
Songs in A&E
Fontana International

Jason Pierce casi pasa al otro lado cuando estuvo internado por una doble neumonía hace tres años, pero logró burlar a la Muerte y vivió para contarlo en Songs in A&E, el disco más emotivo del año. Guitarra acústica, melodías lánguidas, casi suspendidas y la voz vulnerable de Pierce, acompañada por coros angelicales y piezas orquestales, que le dan un toque épico al asunto. Lejos de cualquier melosidad, las canciones reflexionan sobre el amor, almas en llamas, la vida y (por supuesto) la muerte. El soundtrack ideal para hacerle "pito catalán" a La Parca, mientras descansamos sobre colchones de nubes.

Tema destacado: "Soul On Fire".

08.

NICK CAVE & THE BAD SEEDS
Dig!!! Lazarus Dig!!!
Mute

Nick Cave cumplió 50 años y lo celebró de la mejor manera posible: rockeando. En Dig!!! Lazarus Dig!!! las canciones toman un rumbo místico, empezando ya desde la referencia bíblica del título, con guitarras filosas y teclados que a veces remiten inmediatamente a los Doors. El escenario es perfecto para que Cave, en su papel de caballero oscuro, nos deje relatos espectaculares, como en la magistral "We Call Upon the Author", donde lanza una de las frases del año (en el plano de lírica rock): "I feel like a vacuum cleaner, a complete sucker!".

Tema destacado: "Albert Goes West".

07.

VAMPIRE WEEKEND
Vampire Weekend
XL

Los neoyorkinos Vampire Weekend se convirtieron de la noche a la mañana en la nueva gran sensación del mundo "indie". Y serían una mentira más si no fuera por lo adictivo que es su disco debut. Musicalmente, es una especie de unión entre guitarras angulares y beats africanos, que realmente funciona y entretiene. Hay un aire tropical en cada rincón del disco, una sensación de estar en un lugar cálido escuchando a una banda de pibes que cantan sobre, entre otras cosas, amores en un campus universitario. Mención especial para la envolvente y dulzona voz del cantante Ezra Koening.

Tema destacado: "The Kids Don't Stand a Chance".

06.

PORTISHEAD
Third
Mercury/Island

En los 11 años que los Portishead se mantuvieron en silencio discográfico, el trip-hop (género que ayudaron a concebir) como lo conocíamos dejó de existir. Beth Gibbons y los suyos lo saben, y es por eso que en su tercer trabajo discográfico se despachan con un sonido más laberíntico, con guiños al krautrock ("Silence" es Can y "Machine Gun" es Kraftwerk) y jugando con instrumentos acústicos (como el ukelele en "Deep Water"). La música sigue siendo tan cinematográfica como siempre, y Gibbons continúa en su mejor forma, emocionándonos con su enigmática voz.

Tema destacado: "We Carry On".

05.

THE RACONTEURS
Consolers of the Lonely
Warner Bros.

Consolers of the Lonely sigue la misma senda del debut Broken Boy Soldiers (una fascinación por el rock de los 60's y los 70's) y lo exponencia: este es un disco más variado, con más matices que el debut, algo que se ve tanto en el costado pop de "Many Shades of Black" o el sabor country de "Old Enough". Y aunque sean 14 canciones, ninguna de ella puede ser considerada relleno (¿tal vez "Attention"?), lo que significa un logro más para el álbum. En esencia, lo que finalmente demuestran The Raconteurs (pronúnciese "racontúrs") con su segundo disco es que de ninguna manera deben ser considerados simplemente como "el proyecto paralelo de Jack White". Porque es una banda con peso propio que rockea y con bastante autoridad.

Tema destacado: "The Switch and the Spur".

04.

CLINIC
Do It!
Domino

Do It! no viene a inventar nada en la discografía de los ingleses Clinic. Están todos los trucos que la banda viene empleando desde su debut Internal Wrangler: psicodelia, punk, folk, teclados vintage, la voz nasal del cantante Ade Blackburn... entonces, ¿qué hace a Do It! tan especial? Quizás la respuesta venga de la mano de las canciones: escuchen los ejercicios "riff guitarrero-melodía calma" de "Memories" y "Free Not Free", el ataque sesentoso de "The Witch", el punk psicótico de "Shopping Bag"... Y no sólo es el disco más pegadizo de los enmascarados (para los que no lo sepan: se presentan en público con barbijos), sino también el más consistente por un amplio margen.

Tema destacado: "The Witch".

03.

AMANDA PALMER
Who Killed Amanda Palmer
Roadrunner

Desde que se hizo conocida hace unos años al frente de Dresden Dolls, Amanda Palmer viene dejando bien en claro que es una de las intérpretes más fascinantes de la actualidad. Su disco debut como solista es una gratísima sorpresa, donde se da la oportunidad de lucirse en baladas íntimas ("Ampersand", "Another Year"), rock teatral ("Guitar Hero"), pop descarado ("Oasis", un sardónico cuento de violación, aborto y fanatismo adolescente en plan Ronettes) y, por supuesto, acercamientos al cabaret (la infecciosa "Leeds United"). Todo un descubrimiento, considerando que no soy de los que se fascinan con cantantes-pianistas verborrágicas...

Tema destacado: "Guitar Hero".

02.

WIRE
Object 47
Pink Flag

Wire haciendo pop no es algo raro. Es más, cuando lo hacen, los resultados suelen ser más que buenos: allí tienen a "Mannequin", "Outdoor Miner", "Kidney Bingos"... o algunas de las maravillas de Object 47. Indiscutiblemente, este es el disco que era necesario hacer después del abrasivo Send (2003): aquí prevalecen las melodías, los estribillos que se dejan cantar. Pero claro, esto es Wire y también aparecen las guitarras angulares, los climas enrarecedores y las letras abstractas. El resultado es un disco pop, sí, pero con una vuelta de tuerca que lo hace sumamente auténtico. Y eso vale mucho considerando que es el producto de una banda cuyos integrantes superan los 50 años de edad.

Tema destacado: "Mekon Headman".

01.

THE MAGNETIC FIELDS
Distortion
Nonesuch

Lo primero que uno nota al escuchar Distortion es que Stephen Merritt, el genio detrás de Magnetic Fields, se copó mucho con Psychocandy de Jesus and Mary Chain a la hora de pensar el noveno álbum de su banda. Esta es su versión de aquella Biblia del noise-pop: 13 canciones pegadizas condimentadas con mucha distorsión (como bien indica el título) y feedback. Pero al contrario del disco de los Mary Chain, donde las melodías quedaban sepultadas bajo kilos de ruido, aquí son ellas las verdaderas vedettes. Las composiciones de Merrit están repletas de ganchos y queda en claro que serían hits si no fuera por su naturaleza autodestructiva. Las letras van desde el pesimismo ("Mr. Mistletoe") a la ironía ("The Nun's Litany"), nunca perdiendo la lucidez, y las voces tanto del propio Meritt (con su caracteristica voz grave y monótona) como de la cantante invitada Shirley Simms hacen las cosas aún más atractivas. Un disco de esos que dan gusto escuchar de principio a fin... una y otra vez.

Tema destacado: "Too Drunk to Dream".